Entretelas – Antonio Martorell y sus amigos Estado de graciaPor Humberto Figueroa La recuperación del estado de gracia después de los desastres que nos han tocado en los pasados cuatro años es una tarea de mayor relevancia. Las desgracias provocadas por el desgobierno, los huracanes de temporadas en la pasarela del Atlántico y el Caribe, la multiplicación y mutación del virus pandémico, los temblores y el terremoto van obligando a unas modificaciones en la vida cotidiana borincana. Antonio Martorell desde el Taller de la Playa en Ponce se acuarteló con sus amigos y colaboradores para corresponder, frente al asedio, desde el arte como afirmación de vida ante tanta muerte. Le sirvió de impulso como creador un libro, retratos desde cámaras en teléfonos celulares, el descubrimiento de fotos de familiares y amistades de valor histórico y las contradicciones del gobierno sobre la cantidad de fallecidos por el colapso de servicios esenciales por el huracán María. A ello se sumó las luchas de los migrantes por cruzar fronteras cerradas ahora para los descendientes de pueblos originarios, pobres y trabajadores. Los retratos pintados sobre telas de tapizar, brocados gruesos y felpas traen al día su magistral conjunto de la serie El Álbum de familia del 1978. La fotografía y el cine son dos principales fuentes de su formación intelectual antes de salir a ver colecciones enciclopédicas en otros países. Ya desde su Catálogo de objetos del año 1972 se evidencia una mirada que prefiere hacer enmarques de tipo foto- cinematográfico evadiendo embarcarse en narrativas reiterativas. En las series de pinturas realizadas del 2017 al 2021, la extensa trayectoria de Martorell como diseñador gráfico aflora en el planteamiento compositivo. El acercamiento a su proceso de elaboración de cuadros supone un reto para su temperamento que prefiere vencer obstáculos y desafíos desde su mano. Los diseños en los textiles de telas que utiliza de soporte lo llevan a silenciar el análisis racional una vez va fluyendo con los ritmos de la pintura. Se deja llevar por esa dinámica para interpretar con fidelidad el modelo mientras establece una atmósfera de luces cálidas y sombras mudas. Martorell sostiene su rol como cronista de las tensiones políticas en la Isla y el mundo. Evidencia ese trabajo de acción política desde sus talleres de grabado, desde el ICP al Taller Alacrán en el año 1968 y otros talleres en PR, Estados Unidos, el Caribe, América Latina y Europa. La obra Once es un ensayo pictórico sobre el primer puertorriqueño acusado de asesinato y juzgado por un tribunal militar del ejército de Estados Unidos en 1899 a menos de un año de la invasión. La travesía por Entretelas culmina con la instalación El muro mortal y la pintura Trece coronas para un virus. En estas dos obras Martorell se refiere a las artes funerarias, la estética, el decir y escribir en momentos de pérdida de seres queridos. La frontera real y la del mundo alternativo están presentes como umbral inevitable. Al fondo, la instalación de pared Camafeos nos remite al retrato como sombra, origen y destino. En el contexto de su montaje en torno a la rama desprendida por el huracán María, invita a la reflexión sobre la familia biológica, la escogida y la comunidad global que hoy sostiene su lucha contra tanta adversidad desde las fuerzas del arte, la ciencia y la amistad. Antonio Martorell / Entretelas

Agua, Sol y Sereno LAS SONRISAS DEL BARRO – Eco Poéticas de Agua, Sol y SerenoDr. Pedro Reina Agua, Sol y Sereno, colectivo artístico puertorriqueño fundado por Pedro Adorno y Cathy Vigo en 1993, conmemora sus 28 años de trabajo multidisciplinario con una exhibición abarcadora que nos lanza por los caminos de la expresividad y la memoria para que, junto a ellos, interpretemos su trayectoria. Presente desde sus inicios en múltiples escenarios sociales en el país, dando respuestas estéticas puntuales a los constantes desafíos colectivos que vivimos, la agrupación ha regado puñados de semillas en las calles que hoy se convirtieron en un tupido bosque de árboles flotantes que crecen en todos lados, y que incorporan entre otros las huellas de la alegría, la denuncia y la imaginación. Valiéndose de toda estrategia performativa —integrando la música, el movimiento y la plástica— Agua, Sol y Sereno sale vez tras vez en comparsa para invitarnos al banquete pleno de los sentidos, levantando a su paso a todo el panteón cultural en una celebración reiterada de la vida y de la historia. Todes caminamos con elles en esta procesión comunitaria. Montados en zancos, vistiendo los mejores vestuarios y acompañando la procesión de héroes y heroínas simbolizados en cabezudos de papel maché, rememoramos el origen y celebramos la vida en un rito sagrado que se verifica a cielo abierto, sin miedo y con intención. La exposición propone un recorrido donde se presentan y contextualizan elementos fundamentales de la propuesta vital del grupo como lo afrocaribeño, lo urbano-sonoro, el carnaval, y la memoria, entre muchos otros. En cada sección se destacará el elemento comunitario de cada trabajo, el espíritu de la colaboración que caracteriza cada propuesta estética y el aliento dramático que dio vida a cada paso de este colectivo de creadores, en su camino a instalarse como un referente en los anales de las artes de la representación en Puerto Rico. Agua, Sol y SerenoDra. Mareia Quintero Rivera En su nombre habita la semilla de una poética enraizada en el entorno y una ética comprometida con la democratización del arte. Fundado en 1993 por Pedro Adorno y Cathy Vigo, Agua, Sol y Sereno (ASYS) se destaca por una abarcadora labor cultural en diálogo continuo con la realidad social del país. Este colectivo ha explorado un amplio registro artístico, desde el teatro de actor, hasta el uso de máscaras, zancos, danza, música en vivo, cine y video-arte, produciendo un vasto caudal de espectáculos, comparsas, rituales, instalaciones, producciones cinematográficas y audiovisuales, entre otros. ASYS cuenta con un repertorio propio que alcanza más de veinte piezas originales, algunas de las cuales se han presentado en festivales internacionales en Venezuela, Brasil, Cuba, República Dominicana, Ecuador, Uruguay, España, Francia y diversas ciudades de los Estados Unidos. Sus trabajos responden a un profundo interés por crear un teatro que aporte al diálogo social, partiendo de una mirada introspectiva a las heridas personales y colectivas, a la fragilidad de los vínculos humanos y a la necesidad de fortalecerlos. Sus procesos creativos se fundamentan en la investigación histórica, socio-cultural, estética y filosófica de las temáticas que abordan, produciendo obras que narran nuestra experiencia social con lentes propios. Este acercamiento permite profundizar en asuntos como la destrucción ecológica, la violencia social, la colonialidad, las carencias alimentarias o las muertes tras el paso del huracán María, a partir de las experiencias de vida de los propios integrantes del colectivo y de las comunidades con las cuales el grupo ha trabajado desde su creación, explorando los matices y la complejidad de la condición humana. Sobresale su inigualable entrega a la labor comunitaria y educativa, presentando su repertorio y desarrollando talleres y residencias en comunidades de escasos recursos económicos, centros de rehabilitación y escuelas a lo largo y ancho de Puerto Rico y su diáspora. Partiendo de los principios de la educación popular latinoamericana, ASYS ha consolidado una pedagogía de la imaginación, que va más allá la enseñanza de técnicas artísticas y abre un umbral a la participación en procesos creativos que nacen de la observación y conversación sobre las vivencias personales, familiares o comunitarias. Este quehacer no sólo entraña un aporte social invaluable, sino que ha nutrido la creación artística del grupo, brindándole un contacto directo con las realidades y los imaginarios colectivos de las mayorías. Dicho vínculo ha permitido que su trabajo artístico dialogue con amplios públicos del país, desde una lógica que escapa los dictámenes del mercado y la farándula. Siguiendo el llamado sonoro y espiritual de nuestra afrocaribeñidad, ASYS ha buscado profundizar en los fundamentos de la cultura popular puertorriqueña como zapata para desarrollar un lenguaje artístico propio que nos conecta a memorias culturales de larga duración. Desde esta eco-poética caribeña, el grupo ha hecho del arte su manera de actuar sobre el mundo, reinventando tradiciones para hacerlas pertinentes a los desafíos del presente y apostando a la construcción de nuevos imaginarios para el país que soñamos. En su práctica cotidiana, ASYS ha cuidado el convivio, la calidad de los vínculos humanos, las posibilidades que nacen de la cercanía de los cuerpos, de la franqueza del diálogo, del abrirse a la co-creación. Ha sido espacio de confluencias, encuentro de inquietudes artísticas, políticas, espirituales, cruce de lenguajes expresivos, de búsquedas creativas, reunión de amistades, espacio de comunidad, familia extendida, tribu. Más allá de articular un discurso político desde la creación artística, ASYS constituye un espacio donde se pueden experimentar modos alternativos de relacionamiento, fundamentados en una ética-política de la solidaridad. Hacer posible la continuidad de esta labor es tal vez es regalo más valioso que el grupo ha hecho a nuestra golpeada auto-estima de pueblo. En un contexto donde se pensaba que era imposible vivir del teatro no comercial, ASYS ha desarrollado una práctica de autogestión que le ha permitido sostenibilidad económica sin arriesgar la autonomía estética y política de sus contenidos. Taller de trabajo y espacio de desarrollo creativo para decenas de artistas puertorriqueños de varias generaciones, ASYS constituye un referente fundamental para artistas, gestores y colectivos emergentes. Su trayectoria es

Percepción del espacio Percepción del espacio en Gustavo FuentesPor Rodolfo J. Lugo-Ferrer, PhD El título de esta exposición, Percepción del espacio, nos remite consecuentemente a pensar en las tres unidades clásicas o lo que conocemos como las unidades aristotélicas: acción, tiempo, espacio; planteadas por el filósofo griego del siglo III, Aristóteles, en su obra Poética, que aunque están dirigidas como reglas literarias, especialmente para el teatro, pudiesen ser aplicadas a otras manifestaciones artísticas, en este caso a la exposición que nos compete, sobre todo la unidad de lugar o espacio; pues pudiese ser considerado como un criterio estético. Aunque podríamos arriesgarnos y añadir las otras unidades al análisis de las obras presentadas en la presente muestra, tales como la acción el tiempo. Para no solo circunscribirnos a las unidades señaladas por el filósofo griego pudiésemos ampliar la visión del análisis de la totalidad de las obras de esta exposición y añadir la unidad de estilo, según planteada por Nicolás Boileau en su Art Poétique (1674). Pues se aprecia un lenguaje y unas estructuras homogéneas en la construcción y formalidad pictórica en el estilo de cada una de todas las piezas. Comenta Fuentes que en las obras de la presente exposición, él quiere “traducir toda la información en emociones para que impacten el inconsciente del espectador mediante la construcción de una amalgama de elementos que se repiten a través y mediante los planos pictóricos, y los elementos constitutivos creados por los vacíos para crear un efecto óptico, que sea tangible, que pueda reformular una representación pictórica. Es como renacer en un momento histórico en que nos hemos visto involucrados con la obligación de reiniciar o replantear, como bien previamente he dicho, lo preexistente.” No es nada nuevo lo que quiere expresar el artista, pero sí puede reformular lo planteado, ya previamente por los artistas del siglo XX pertenecientes al movimiento Op, Arte Cinético o cinetismo: Marcel Duchamp, Alexander Calder, Jesús Rafael Soto, Francisco Sobrino, Yaacov Agam, Jean Tinguely, Robert Jacobsen, Frank Stella, Alexander Lieberman, Víctor Vasarely et al. Las obras de esta exposición son unas construcciones realizadas con materiales no tradicionales: el cloruro de polivinilo, comúnmente conocido como PVC, revestido con pintura automotriz de poliuretano; utiliza además hormigón, tornillos, iluminación leds. Como bien dice Fuentes, “quiere provocar en el espectador una experiencia exteroceptiva, para así crear una conciencia en relación a nuestro entorno, por eso utilizo colores brillantes primarios y secundarios.” Las experiencias exteroceptivas son todas aquellas sensaciones que involucran los sentidos: la vista, el olfato, el tacto, son provocadas por estímulos externos. Definitivamente lo exteroceptivo va acompañado de unos estímulos propioceptivos que provocan estímulos del cuerpo en el espacio, de aquí el referirnos a la unidad de espacio o lugar plantadas hace más de dosmiltrecientos años por Aristóteles. Estas piezas de Fuentes nos mueven a sentir ambas sensaciones. Las obras de esta exposición instan al movimiento cinético, a una experiencia extrasensorial a través del juego con la combinación o contrastación de formas y colores, y las luces led dan la sensación lúdica de movernos en un espacio quántico. Con elementos minimalistas y simples se logran efectos alucinantes en cada pieza. Las figuras diseccionadas policromadas con los colores primarios provocan un movimiento vibratorio. Estas combinaciones cromáticas vibratorias plantean juegos matemáticos y físicos, de ahílo alucinante que sumerge al espectador en esas experiencias sensoriales que habla el artista sobre lo exteroceptivo, y que yo añado con lo propioceptivo; como muy bien planteaba Vasarely en su idea de una “unidad plástica. Fuentes bebe de sus ancestros cinéticos y geo metristas, en especial, todo el grupo de latinoamericanos, que viviendo en París logran aunar un excelente cónclave de artistas en lo que se llamó el “Grupo de Investigaciones de Artes Visuales” integrado por los argentinos Julio Le Parc y Rogelio Polesello, la brasileña Vieira Da Silva, y los venezolanos Carlos Cruz Diez y Jesús Soto, et al. Después de los griegos del siglo V, todo es un replanteamiento de viejas ideas con conceptos contemporáneas del artista que los realicen su espacio histórico particular, que es lo que se puede apreciar en estos atrevidos planteamientos pictóricos en las obras de esta exposición. Estas obras, además de tener un carácter lúdico, son unas estructuras muy dinámicas con diversidad de características en donde se puede apreciar la integración de elementos de iluminación, como un recurso para crear una percepción de movimientos. Proyectanunos reflejos, rayando en un espectáculo sensorial, o una realidad perceptible donde se perciben varios movimientos, el creado por el juego de luces y sombras de las luces led y la estructura la pieza, así, como el movimiento ejecutado por el espectador al estar frente a la obra y posicionarse en distintos ángulos del espacio en juego con la luz y los reflejos. De aquí que volvamos a las tres unidades de Aristóteles y a la unidad de estilo añadida por Boileau. Fuentes nos obliga a sentir una realidad transformable y tridimensional en piezas que no los son. PROPUESTA DEL ARTISTA …formas de existir para mantener nuestro balance holístico dentro del planeta que habitamos, el universo se mueve en una totalidad, una experiencia del espacio o de la extensidad» El universo está cambiando constantemente, es responsable del proceso evolutivo de cada materia o deterioro. En mi trabajo, construyo microcosmos lumínicos que permiten entrar a una experiencia distinta de luz en tiempo y espacio. Te permite descubrir una nueva imagen íntima, dependiendo el campo visual de experiencias previas de observación que haya tenido el espectador. Trabajo los materiales no tradicionales como el polivinilchloride (PVC), soporte para realizar mis nuevos diseños. Desde mis comienzos en la pintura en óleo sobre lienzo hasta la construcción de pared actual, la intervención con la arquitectura y sus espacios funcionales, mantengo una constancia en mi propuesta plástica. La interacción con la ciudad, la naturaleza, la interpretación de sus espacios, estructuras, iluminación. La representación interna de cada habitante y su búsqueda individual por brillar con luz propia dentro de una sociedad que cada día es más excluyente. Esta obra nos muestra una

Isla Pirata Hay momentos en la historia colectiva de un pueblo que marcan un salto, un gran cambio, el final de algo y el comienzo de algo más. Podríamos decir que septiembre de 2017 fue uno de esos momentos definitorios para Puerto Rico, con el azote del Huracán María. A ese desastre le siguió el convulsionado verano del 2019 cuando se hizo historia desde la Calle de la Resistencia frente a la Fortaleza. Ambos eventos nos marcaron como pueblo y surge, en el seno del colectivo LAS JORNADAS DEL GRABADO PUERTORRIQUEÑO, una idea, una convocatoria: una invitación a expresar nuestra identidad boricua y caribeña, sobreviviente de violentas conquistas, gobiernos corruptos, guerras ajenas, contaminación insensata, robo de nuestros recursos, demagogias, huracanes y terremotos. Nacía ISLA PIRATA. Ya muy próximos a presentar la muestra, con un desfile de estandartes representativos de las obras creadas como actividad complementaria, llega a nuestra isla la pandemia del Covid 19 y se cierra el país y el mundo. Todo quedó en suspenso hasta ahora. La convocatoria para gestar ISLA PIRATA provocó una mirada que abarca desde el pasado hasta el presente. Y con esa mirada, es inevitable el huracán de emociones que, desde lo profundo de la conciencia individual reflejada en la colectiva, se canaliza y codifica en los grabados y estandartes que componen esta muestra. Emociones que se cuajan en declaraciones, en imágenes poderosas, en un mapa de esencia nacional, en el comentario político, en la denuncia del ultraje, en el Amor Patrio, en el humor con sentido, en la esperanza anclada, en la resistencia desafiante y en la sabia respuesta. Todo desde la plataforma del oficio comprometido, de la calidad técnica, de la excelencia artística de las grabadoras y grabadores participantes. El estandarte, etimológicamente, proviene del idioma franco y alude a mantener la firmeza. Consiste en un pedazo de tela rectangular, a menudo alargado, que ostenta los símbolos y distintivos de una organización, grupo, causa o movimiento. Los artistas integrantes de Las Jornadas llevarán a cabo un “performance” gráfico caminando, el 4 de septiembre a las 4:00pm desde la Plaza de Colón hasta el Museo de Las Américas en el Cuartel de Ballajá, con sus estandartes, portando sus grabados de ISLA PIRATA. Los mismos serán instalados en los pasillos del Museo.

Para decir ahora; Arte y cartel Colección de carteles de la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades Imagen y texto se funden y se encuentran para construir un cartel. El cartel como medio de comunicación pública es una de las formas más democráticas de arte por su ubicación y porque está pensado para llegar, atraer y convencer al público con la imagen y el texto que la acompaña. El cartel apareció de forma ininterrumpida en Puerto Rico a mediados del siglo XX como un instrumento educativo esgrimido por el gobierno encabezado por Luis Muñoz Marín. Situaciones que requerían urgente atención llenaron el espacio rural de los carteles. Dirigidos a adultos en la ruralía, los carteles del Taller de Gráfica y Cinema de Parques y Recreo Público primero y luego de la División de Educación de la Comunidad, abordaban temas relacionados a la participación comunitaria para resolver problemas comunes, para combatir enfermedades y contagios y para concienciar a la gente de la importancia del voto como instrumento transformador de la sociedad. Más adelante apareció el cartel cultural que anunciaba en los barrios rurales las fiestas de navidad, películas y libros, y al fundarse el ICP en 1955, los artistas que allí trabajaron diseñaron carteles para teatro, conciertos, exposiciones, ferias y efemérides. En los 60 y 70 aparece con fuerza el cartel de protesta producido en los talleres llamados revolucionarios, mientras otros talleres como el del Museo de Universidad de Puerto Rico y Actividades Culturales del primer centro docente preparaban los suyos. Una de las instituciones puertorriqueñas que ha contribuido significativamente a la presencia y permanencia del cartel en nuestro país es la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades (FPH). Desde su fundación en 1977, la FPH ha empleado el cartel como instrumento de divulgación de las actividades que promueve. Entre otras están los simposios y foros, las conferencias, congresos, la edición y presentación de libros, la producción de documentales y las celebraciones culturales de toda índole y todas ellas vinculadas a las raíces humanísticas y a los valores y tradiciones que nos distinguen como pueblo, como sociedad. Es en la diversidad de enfoques, temas y formas de abordar situaciones en estos encuentros y producciones que la FPH ha contribuido a plantear y esclarecer conflictos que permean y reflejan nuestras circunstancias. Y de igual forma, los carteles ejemplifican, a través de los artistas que los crean, la variedad de soluciones y acercamientos que cada tema pide y que el artista interpreta. Para decir Ahora:Arte y cartel El cartel es un anuncio impreso en papel que contiene una imagen visual y texto. Es un grito en la pared, una idea hecha imagen. Ver vídeo Para decir ahora: Mujer El tema de la mujer tiene un importante espacio entre los proyectos humanísticos que promueve la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades. Ver vídeo Para decir ahora: Los ilustres La Fundación Puertorriqueña de las Humanidades ha reconocido en hombres y mujeres puertorriqueños… Ver vídeo Espacio urbano y patrimonio en el cartel El cartel es un anuncio que tiene una presencia pública y asume la función de ser portavoz de una idea, una actividad, o un objeto de consumo. Ver vídeo Diversidad de formas y expresiones La tradición del cartel en Puerto Rico nace en 1946 por una necesidad de educar y ofrecer a la población de adultos en la ruralía opciones que propiciaran una mejor vida, con salud, trabajo colectivo y sentido de la responsabilidad ciudadana. Ver vídeo El letrismo en el cartel El acoplamiento que se da en el cartel cuando observamos que la letra es parte integral de la imagen, que son la una para la otra. Ver vídeo PRESIONE LAS IMÁGENES A CONTINUACIÓN PARA INFORMACIÓN ADICIONAL Puede consultar la página del Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico, (MHAA) para visitar en línea la colección de los más de 4,000 carteles que guarda en su colección.

Todos Somos África Hacia una pictórica representación de los Orishas La obra Todos somos África es un trabajo que realicé durante mi estadía de cuatro años en la isla donde estudié una parte de la historia de Puerto Rico. Esta surge de mi interés por el ritual, la espiritualidad y por una serie de entrevistas que tuve con el Tata Tony Oma Obatala quien compartió su conocimiento ancestral conmigo. A medida que iba descubriendo los Orishas gracias a la lectura del libro El Monte de la antropóloga cubana Lydia Cabrera, él me aclaraba las dudas, estudiábamos el mito (Pataky) y yo escuchaba los cantos de alabanza mientras pintaba cada cuadro. Cada cuadro de esta serie es único. El color de cada uno es inspirado en los Elekes (collares), en los mitos (Patakis) y en los cantos de alabanza a los Orishas. Con este trabajo busco resaltar la esencia de estos orishas, que han sido y siguen siendo gran fuente de inspiración en el quehacer diario espiritual y comunal tal y como se evidencia en la cultura puertorriqueña y caribeña; en su música, su cocina, y sus artes. Además, pretendo, con estas obras, no solo acercarme a elementos de color inspirado en las telas africanas, sino también trabajar los elementos simbólicos que definen la personalidad y poderes de cada Orisha. La obra Todos somos África la expuse antes de irme de la isla en el 2017 en la Galería Guatibirí en Río Piedras y ahora tengo la gran oportunidad de volver a la isla después de cuatro años que he estado viviendo en Filadelfia y mostrarles a ustedes esta obra inspirada en sus ancestros africanos. En exhibición a partir del 12 de agosto de 2021. Salomé Cosmique es una artista, educadora y curadora colombiana que actualmente reside en Filadelfia (EE.UU) Es maestra en artes visuales de la Universidad de Estrasburgo en Francia. En el 2012, obtuvo el Diploma Nacional de Artes Plásticas de Francia, concentración en artes sonoras de la Escuela de Artes del Rin (Haut École Des Art du Rhin) en Mulhouse, Francia. Al terminar sus estudios, se mudó a Puerto Rico, donde participó en varias exposiciones colectivas e individuales en el Centro Ceremonial Tibes, Museo de las Américas y en la Bienal de Ponce entre otros. En el 2017, Salomé se mudó a Filadelfia (EE.UU) donde ha desarrollado su carrera artística, curatorial y educativa. Actualmente es curadora de Dissident Bodies, Dislocada/ Dislocated y trabaja como educadora en el Barnes Foundation. Para Salomé las artes forman un vehículo positivo el cual puede brindar cambios positivos tanto en la sociedad al igual que transformar vidas, por lo cual la artista impulsa el arte también como medio de sanación. Desde el 2012, su trabajo performático se ha inspirado en el colonialismo, la inmigración, la desigualdad de las mujeres y los cuerpos disidentes. Con su trabajo pictórico, Salomé busca recordar las memorias de nuestros ancestros. Ha expuesto en Europa, Latinoamérica, el Caribe, Estados Unidos y la India. David Acosta es poeta, escritor, curador y trabajador cultural. Actualmente es el director artístico de Casa De Duende que co-fundó junto a su compañero de vida Gerald Macdonald. Él es autor y poeta publicado cuyo trabajo ha aparecido en varias antologías y revistas literarias. Entre las más notables antologías están The Americas Review (University of Texas Press, 1997), American Poetry Confronts the 1990s (Black Tie Press 1990), The Limits of Silence (Asterion Press 1991), Poesida (Ollantay Press, 1995) y Floating Borderlands: Twenty Five Years of Latin American Poetry in The United States, (University of Washington Press, 1998). Revistas literarias incluyen Mayrena, The James White Review, The Evergreen Chronicles, y Philomel entre otras. Él es escritor colaborador de Queer Brown Voices, la primera antología enfocada en documentar la historia del movimiento LGBTQ+ latinx en los Estados Unidos y Puerto Rico. Ha organizado numerosas exposiciones de arte visual, incluyendo la co-curaduría de Stonewall @ 50 en el 2019 en la Galería Leonard Pearlstein de la universidad de Drexel, mostrando la obra de 129 artistas, la cual se convirtió en la más grande exposición de arte LGBTQ+ en la historia de Filadelfia. Él fue el cofundador del festival de cine latinoamericano de Filadelfia y ha dirigido espectáculos en First Person Arts y ha hecho performances en el Barnes Foundation en Filadelfia. Actualmente, es el presidente de la junta directiva de Da Vinci Art Alliance. David forma parte del consejo asesor de artistas de Taller Puertorriqueño y es miembro del colectivo artístico Dissident Bodies y Dislocada/Dislocated. Actualmente él está trabajando en varios proyectos incluida la organización de dos grandes exhibiciones de arte en el verano y otoño del 2021. Catálogo de la exposición

El erotismo en las culturas prehispánicas Colección Catlett, 21 figuras antropomorfas hechas en barro de las culturas La Tolita, Jama – Coaque o Bahía de Ecuadoro Por Miguel Rodríguez López, Arqueólogo El tema del erotismo, la sexualidad y sus representaciones en el arte han sido motivo de gran interés en todas las épocas de la historia. Y no es para menos, porque la sexualidad junto a la religiosidad, la creación cultural y la capacidad para organizarse en sociedad, son algunas de las principales fuerzas que gobiernan y dirigen la experiencia humana y la sobrevivencia de nuestra especie, sobre este planeta. Las figuras eróticas y sexuales son tan antiguas como el arte mismo. En las pinturas y grabados rupestres del paleolítico, se encuentran representaciones de genitales humanos que se asume son símbolos de fertilidad. Tanto los egipcios como los griegos pintaron escenas de actividades sexuales en su cerámica y en las paredes de sus templos. En las ruinas de Pompeya y Herculano, también se encuentran pinturas y mosaicos con variadas escenas de alto contenido eróticoy sexual. En el área del Perú, Ecuador y el sur de Colombia, fue donde la producción cerámica de las representaciones eróticas alcanzaron su mayor expresión y complejidad. Los creativos artesanos Mochicas de la costa norte del Perú, así como los de las culturas La Tolita y Jama-Coaque de la costa de Ecuador y el sur de Colombia, fabricaron miles de estas impresionantes piezas que fueron utilizadas principalmente como ofrendas propiciatorias y funerarias. La valiosa colección Catlett de figuras eróticas, donadas al Museo de Las Américas, pertenece mayoritariamente a la cultura La Tolita, según el peritaje del arqueólogo Osvaldo García Goyco, quien las estudió en el 1997. Esta cultura indígena que se concentra en la isla de La Tolita, es considerada como un gran centro ceremonial que floreció aproximadamente, entre los años 500 antes de Cristo al 500 después de Cristo. Por mucho tiempo, estas piezas fueron ocultadas o destruidas por sus descubridores, por considerarse como una amenaza a los valores familiares y religiosos de esos tiempos. Incluso durante casi todo el siglo XX, las galerías y los museos las consideraban ofensivas, pecaminosas y transgresoras de las normas culturales establecidas. Sin embargo, importantes coleccionistas de todo el mundo las adquirían y las mostraban de manera muy discreta y privada. Pero a la altura del siglo XXI, se han comenzado a aceptar estas manifestaciones como una expresión de carácter antropológico, cultural y artístico de las sociedades que las elaboraron. Tanto en Europa como en América Latina, las antiguas colecciones de arte erótico han comenzado a ser revaloradas y expuestas a un público que las recibe con interés, curiosidad y madurez. En exhibición a partir del 20 de mayo de 2021. Eroticism in the pre‐Hispanic cultures

Rafael Trelles: La palabra imaginada Por Efraín Barradas Écfrasis o ecfrasis es un término técnico empleado casi sólo por especialistas. Muchos diccionarios no lo recogen y hasta su deletreo es incierto. La palabra viene del griego. Se dice que el primer ejemplo de écfrasis es la descripción del escudo de Aquiles que hace Homero en La Ilíada. Desde entonces muchos literatos han seguido su ejemplo tratando de transformar en palabras una obra de arte visual. Simplifico para así poder definir el oscuro término. Pero al hacerlo recalco que siempre los estudiosos tienden a favorecer la ruta que va de la obra de arte visual a las letras: del escudo de Aquiles al texto de Homero. Horacio lo resume: “ut pictura poesis”. Ulrich Weisstein, uno de los grandes estudiosos de esta práctica estética, enumera dieciséis variantes del écfrasis, de las cuales trece parten del fenómeno literario —del escudo de Aquiles al texto de Homero— y sólo tres a la inversa —del texto al escudo. Entre estas últimas, la más común es la ilustración de libros. Pero aún en esos casos siempre se privilegia la letra. Dado el cambio la ruta —de lo literario a lo visual— y por la alta calidad de la obra fue que me atrajo desde que los vi reproducidos unos recientes dibujos de Rafael Trelles. Trelles logra invertir la tradicional vía del écfrasis en veintidós dibujos donde combina diversas técnicas y medios y donde demuestra una vez más su gran maestría artística. Los dibujos, que a veces parten de un accidente, principio que tanto le gustaba a los maestros del Surrealismo y a Siqueiros, tienen como centro una figura construida a partir de las amplias normas del realismo. Estas figuras apuntan a textos literarios que evidencian la voracidad de nuestro artista como lector y, de manera indirecta, como crítico literario ya que podemos leer estos dibujos como un comentario de los textos que parece meramente ilustrar. (¿O estaré yo aquí canalizando mis intereses al convertir a Trelles en crítico literario, como lo soy?) Un simple inventario de los textos que el artista emplea para crear los dibujos es ya revelador de sus intenciones y de sus fuentes estéticas. Aunque Trelles toma como punto de partida en pocos casos a escritores que podemos llamar realistas —Tolstoi, Poniatowska— es evidente que privilegia las obras de tono fantástico, mágicos o absurdos —Lewis Carroll, García Márquez, Kafka, Ionesco— y ese interés coincide con su propia estética: los elementos surrealistas en la obra de Trelles son notables, hasta definidores. Por otro lado, se destaca en este conjunto la combinación de lo puertorriqueño y lo extranjero: junto a Palés Matos hallamos a Saramago, junto a Ana Lydia Vega, a Shakespeare, junto a Cezanne Cardona, a Chejov. Trelles sabe que lo propio tiene valor más allá de por pertenecernos. También se destaca en la selección de puntos de partida literarios para estos dibujos la negritud. Por ello Trelles parte de Carpentier, de Palés y de Vega, en cuyos textos se exalta la cultura afrocaribeña. Es evidente también que el dibujante observa con detenimiento y cuidado textos anónimos que nos remiten al folklore y a la tradición: Las mil y una noches, Chilam Balam, el Golem. Las fuentes o los puntos de partida son diversos, amplios y evidencian el apetito voraz de Trelles como lector y su capacidad e interés de ver lo nuestro en el amplio contexto de eso que algunos llaman lo universal, término que muchas veces esconde elementos colonialistas, elementos que están ausentes aquí. ¿Y qué hace Trelles con esas diversas fuentes literarias? Ya apuntaba que el artista no ilustra el texto en el sentido tradicional. En cambio, parte del mismo para crear un texto visual paralelo al literario, pero independiente de este. El texto del que parte le sugiere al artista en la gran mayoría de los casos una cara aislada o una cara y parte del cuerpo. Sólo hay dos casos en esta serie donde se retratan cuerpos completos, y uno de estos, el que parte de La metamorfosis de Kafka, es un cuerpo fantástico compuestos por la cara del autor, un insecto y un zapato.Pero claramente el interés en estos dibujos está en la cara humana. Así “Miriam”, que parte de un cuento temprano y poco conocido de Truman Capote, queda reducido a la cara de la niña que persigue en el cuento a la señora Miller, el personaje central. Y la niña lleva el camafeo que le quita a la viuda solitaria del cuento. Es el camafeo que la identifica y la define. Las facciones de un hombre, no la cara completa, se yuxtaponen al axolotl del cuento de Cortázar. A veces la relación entre el texto y la obra es más arbitraria: tres cabezas idealizadas representan a Ti Noel, Boukman y Mackandal, personajes de El reino de este mundo de Alejo Carpentier. Cada dibujo lleva en la esquina derecha superior un animal —pájaro, caracol, escarabajo— que nos remite a las creencias religiosas de los esclavos haitianos de la novela. Un pedazo de tela que flota y que trae en su ruedo un sujetador para tender ropa hace que la cara que se representa en el dibujo sea la de Remedios, la Bella. Son esos detalles —objetos o animales— los que dan la clave para entender el dibujo como comentario literario. Así el torso de una niña que puede vivir en una urbanización de Río Piedras o Humacao aparece rodeada de cuatro animales —un ratón, un conejo, una garza y un pájaro dodo— que la convierten en la Alicia de Carroll. La inclusión de un pequeño objeto o un animal es la forma principal —más allá del título que le da el artista al dibujo— que tenemos para asociar la imagen con el texto. Y la selección del animal o el objeto funciona como el elemento crítico en la obra ya que el artista, al seleccionar ese objeto o animal, destaca un aspecto del texto que lo inspira. Y al así hacerlo, Trelles rompe con una tradición

El futuro de los museos: recuperar y reimaginar Cada año, ICOM elige para el Día Internacional de los Museos un tema que se sitúa en el centro de las preocupaciones de la sociedad. Con el tema “El futuro de los museos: recuperar y reimaginar”, el Día Internacional de los Museos 2021 invita a los museos, a sus profesionales y a las comunidades a crear, imaginar y compartir nuevas prácticas de (co)creación de valor, nuevos modelos de negocio para las instituciones culturales y soluciones innovadoras para los retos sociales, económicos y medioambientales del presente. La crisis del Covid-19 ha servido de catalizador para innovaciones cruciales que ya estaban en marcha, en particular una mayor atención a la digitalización y la creación de nuevas formas de experiencia y difusión cultural. En esta ocasión el Museo de Las Américas se une a la celebración del Dia Internacional de Museos, haciendo una introspección de este pasado año, lleno de retos y de experiencias aprendidas, como ejercicio de reflexión y de fijarnos metas. Dado este contexto, hemos planificado diversas actividades para este próximo martes, 18 de mayo de 2021. Podrás disfrutar de un recorrido guiado por las salas de exposición del Museo a través de nuestra página de Facebook y canal de YouTube (@museolasamericaspr). Como parte de nuestro compromiso con la comunidad escolar, hemos convocado a que maestros colaboradores coordinen en sus salas de clases la creación de carteles alusivos al tema “¿Cómo será el Museo del futuro?”, haremos un escogido de trabajos realizados por estudiantes entre las edades de 6 a 17 años; estas obras de arte serán exhibidas de manera virtual a través de esta página. Los invitamos a que nos acompañen en esta celebración y agradecemos a todos los que nos han apoyado durante este año tan atípico, ustedes nuestra comunidad han sido el combustible para movernos a esta era digital.

Agua, Sol y Sereno LAS SONRISAS DEL BARRO – Eco Poéticas de Agua, Sol y Sereno Dr. Pedro Reina Agua, Sol y Sereno, colectivo artístico puertorriqueño fundado por Pedro Adorno y Cathy Vigo en 1993, conmemora sus 28 años de trabajo multidisciplinario con una exhibición abarcadora que nos lanza por los caminos de la expresividad y la memoria para que, junto a ellos, interpretemos su trayectoria. Presente desde sus inicios en múltiples escenarios sociales en el país, dando respuestas estéticas puntuales a los constantes desafíos colectivos que vivimos, la agrupación ha regado puñados de semillas en las calles que hoy se convirtieron en un tupido bosque de árboles flotantes que crecen en todos lados, y que incorporan entre otros las huellas de la alegría, la denuncia y la imaginación. Valiéndose de toda estrategia performativa —integrando la música, el movimiento y la plástica— Agua, Sol y Sereno sale vez tras vez en comparsa para invitarnos al banquete pleno de los sentidos, levantando a su paso a todo el panteón cultural en una celebración reiterada de la vida y de la historia. Todes caminamos con elles en esta procesión comunitaria. Montados en zancos, vistiendo los mejores vestuarios y acompañando la procesión de héroes y heroínas simbolizados en cabezudos de papel maché, rememoramos el origen y celebramos la vida en un rito sagrado que se verifica a cielo abierto, sin miedo y con intención. La exposición propone un recorrido donde se presentan y contextualizan elementos fundamentales de la propuesta vital del grupo como lo afrocaribeño, lo urbano-sonoro, el carnaval, y la memoria, entre muchos otros. En cada sección se destacará el elemento comunitario de cada trabajo, el espíritu de la colaboración que caracteriza cada propuesta estética y el aliento dramático que dio vida a cada paso de este colectivo de creadores, en su camino a instalarse como un referente en los anales de las artes de la representación en Puerto Rico.   Agua, Sol y Sereno Dra. Mareia Quintero Rivera En su nombre habita la semilla de una poética enraizada en el entorno y una ética comprometida con la democratización del arte. Fundado en 1993 por Pedro Adorno y Cathy Vigo, Agua, Sol y Sereno (ASYS) se destaca por una abarcadora labor cultural en diálogo continuo con la realidad social del país. Este colectivo ha explorado un amplio registro artístico, desde el teatro de actor, hasta el uso de máscaras, zancos, danza, música en vivo, cine y video-arte, produciendo un vasto caudal de espectáculos, comparsas, rituales, instalaciones, producciones cinematográficas y audiovisuales, entre otros. ASYS cuenta con un repertorio propio que alcanza más de veinte piezas originales, algunas de las cuales se han presentado en festivales internacionales en Venezuela, Brasil, Cuba, República Dominicana, Ecuador, Uruguay, España, Francia y diversas ciudades de los Estados Unidos. Sus trabajos responden a un profundo interés por crear un teatro que aporte al diálogo social, partiendo de una mirada introspectiva a las heridas personales y colectivas, a la fragilidad de los vínculos humanos y a la necesidad de fortalecerlos. Sus procesos creativos se fundamentan en la investigación histórica, socio-cultural, estética y filosófica de las temáticas que abordan, produciendo obras que narran nuestra experiencia social con lentes propios. Este acercamiento permite profundizar en asuntos como la destrucción ecológica, la violencia social, la colonialidad, las carencias alimentarias o las muertes tras el paso del huracán María, a partir de las experiencias de vida de los propios integrantes del colectivo y de las comunidades con las cuales el grupo ha trabajado desde su creación, explorando los matices y la complejidad de la condición humana. Sobresale su inigualable entrega a la labor comunitaria y educativa, presentando su repertorio y desarrollando talleres y residencias en comunidades de escasos recursos económicos, centros de rehabilitación y escuelas a lo largo y ancho de Puerto Rico y su diáspora. Partiendo de los principios de la educación popular latinoamericana, ASYS ha consolidado una pedagogía de la imaginación, que va más allá la enseñanza de técnicas artísticas y abre un umbral a la participación en procesos creativos que nacen de la observación y conversación sobre las vivencias personales, familiares o comunitarias. Este quehacer no sólo entraña un aporte social invaluable, sino que ha nutrido la creación artística del grupo, brindándole un contacto directo con las realidades y los imaginarios colectivos de las mayorías. Dicho vínculo ha permitido que su trabajo artístico dialogue con amplios públicos del país, desde una lógica que escapa los dictámenes del mercado y la farándula. Siguiendo el llamado sonoro y espiritual de nuestra afrocaribeñidad, ASYS ha buscado profundizar en los fundamentos de la cultura popular puertorriqueña como zapata para desarrollar un lenguaje artístico propio que nos conecta a memorias culturales de larga duración. Desde esta eco-poética caribeña, el grupo ha hecho del arte su manera de actuar sobre el mundo, reinventando tradiciones para hacerlas pertinentes a los desafíos del presente y apostando a la construcción de nuevos imaginarios para el país que soñamos. En su práctica cotidiana, ASYS ha cuidado el convivio, la calidad de los vínculos humanos, las posibilidades que nacen de la cercanía de los cuerpos, de la franqueza del diálogo, del abrirse a la co-creación. Ha sido espacio de confluencias, encuentro de inquietudes artísticas, políticas, espirituales, cruce de lenguajes expresivos, de búsquedas creativas, reunión de amistades, espacio de comunidad, familia extendida, tribu. Más allá de articular un discurso político desde la creación artística, ASYS constituye un espacio donde se pueden experimentar modos alternativos de relacionamiento, fundamentados en una ética-política de la solidaridad. Hacer posible la continuidad de esta labor es tal vez es regalo más valioso que el grupo ha hecho a nuestra golpeada auto-estima de pueblo. En un contexto donde se pensaba que era imposible vivir del teatro no comercial, ASYS ha desarrollado una práctica de autogestión que le ha permitido sostenibilidad económica sin arriesgar la autonomía estética y política de sus contenidos. Taller de trabajo y espacio de desarrollo creativo para decenas de artistas puertorriqueños de varias generaciones, ASYS constituye un referente fundamental para artistas, gestores y colectivos emergentes.