Agua, Sol y Sereno LAS SONRISAS DEL BARRO – Eco Poéticas de Agua, Sol y Sereno Dr. Pedro Reina Agua, Sol y Sereno, colectivo artístico puertorriqueño fundado por Pedro Adorno y Cathy Vigo en 1993, conmemora sus 28 años de trabajo multidisciplinario con una exhibición abarcadora que nos lanza por los caminos de la expresividad y la memoria para que, junto a ellos, interpretemos su trayectoria. Presente desde sus inicios en múltiples escenarios sociales en el país, dando respuestas estéticas puntuales a los constantes desafíos colectivos que vivimos, la agrupación ha regado puñados de semillas en las calles que hoy se convirtieron en un tupido bosque de árboles flotantes que crecen en todos lados, y que incorporan entre otros las huellas de la alegría, la denuncia y la imaginación. Valiéndose de toda estrategia performativa —integrando la música, el movimiento y la plástica— Agua, Sol y Sereno sale vez tras vez en comparsa para invitarnos al banquete pleno de los sentidos, levantando a su paso a todo el panteón cultural en una celebración reiterada de la vida y de la historia. Todes caminamos con elles en esta procesión comunitaria. Montados en zancos, vistiendo los mejores vestuarios y acompañando la procesión de héroes y heroínas simbolizados en cabezudos de papel maché, rememoramos el origen y celebramos la vida en un rito sagrado que se verifica a cielo abierto, sin miedo y con intención. La exposición propone un recorrido donde se presentan y contextualizan elementos fundamentales de la propuesta vital del grupo como lo afrocaribeño, lo urbano-sonoro, el carnaval, y la memoria, entre muchos otros. En cada sección se destacará el elemento comunitario de cada trabajo, el espíritu de la colaboración que caracteriza cada propuesta estética y el aliento dramático que dio vida a cada paso de este colectivo de creadores, en su camino a instalarse como un referente en los anales de las artes de la representación en Puerto Rico.   Agua, Sol y Sereno Dra. Mareia Quintero Rivera En su nombre habita la semilla de una poética enraizada en el entorno y una ética comprometida con la democratización del arte. Fundado en 1993 por Pedro Adorno y Cathy Vigo, Agua, Sol y Sereno (ASYS) se destaca por una abarcadora labor cultural en diálogo continuo con la realidad social del país. Este colectivo ha explorado un amplio registro artístico, desde el teatro de actor, hasta el uso de máscaras, zancos, danza, música en vivo, cine y video-arte, produciendo un vasto caudal de espectáculos, comparsas, rituales, instalaciones, producciones cinematográficas y audiovisuales, entre otros. ASYS cuenta con un repertorio propio que alcanza más de veinte piezas originales, algunas de las cuales se han presentado en festivales internacionales en Venezuela, Brasil, Cuba, República Dominicana, Ecuador, Uruguay, España, Francia y diversas ciudades de los Estados Unidos. Sus trabajos responden a un profundo interés por crear un teatro que aporte al diálogo social, partiendo de una mirada introspectiva a las heridas personales y colectivas, a la fragilidad de los vínculos humanos y a la necesidad de fortalecerlos. Sus procesos creativos se fundamentan en la investigación histórica, socio-cultural, estética y filosófica de las temáticas que abordan, produciendo obras que narran nuestra experiencia social con lentes propios. Este acercamiento permite profundizar en asuntos como la destrucción ecológica, la violencia social, la colonialidad, las carencias alimentarias o las muertes tras el paso del huracán María, a partir de las experiencias de vida de los propios integrantes del colectivo y de las comunidades con las cuales el grupo ha trabajado desde su creación, explorando los matices y la complejidad de la condición humana. Sobresale su inigualable entrega a la labor comunitaria y educativa, presentando su repertorio y desarrollando talleres y residencias en comunidades de escasos recursos económicos, centros de rehabilitación y escuelas a lo largo y ancho de Puerto Rico y su diáspora. Partiendo de los principios de la educación popular latinoamericana, ASYS ha consolidado una pedagogía de la imaginación, que va más allá la enseñanza de técnicas artísticas y abre un umbral a la participación en procesos creativos que nacen de la observación y conversación sobre las vivencias personales, familiares o comunitarias. Este quehacer no sólo entraña un aporte social invaluable, sino que ha nutrido la creación artística del grupo, brindándole un contacto directo con las realidades y los imaginarios colectivos de las mayorías. Dicho vínculo ha permitido que su trabajo artístico dialogue con amplios públicos del país, desde una lógica que escapa los dictámenes del mercado y la farándula. Siguiendo el llamado sonoro y espiritual de nuestra afrocaribeñidad, ASYS ha buscado profundizar en los fundamentos de la cultura popular puertorriqueña como zapata para desarrollar un lenguaje artístico propio que nos conecta a memorias culturales de larga duración. Desde esta eco-poética caribeña, el grupo ha hecho del arte su manera de actuar sobre el mundo, reinventando tradiciones para hacerlas pertinentes a los desafíos del presente y apostando a la construcción de nuevos imaginarios para el país que soñamos. En su práctica cotidiana, ASYS ha cuidado el convivio, la calidad de los vínculos humanos, las posibilidades que nacen de la cercanía de los cuerpos, de la franqueza del diálogo, del abrirse a la co-creación. Ha sido espacio de confluencias, encuentro de inquietudes artísticas, políticas, espirituales, cruce de lenguajes expresivos, de búsquedas creativas, reunión de amistades, espacio de comunidad, familia extendida, tribu. Más allá de articular un discurso político desde la creación artística, ASYS constituye un espacio donde se pueden experimentar modos alternativos de relacionamiento, fundamentados en una ética-política de la solidaridad. Hacer posible la continuidad de esta labor es tal vez es regalo más valioso que el grupo ha hecho a nuestra golpeada auto-estima de pueblo. En un contexto donde se pensaba que era imposible vivir del teatro no comercial, ASYS ha desarrollado una práctica de autogestión que le ha permitido sostenibilidad económica sin arriesgar la autonomía estética y política de sus contenidos. Taller de trabajo y espacio de desarrollo creativo para decenas de artistas puertorriqueños de varias generaciones, ASYS constituye un referente fundamental para artistas, gestores y colectivos emergentes.

EntreLAZADOS | English Version Versión Español Por Irma V. Arzola, Art historian Federico Farrington is an artist who investigates human interaction in a mischievous way while manifesting a singular inner aperture. “Entrelazados” is a ludic exploration of the perceptible ambivalence in the human spectacle through the iconographic syncretism of sexual, androgynous, zoomorphic, distorted and fused bodies within indeterminate spaces. The traces of the pictorial process, the history of its becoming, are evident on the substrate’s surface. These constitute a plastic deconstruction that serves as a testimony to Farrington’s plastic development. From the moment I met Federico, more than a decade ago, he was already creating enigmatic and provocative images with polyvalent interpretations that seem to emanate from a bestiary of chimeras. Farrington conveys oneiric scenes that confront the viewer with the paradoxical nature of existence. “Entrelazados” externalizes his meditations on the social roles and different personas that each individual construct and employs to relate to the other. The indefinite environments containmythological figures and circus characters, whose physiognomy embodies their psyche and who participate in narratives about violence, power, and love. In this new series, Farrington works on a wooden substrate in a manner that reveals the experimental, intuitive, and historical nature and fluidity of his process. The artist carefully considers each stroke, tone and volume manifested, studying their effect on the whole. He intervenes the surface using oil paint and a brush and, at other times, alters it them with sandpaper and transfers stencils with spray paint in order to deconstruct the pictorial technique and presupposed result. The surfaces are rich and luminous, even when the palette is limited to a few colors and their grisailles. The polychrome effect intensifies the feeling of penetrating and participating in a fantastic world that engenders curiosity and incites synesthetic experiences. “Entrelazados” creates a space replete with stimuli and converges that invite the spectator to reflect, feel and observe attentively. The interstices of form and the distorted, extended, and indeterminate concepts transform the audience into an active participant in uncovering the meaning of each representation. ARTIST STATEMENT My creative process brings with it a narrative where various images and topics converge simultaneously from the most mundane to the deep psychological, the ritualistic, the political commentary, the humor, the erotic and the sublime. With the lines and traces of colors, I investigate the planes of a distorted reality that navigates between caricaturistic innuendos to the transpersonal plane. Paradoxically, elements of non-real truth persist in this reading, where the locality disappears in a timeless space and the characters interact in a playful atmosphere with irreverent humor. The density and lightness of human existence are polarized, acting as a“pendulum” that moves between opposites or variants; ambiguity and its vulnerability are responses to the “quantum” world of multiple possibilities, to the ever-existing uncertainty of knowing not knowing and above all to appreciating the beauty of mystery. Federico Farrington BIOGRAPHICAL DETAILS

Jorge Sierra | Fuera del Marco – English Version Versión Español   By Ingrid María Jiménez Martínez Jorge Sierra, a San Juan native, all the way down to his grandparents. Has a BA from the Institute of Puerto Rican Culture School of Fine Arts, where he learned as a disciple from artists of the stature of Jose Alicea, Augusto Marin, Lorenzo Omar, Luis Hernandez Cruz and Fran Cervoni. Being a lifelong San Juan resident, he had the advantage of being friends with artists such as Antonio Maldonado, Emilio Diaz Valcarcel, Clara Lair, Rafael Tufino, Amilcar Tirado, Julio Rosado del Valle, Carlos Raquel Rivera, Carlos Irizarry and Elizam Escobar, among others. He has participated in numerous collective and individual exhibits, being the most recent individual ones, two at the Botello Gallery in Old San Juan, and at la Casa del Libro Museum. Jorge Sierra’s work is a series of pictoric statements about the nature of painting and the spatial limits of its representations. The artist has given an innovative spin to the relationship between the frame and the painting, the outside and the inside, and the spatial limits of the composition. Sierra retains the shapes; however, he abandons, in part, the illusory space, using it instead to create flat collages of strong contours. He integrates the frame to the composition, and some of the figures, like those on his paintings titled El Lenguilargo, Queer Queen and Los Agujeros whose borders manage to escape, are related to the content of the painting. His transgression of the borders is not only a formal issue, but also becomes poetic, ideological and social. Even when the frame is thought of as an insurmountable physical limit, the figures escape from that confinement suggesting a complex reality the composition has a very hard time retaining or accounting for. The frame in Sierra’s work offers the freedom or the possibility of breaking free as a promise. Being able to break free as a promise of happiness substitutes Stendhal’s famous phrase “Beauty is a promise of happiness”. To my understanding, it is in this strength wherein the poetic bias of Outside the Frame resides. Sierra seems to be telling us that the pursuit of self-determination is the way to face the most pressing issues of our times. ART BY JORGE SIERRA

Garvin Sierra | Un grito en la mano English Version   Por Humberto Figueroa, Asesor curatorial El mensaje gráfico desde el arte de la protesta es reclamo de justicia y de la verdad. Una valiosa vertiente de esa expresión es el cartel que por su destino en la pared y en el espacio de tránsito del pueblo cuenta con una visibilidad mayor. En tiempos de avanzados manejos desde la tecnología virtual el arte de denuncia y protesta adquiere mayor capacidad de multiplicación desde las redes electrónicas. Su capacidad de despliegue es equivalente a una fuerza poderosa. La exhibición Un grito en la mano reconoce la clásica definición del cartel como un grito en la pared. En nuestros días la pared es la pantalla del móvil o de todo equipo que es receptor de la señal que emana desde un emisor conectado con el medio electrónico. El Museo de Las Américas comparte desde una de sus salas la exhibición del artista puertorriqueño Garvin Sierra. Un grito en la mano reúne una selección que resume sobre los temas de mayor discusión y debate en los medios de comunicación en los pasados años. Crear al ras del suelo – Ana Teresa Toro Un grito en la mano – Humberto Figueroa Garvin Sierra – Antonio Martorell

Puerto Rico: Un homenaje a nuestra historia Eric Tabales English Version Pintor, escultor y profesor. En 1985 obtuvo un bachillerato en biología y química de la Universidad de Puerto Rico, donde además estudió tecnología médica en 1987. Más tarde completó un bachillerato en artes plásticas en la Universidad de Puerto Rico y en 1996 una maestría en pintura en la Academia San Carlos, Universidad Autónoma de México. En 1993 recibió el primer premio en la III Bienal de Arte Joven del Chase Manhattan Bank. La Asociación Internacional de Críticos de Arte, Capítulo de Puerto Rico, le ha otorgado varios premios: Mejor Monumento Público 1995 (Capilla de Meditación Juan Acha en México); Monumento Privado 1996; Mejor Exhibición en su Medio 1998; y Mejor Exhibición Individual 2006. Ha sido Profesor de la Universidad de Puerto Rico y la Universidad Interamericana. Realizó los vitrales del Museo de Arte de Puerto Rico, la Escuela de Bellas Artes de Guaynabo, Capilla Universidad Central de Bayamón, y el teatro Braulio Castillo de Bayamón. En 1995 patentizó la técnica de óxido sobre cristal que utiliza en sus trabajos y que es el resultado de sus investigaciones técnicas y conceptuales, las cuales lo han llevado a identificarse con una nueva visión de la plástica latinoamericana. La Universidad de Puerto Rico lo galardona como Ex-Alumno Distinguido 2008. Es Artista Residente de la Universidad Central de Bayamón. Eric Tabales es representado exclusivamente por San Patricio Art Center (Galería SPACE) en Guaynabo – Puerto Rico. Sabemos que la estructura edificada no es otra cosa que la proyección, en la tercera dimensión, de conceptos mentales a través de los cuales organizamos nuestro ambiente. Construimos como pensamos. Esas plazas pueblerinas manifiestan nuestras creencias, nuestras necesidades, nuestros afectos. Son la materialización de actividades consuetudinarias: la religiosa, la comercial, la cultural, la monetaria, la gubernamental. Todas ellas se flanquean y forman parte de un diario vivir comunitario. El cura, el alcalde, el banquero y el comerciante se entrecruzan, se saludan, se visitan y conversan a diario. Pero sobre todo el pueblo se congrega en la plaza, a la sombra sabrosa de los árboles que los consuelan del calor, al sonido suave de las fuentes que los convidan a arremolinarse, los bancos hospitalarios hechos para sentarse a compartir confidencias y coqueteos, al viento que arrastra parches de luz y sombra entre los edificios. Todos hemos crecido arropados de cuentos pueblerinos de sencilla felicidad compartida. Las chicas tomadas del brazo circunvalando la plaza, observadas desde la periferia por muchachos ávidos de una sonrisa tímida. Muchos romances cruzaron desde la plaza a la iglesia, muchas familias enraizadas en el cariño a la patria chica. Visitante, acérquese a esa memoria perdurable que usted experimentó en esa iglesia, bajo ese árbol, desde ese banco. Fragmento del ensayo “El ágora de los pueblos: las acuarelas de Eric Tabales”Sonia CabanillasViejo San Juan2023

Aby Ruiz | Sin pena ni gloria English Version Aby Ruiz, (Arecibo, Puerto Rico, 1971) es un artista visual que trabaja con pintura al óleo, dibujo e instalaciones. Su obra explora la naturaleza humana en diferentes situaciones en las que se expone el comportamiento de cada individuo. El cuerpo es la principal fuente de expresión en composiciones muy intensas donde en ocasiones aparece algún elemento de humor. Los temas más desarrollados por el artista están relacionados con la infancia, la sexualidad, la mortalidad, la inocencia, la violencia y la ternura y son abordados en espacios indefinidos e imágenes recortadas. Ruiz se involucró en las artes desde temprana edad, tomó clases de pintura con Pablo San Segundo y estudió pintura, dibujo y grabado en la Escuela Especializada de Bellas Artes de Arecibo bajo la tutela del profesor y artista Rolando Borges Soto. Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones internacionales en Estados Unidos, Panamá, Canadá y República Dominicana.Ha recibido varios premios y su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte de Caguas, Puerto Rico; el Museo de Arte Contemporáneo, Puerto Rico; el Museo de la Universidad Ana G. Méndez, Puerto Rico; el Ateneo Puertorriqueño y The Lannan Foundation, Nuevo México. Sin pena ni gloria es la primera exposición retrospectiva del artista, abarcando más de dos décadas de pintura, dibujo e instalaciones.