INVICTUS Héctor Méndez Caratini  El fotógrafo puertorriqueño Héctor Méndez Caratini, expone en esta ocasión su más reciente serie de fotos que hacen homenaje a las tradicionales peleas de gallos, costumbre que aun se practica en Puerto Rico y algunos países de América. En Puerto Rico, esta tradición se registra en los anales de la historia desde el año 1782, en uno de los escritos de Fray Iñigo Abbad y Lasierra. Crónica titulada: Noticias de la historia geográfica civil y política de la isla de San Juan Bautista de Puerto Rico. Méndez Caratini expone el interesante relato de la gallística en Puerto Rico desde un ángulo muy particular y más cercano al gallo como ave guerrera. Un despliegue de acción y colores que nos llevan a las formas abstractas del sentir entre los que crian estos animales, el ambiente de las peleas y los procesos por los que pasan los gallos. La exposición ha sido documentada en un libro con el mismo título INVICTUS. Durante las pasadas cuatro décadas el fotógrafo y video artista se ha destacado por documentar y promover la identidad cultural de su nación y de otros países en desarrollo. Su trabajo artístico se ha presentado en prestigiosos museos y galerías en los Estados Unidos, Europa, Latinoamérica y el Caribe. En exhibición hasta el 15 de abril de 2018,

Catarsis CATARSIS: RE / CONSTRUYENDO después de María es un proyecto multidisciplinario que agrupa a artistas plásticos y performáticos y a la comunidad en general para expresarse en torno al efecto del paso del huracán María en sus vidas. Con esta exhibición el Museo de Las Américas ofrece la oportunidad de reunir en un mismo lugar obras, historias y sentires para de alguna manera liberar sentimientos causados por este acontecimiento histórico. CATARSIS pretende ser un proyecto a largo plazo  que dará, tanto a la comunidad artística como a escuelas y centros culturales y comunitarios, la oportunidad de utilizar el museo como espacio alternativo accesible para exhibiciones, presentaciones performáticas y charlas que ayuden al proceso de sanación como País. catarsis: Del griego: purga, purificación. Para los griegos, purificación ritual de personas o cosas afectadas de alguna impureza. Efecto que causa la tragedia en el espectador al suscitar y purificar la compasión, el temor u horror y otras emociones. Por ext., sentimiento de purificación o liberación suscitado por alguna vivencia causada por cualquier obra de arte. Fisiología: expulsión espontánea o provocada por sustancias nocivas al organismo. Por ext., eliminación de recuerdos que perturban la conciencia o el equilibrio nervioso. En exhibición hasta el 1ro. de abril de 2018 Reportaje presentado en la cadena NBC de New York.

Mirada Extendida Rafael Rivera Rosa Al cumplirse un cuarto de siglo de su fundación, y en el contexto de la celebración de estos primeros veinticinco años de gestión cultural ininterrumpida, el Museo de Las Américas se honra en ser el organizador y anfitrión principal de la exposición retrospectiva Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida.                                                                             La muestra expuesta en nuestras salas ofrece una visión general, pero matizada, de la fructífera producción artística realizada por Rivera Rosa a lo largo de más de cinco décadas. Como tal, la misma permite apreciar la diversidad de técnicas y estilos cultivados por el artista, que van desde el dibujo, el grabado, el cartel y la escultura a la pintura figurativa, pero también a la abstracción, al expresionismo y al arte digital. Se presenta de manera cronológica el desarrollo como artista de uno de los admirables creadores que nuestra historia del arte ha agrupado bajo el nombre de la “Generación del 60”. Así, la exhibición refleja fielmente la rica evolución estilística que se va registrando con el paso de los años en el trabajo de Rivera Rosa, al tiempo que también se manifiesta en este su compromiso sociopolítico, que lo lleva a rebelarse activa y estéticamente contra los asuntos que afectan a su país y al mundo. Por lo abarcador de la selección de obras incluidas, esta se ha dividido entre dos sedes, dedicando una muestra por separado a la producción de obra sobre papel, que el público puede ver en la sala Francisco Oller del Museo de San Juan. Con la exposición Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida, el Museo de Las Américas quiere poner nuevamente al alcance del público la oportunidad de conocer, apreciar mejor y ser parte de este justo reconocimiento a uno de nuestros grandes artistas. Sirva igualmente esta ocasión de celebración compartida como expresión de gratitud hacia nuestra gente por la buena acogida y apoyo con que ha favorecido nuestro trabajo por los pasados veinticinco años. Vaya también nuestro agradecimiento a la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico, presentador principal de Rafael Rivera Rosa: Mirada Extendida, así como a nuestros demás auspiciadores y colaboradores. DATOS BIOGRÁFICOS Nace en 1942 en el barrio Cuba Libre de Comerío, pueblo de la región centro oriental de Puerto Rico, donde vive hasta los cuatro años de edad. En 1946 su familia se muda a la ciudad de Nueva York, ciudad en que permanecerá por espacio de doce años. Tras emprender el regreso a Puerto Rico, la familia se establece en Santurce. Rivera Rosa, que entonces tenía dieciséis años, trabaja a la vez que hace sus estudios secundarios en la Escuela Superior Central. Ya para esa fecha, la inclinación y aptitud para el arte, que ha demostrado desde niño, toma un giro determinante para empezar a definirse como su vocación de vida. Su interés en el arte lo lleva a los Talleres de la División de la Educación de la Comunidad, a los Talleres de Arte del Instituto de Cultura (ICP) y a la Galería Campeche, ubicados en el Viejo San Juan, espacios en los que entrará en contacto con un ambiente de rico intercambio artístico y cultural. Es entonces cuando conoce a los maestros que serán figuras clave para su formación en el arte. De 1959 a 1961 estudia serigrafía y xilografía con Lorenzo Homar en el Taller de Gráfica del ICP; mientras que de 1959 a 1964 estudia pintura con Domingo García en la Campeche. En esos mismos años, realizó estudios de dibujo arquitectónico en el Instituto Comercial de Puerto Rico, en el que termina su Grado Asociado en 1962. Ya decidido su rumbo hacia el arte, siguió desarrollando su obra como pintor y grabador, y su trabajo empieza a ser incluido en algunos de los portafolios de grabados más representativos de la gráfica del país, así como en exposiciones colectivas. En 1970 funda, junto a Nelson Sambolín y René Pietri, el recordado Taller Bija, en el Viejo San Juan. Más tarde, trabaja igualmente como artista gráfico en el Centro de Investigaciones Sociales de la Universidad de Puerto Rico (UPR), Recinto de Río Piedras, en el que tuvo a su cargo el diseño de la Revista de Ciencias Sociales y de otras publicaciones del mismo. Para esos años diseña también innumerables libros de la Editorial de la UPR, afiches y carátulas de discos, colaborando también con el semanario Claridad para el que crea el logotipo original del suplemento cultural En Rojo. Contando ya con una larga trayectoria como artista, decide continuar sus estudios superiores en la UPR, a la que ya estaba vinculado por su trabajo, y completa allí su Bachillerato en Bellas Artes en 1987. Poco después regresa a Nueva York, esta vez a realizar estudios graduados en Pratt Institute en Brooklyn, donde obtiene su grado de Maestría en Bellas Artes en 1989. Siempre dedicado a su trabajo de creación artística, fue también profesor de arte en el Departamento de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades de la UPR en Río Piedras y profesor de pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan. Ha presentado su obra en más de treinta exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico. Ha participado, asimismo, en cientos de exposiciones a nivel internacional en lugares como Nuevo México, New York, Orlando, Washington, D.C., Boston, Barcelona, Sevilla, Madrid, San Diego, Toledo, Brasil, México, Venezuela, Ecuador, Japón y Cuba, entre otros. A lo largo de su carrera, ha sido merecedor de numerosos e importantes reconocimientos. Desde 1995, Rivera Rosa es el Artista Residente de la Colección de Arte Puertorriqueño de la Cooperativa de Seguros Múltiples. Vive y tiene su taller en Río Piedras, a la vez que mantiene estrechos vínculos con su Comerío natal, donde colabora activamente en proyectos artísticos. Actualmente, tras más de cincuenta años de fructífera carrera en los que ha explorado una impresionante diversidad de medios y estilos, sigue pintando, fiel a su amplia visión del quehacer artístico. PREMIOS Y DISTINCIONES Exposición Individual del Año por la Asociación Puertorriqueña de Críticos de Arte (AICA),

Contaminados Fotografías por Herminio Rodríguez La exposición Contaminados consiste de una serie de 78 retratos realizados por el fotógrafo Herminio Rodríguez a miembros de comunidades afectadas por la contaminación que emana de las plantas de quema de combustible en el pueblo de Peñuelas, ubicado en la parte sur de Puerto Rico. Otras figuras destacadas de la sociedad civil, clase artística, deportiva y política puertorriqueña han sido captadas por el lente de Rodríguez, uniéndose así a este reclamo de justicia ambiental y social. El fotógrafo Herminio Rodríguez comenta acerca de este proyecto fotográfico:“Mi propósito, en lo específico, es crear una campaña fotográfica para denunciar y concienciar la situación que sufre el barrio de Tallaboa Encarnación en Peñuelas, que su salud se ve amenazada por el depósito de cenizas aledaño a la comunidad. En lo general, pienso que la campaña sirve también, para señalar la importancia que es proteger el ambiente y cómo el abuso de nuestros recursos perjudica más, que ayudarnos. Podría resumir que este trabajo como un tipo de fotografía activista ambiental, la cual si no me equivoco es la primera vez que puedo encontrar un concepto o idea para, a través, de la fotografía poder aportar con mi medio a la conservación del ambiente.”

Sobre la Antología del Tiempo Marcos de Jesús Carrión El Museo de las Américas presenta la exposición titulada: Sobre la antología del tiempo del artista Marcos de Jesús Carrión. El artista nacido en San Juan y criado en Arecibo, Puerto Rico presenta una serie de grabados trabajados en la técnica no tóxica de seda acuatinta. “Por medio de estas obras propongo llevar el grabado a otro espacio sacándolo del marco, sacándolo de la delicadeza del papel para darle un nuevo espacio y otras dimensiones. Dentro de estas obras creo un vínculo entre el objeto visual y mi percepción del tiempo. Los personajes dentro de estas obras parten de referencias fotograficas que tomo de esos personajes que me rodean, muchos otros elementos son recuerdos, memorias almacenadas que parecen no tener ya tiempo alguno; de aquí comienza la construcción de estas imagines de aquello mismo que relata esas historias que luego son transformadas para quedar estampadas en un nuevo tiempo.” Marcos de Jesús Carrión es egresado de la Universidad Interamericana de San Germán de donde obtuvo una maestría con especialidad en grabado. Ha participado en exposiciones internacionales como el International Graphic Trienial en Bitola, Macedonia, 2009, The Americas Biennial Exhibition of Contemporary Prints en Iowa U.S.A. 2010 y la 5ta Bienal Internacional de Gravura do Douro en Alijo Portugal, 2010, entre otros eventos importantes. Dibujo, grabado; el tiempo y la memoriaPor Marcos de Jesús Carrión Dentro de mi obra la técnica del grabado no solo se limita a su capacidad de ser multiejemplar. Es ahí donde comienzo a jugar creando ese vínculo entre la técnica del grabado y el dibujo. Mis imágenes son grabadas con un juego entre la aguja, buril y el pincel, puras líneas comienzan a construir la imagen. El dibujo inicia con el mismo proceso de crear un grabado, la línea comienza a ser dibujada por el buril, la aguja y otras herramientas sobre los mismos materiales que utilizo como plancha matriz en el grabado. Dibujos pensados como grabados pero sin la posibilidad de ser impresos. Mis grabados, en esta ocasión, salen directamente de su plancha matriz para imprimirse en la transparencia de otro soporte. Otras veces se alejan de la delicadeza del papel para adherirse a planchas de metal o plástico, para ser completados por la línea dibujada y juntos, en medio mixto, formar un todo. Veo el grabado y el dibujo teniendo la capacidad de dejar grabada una imagen en un tiempo, traer de vuelta un recuerdo. La percepción de un tiempo pasado, en donde solo es posible volver accederlos a través de la memoria grabada en una imagen.En la construcción de estas imágenes, cuento un tiempo y con otra percepción, construyo otro distinto. Mi percepción del tiempo llega a expandirse para cambiar y transformase en otra cosa. Los personajes en mi obra en ocasiones hablan de sus recuerdos o memorias, que no son más que historias inventadas con lo más significativo y hacen una reconstrucción de aquel tiempo en el cual se observan como un personaje más en la historia. Presento mi propia percepción del tiempo, incluso, la de otros que pudiera ser la misma sujeta a una infinidad de interrelaciones, que hace de su paso una realidad única con el fin de significar hechos o situaciones meramente cotidianas. Mi obra fue causa de vivencias, recuerdos y de las diferentes formas en que percibimos esta idea, creando un espacio en que insisten en no desaparecer. Memorias que me resisto a perder, entonces, cada obra se convierte en un intento por presenciar aquel tiempo que se ha ido, aquel tiempo pasado, porque una vez no se recuerde, se acaba. Ese tiempo, esos acontecimientos son los narradores y motivadores de mi producción artística. Teóricamente hablando John Dewey explica esto mejor cuando dice que “lo que ocurre en el pasado vuelve a ser vivido en la memoria”. La memoria es aquel instrumento utilizado para construir el pasado y darle espacio nuevamente en el presente, mi obra donde pueda, deja grabado ese proceso.

Lito-grafía:sensorio Elizabeth Robles De la exhibición constituida como políptico de piso, techo y pared, nos explica la curadora, Rebeca Noriega, nos permite recorrer “una travesía que juega con el concepto de movimiento contrapuesto al de quietud; la contemplación versus la continua actividad”. Noriega añade que “a primera vista, la instalación se compone de piedras, metal, agua, cera colgante, tierra y oleos”. Por su parte, Robles comenta que se trata de un pasaje que escapa de una ruta fija, y que puede generar sensaciones de exploración y nociones del paso del tiempo: “La temporalidad y el movimiento aquí laten de forma similar a cómo yo, durante todo este año, he vivido el proceso de recoger objetos y diversas materialidades por toda nuestra isla: bosques, cuevas, ríos, playas, caminos, carreteras, intersecciones rurales y urbanas, así como por mi propio vecindario. A su vez nos dice sobre las condiciones en las que hacemos arte” Entre objetos encontrados, rocas y otras materias naturales, hallaremos una mesa de trabajo con dibujos en proceso, fotografías, textos y grabados, colindando con piedras, piezas en cera, barro y varias esculturas colgantes, en una atmosfera que nos lleva de líquidos a rocas. Robles nos anticipa sobre la dimensión ambiental provocada por la coexistencia de lo perecedero con lo de aparente mayor permanecía. “El encuentro con agua y rocas, y las diversas materialidades, podría despertar sensaciones táctiles, vibratorias, olfativas, emotivas y otras, como de fuerza y resistencia; me encantaría que el público sienta que se sumerge en la instalación, que se permitiera soltar todo y solo estar ahí”, así nos convoca la artista. Rebeca Noriega, menciona el carácter del arte como uno de resistencia “Los juegos de infancia con las hondas creadas con troncos de trinitarias, nos dice cómo en esta exhibición cada flor tiene el potencial de mutar a piedra, así nos hace un llamado, interior y colectivo. Y es que la resistencia es ahora más necesaria”. Tendremos la oportunidad de ver algunas fotos de Máximo Colón, reconocido artista de la diáspora, quien a través de lente fotográfico permite que tengamos contacto con Robles mientras recoge piedras y rocas en diversas áreas de la isla. De igual modo, la cercanía en intercambio vecinal que Robles transforma en arte, desemboca en un vídeo presentado en sala; se trata de un trabajo visual del fotógrafo Manuel Gatell, quien junto a Sylvia Bofill y Esteban Alberty, aceptó unirse en colaboración en uno de los performances de Robles, desarrollado durante todo el año pasado y titulado “de lo impreciso”. Calendario de Actividades

Volando en Libertad Alex Ríos Fernández Ríos Fernández recibió sus primeras lecciones del artesano Eduardo “Barón” González Rivera. Luego comenzó a destacarse en la talla de aves bajo la tutela de la maestra artesana Rosabel Suárez, quien se expresó así sobre el trabajo Ríos Fernández, “la calidad de su talla, los detalles, la composición y elegancia de cada una de sus piezas, hacen de éstas unas de colección”. Alex Ríos Fernández es el tallador de aves más galardonado de nuestro país. Antes de cumplir los 20 años se animó a presentar varias tallas en el Ward World Championship en Maryland, EE.UU., certamen internacional donde obtuvo segundo y tercer lugar, además de una mención de honor. Desde entonces, ha participado en innumerables concursos en EE.UU., Chile, España y Canadá. Actualmente, continúa bajo la mentoría de la talladora estadounidense Sue Kraft con quien comenzó a tomar clases en 2003. El artista Rios Fernández es reconocido internacionalmente por sus tallas en madera de aves de Puerto Rico, confeccionadas en madera de laurel, los ojos en cristal y las patas son moldeadas en bronce a las cuales les aplica pintura de óleo. “Alex es un claro ejemplo de superación personal y artística. Su responsabilidad, empeño y su disciplina con el desarrollo de sus destrezas artesanales hacen de su trabajo una vocación”, nos comenta la especialista en artesanías Zulma Santiago, quien conoce a Ríos Fernández desde niño. “Por su creatividad y habilidad en el manejo de la talla, la pintura y conceptualización de sus obras, Alex Ríos es un ejemplo de la transformación de gran maestro artesano a un gran artista. Su obra va más allá de una mera pieza tallada, es una pieza de arte, una escultura de minuciosos detalles inspirada en una realidad natural, de valor cultural y de significado espiritual”. Por su parte, la doctora Teresa Tió expresó, “en cada pieza el tallador se acerca con la meticulosidad de un orfebre o un miniaturista, cuidando el mínimo detalle. Esa es una parte esencial del oficio del tallador de aves”. Paralelamente a la exposición se ofrecerán recorridos guiados por el artista, así como conferencias temáticas y talleres creativos. En exhibición hasta el 26 de marzo de 2017. Opúsculo de la exhibición

María Emilia Somoza: Su huella en el aguafuerte Mensaje de la artista:  “Comparto con ustedes el producto de lo que ha sido el norte creativo de mi vida: el grabado en intaglio, específicamente el aguafuerte. Tratándose de una retrospectiva, son obras que representan distintas etapas de mi vida, anteriores y posteriores a mi desempeño en la dirección del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. La tarea abarcadora y compleja que tuve que enfrentar durante ese periodo me obligó a detener en parte la producción artística, aunque no la reflexión estética ni la búsqueda mental de soluciones técnicas relativas a la práctica del grabado. Durante ese tiempo, además, fueron muchas las obras gráficas que se fueron forjando en mi mente. Como eje creativo central de mi producción, el concepto “vida” me estimuló a reflexionar sobre su reflejo en todas las  expresiones de la naturaleza —mar, tierra, aire, agua, movimiento—, traduciéndolo en formas y colores con valores simbólicos. Lo onírico desempeña en ello un papel preponderante; igualmente los momentos que han dejado huella en mi vida. Mi obra está ligada a la técnica del aguafuerte, el más generoso medio de expresión artística que he encontrado en el camino. Aunque implica muchos retos y requiere una gran dedicación, una vez me abro a sus posibilidades, que son inmensurables, siento que el proceso creativo cobra alas y me obliga a la producción en un diálogo maravilloso con la técnica. Ofrezco mi obra a quienes se acerquen a ella como un mensaje en el que prima para mí la fuerza espiritual que le da sentido a la vida, un mensaje abierto que se enriquezca en significado con el aporte de todos”.  – María E. Somoza El uso del barniz blando, la acuatinta y otras técnicas para contrastar áreas de superficies difuminadas con la dureza linear que se consigue con el buril o la punta seca crea una superficie que al momento de la impresión sugiere una infinita riqueza de tonos. Las referencias arquitectónicas y las diminutas raíces, los filamentos, las retículas y las esporas vegetales con las que Somoza ira creando una delicada red de valores gráficos [como dice Fernando Cros] son temas de la naturaleza que se usan por su valor simbólico y riqueza grafica […] su estilización los aparta de lo mimético y los integra a la preeminente abstracción que es el lenguaje sobresaliente de la obra de la artista. María Emilia Somoza ha marcado su huella en el aguafuerte de forma indeleble y elocuente. Su lugar en la historia de la gráfica puertorriqueña del medio siglo pasado queda firmemente reconocido en esta muestra, que abarca toda una vida de compromiso intelectual y entrega al duro oficio del grabado […sus] búsquedas […] se materializan, por la metamorfosis de alquimia y magia del aguafuerte, en la poesía visual de la imagen, sea esta heroica, lírica o elegíaca.

Maquiamelo Divas y Testas “Desde Bogotá, Colombia llega a nosotros una exposición titulada “Divas y Testas”, del escultor Maquiamelo (n. 1971). Es una colección de piezas ostentadoras de un perfil óptico y filosófico coherente. En conjunto poseen contenidos antropológicos donde hurgan  en una fenomenología sostenida en el transcurso de la presencia humana sobre la  tierra. Hace concurrir en ellas auras novedosas en que advertimos un discurso trascendente. Una vez alcanzamos asimilar total o parcialmente su presentación, lograremos concebir como tras las apariencias existe un entramado denso e inagotable.” José Pérez Ruiz, Ph.DCrítico de arte Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) El  reconocido escritor colombiano crítico de arte Álvaro Medina  habla sobre esta gran exposición:  “Esta exposición gira principalmente en torno a la belleza femenina, una fuerza de poderes infinitos que actúa en el plano carnal y sicológico, generando pasiones amorosas. Las mujeres bellas conocenen la juventud el esplendor y luego la inevitable decadencia. El intento de conservar ese esplendor es un anhelo humano que el escultor Maquiamelo ha resuelto haciendo  retratos que nos remiten a la tradición de reducir cabezas,practicada por los indios Jívaros de Ecuador. Las cabezas reducidas se llaman tzantzas en el idioma aborigen y son trofeos rituales que, como un signo de poder individual, los indios portaban como parte de su atuendo en ocasiones especiales. Según los antropólogos que han estudiado el tema, las bocas de las tzantzas se cosían para retener y guardar el espíritu del difunto. Maquiamelo es un retratista que se ha dedicado, en sus representaciones, a encapsular el talento de algunas de las más bellas divas de Hollywood. Gracias a su imaginación creativa, la vigencia artística de esas actrices se potencia y convierte en un fetiche inolvidable. Porque una vez usted acaricia con los ojos uno sólo de estos retratos, jamás podrá olvidar su grata aunque perturbadora fascinación. “