Caribbean Ties – Lazos Caribeños El Museo de Las Américas se unió a otros países de la región del Caribe y Holanda para la presentación de la exposición Caribbean Ties connected people then and now / Lazos Caribeños conectando gente antes y ahora. La misma es producto de un proyecto investigativo multidisciplinario titulado NEXUS 1492, originado en la Universidad de Leiden en Holanda, el cual investiga los impactos de la colonización en el Caribe y las conexiones de las primeras interacciones entre el Nuevo y el Viejo Mundo. La exposición se presentó de mayo a noviembre de 2019 y  17,836 personas pudieron ver e interactuar con la muestra.Como parte del programa público de la exposición se llevó a cabo el conversatorio: “Arqueología caribeña del siglo 21: conexiones históricas, transfronterizas y disciplinarias”, con la participación del antropólogo y arqueólogo Jaime R. Pagán Jiménez, el geoquímico Gareth Davies y el arqueólogo Miguel Rodríguez López. Museo de Las Américas joined other countries in the Caribbean region and the Netherlands for the presentation of the exhibition Caribbean Ties connected people then and now / Lazos Caribeños conectando gente antes y ahora.This project is a product of a multidisciplinary research titled NEXUS 1492, originated at the University of Leiden in the Netherlands, which investigates the impact of colonization in the Caribbean and the connections of the first interactions between the New and the Old World. The exhibition was presented from May to November 2019 and 17,836 people were able to see and interact with the exhibit objects.As part of the public program of the exhibition, the Museum offered a conference titled: “Caribbean archeology of the 21st Century: historical, cross-border and disciplinary connections” with the participation of the anthropologist and archaeologist Jaime R. Pagán Jiménez, the geochemist Gareth Davies and the archaeologist Miguel Rodríguez López.

50 Años de la Liga La Liga Estudiantes de Arte de San Juan conmemora el quincuagésimo aniversario de su fundación en 1968. Un modo de celebrar tan importante acontecimiento ha sido organizar esta exposición, muestra representativa, pero limitada, del extenso listado de artistas vinculados a la institución durante los últimos 50 años: maestros artistas que han dado clases en la Liga, artistas que en algún momento fueron estudiantes de la institución, artistas que desde 1969 han expuesto en la Galería San José, y en la Galería Delta de Picó o que su obra ha sido motivo de artículos críticos en algunos de los 21 números editados entre 1978 y 1991 de la revista Plástica. Al realizar la investigación se pudo apreciar el inconmensurable mérito que ha tenido la Liga durante estos 50 años de labor, lo que deja una huella indeleble en los anales de la historia del arte contemporáneo en Puerto Rico. Se debe destacar que la Liga además ha acogido desde su fundación a casi todos los movimientos artísticos contemporáneos y de vanguardia que se han manifestado en Puerto Rico desde la segunda mitad del pasado siglo XX: el abstraccionismo de la década de los años 60, la cerámica y la fotografía artística durante los años 70, las instalaciones y la nueva figuración de la década de los 80 y gran parte de las propuestas de expresión artística existentes en la actualidad. La Liga ha sido igualmente apoyo de grupos señeros como la Asociación de Mujeres Artistas de Puerto Rico y el impulsor principal del proyecto para la creación del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. La exposición ha sido repartida entre el Museo de San Juan y el Museo de Las Américas. Reúne obras de poco más de 100 artistas de diversas generaciones, representados por obras en las categorías de pintura, dibujo, medio mixto, gráfica, fotografía, escultura e instalaciones, reservando un espacio para obras de “performance”. La necesidad de ajustarse a las dimensiones de los espacios de exhibición en los museos fue un factor determinante a la hora de tomar decisiones en cuanto a la selección de artistas y de obras. Presentar ejemplos  fidedignos de la excelente factura que distingue nuestra tradición plástica, como mostrar ejemplos paradigmáticos con los que los artistas seducen al espectador en la época de la  globalización capitalista fue otro factor importante: el uso de nuevos materiales, de nuevas técnicas y nuevas tecnologías, la hibridación de los medios y de los nuevos acercamientos a los géneros tradicionales. Finalmente, no se ha querido dejar de lado a los modelos de representación alternativos como el feminismo, el movimiento “queer” y el arte de documentación y archivo o de la memoria, que, sin lugar a dudas, dejarán una huella importante en el arte de los próximos 50 años. The 50 Years of the Art Students League This year the Art Students League of San Juan celebrates the fiftieth anniversary of its founding in 1968. One of the ways we are commemorating this important event is by mounting this exhibition, a representative, albeit limited, selection from the long list of artists who have been part of this institution over the last fifty years: artist-teachers who have given classes in the League, artists who at some point were students here, artists who have exhibited their work in the San José and Delta de Picó galleries since 1969 or whose work has been the subject of articles contained in some of the 21 issues of Plástica published between 1978 and 1991. In doing the research for this exhibition, the immeasurable importance of the League’s work over these last fifty years became clear. It has, indeed, left an indelible mark on the history of contemporary art in Puerto Rico. It should be noted that since its founding, the League has welcomed almost all the contemporary and avant-garde art movements that have manifested themselves in Puerto Rico in the second half of the twentieth and beginning of the twenty-first century: the Abstraction of the Sixties, the ceramics and art photography of the Seventies, the installations and New Figuration of the Eighties, and most of the modalities of artistic expression that we see today. The League has also lent support to important and groundbreaking groups such as the Women Artists Association of Puerto Rico and the artists who were the driving force behind the creation of the Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. The exhibition has been divided between the Museo de San Juan and the Museo de Las Américas. It brings together works by a little over 100 artists of several generations: paintings, drawings, mixed media pieces, posters and other graphics, photographs, sculptures, and installations, with a space reserved for performance pieces. The need to accommodate the pieces in the museum spaces was a determining factor in making some of the decisions about the artists and works finally chosen. Two other factors were the desire to present trustworthy examples of the excellent facture that distinguishes our artistic tradition and to show some of the paradigmatic ways by which artists seduce the viewer in the era of capitalist globalization: using new materials, new techniques, and new technologies, hybridizing media, and taking new approaches to traditional genres. Finally, we have wanted to include models of representation such as the queer movement, and the art of documentation and archive, or memory, all of which will unquestionably leave an important mark on the art of the next fifty years.

Esculturas Sonoras Esculturas Sonoras, colección que funde la pintura, la escultura y la música, juega con las fronteras porosas entre lo cotidiano y el arte.  Instrumentos pictóricos que en algún momento fueron tanques de gas, objetos útiles en convertir lo crudo en lo cocido, ahora comunican historias, mitos y sonoridad.  La variedad técnica y temática del lenguaje visual representa la labor de varias generaciones de pintores que han dotado a cada escultura una identidad única.  Los elementos sonoros y escultóricos, por su parte, juegan un rol cohesivo.  Las 17 esculturas comparten lengüetas simétricas por donde se activa la pentafonía en sus cuerpos cilíndricos. Desde las Cuevas de Lascaux y las antiguas ánforas griegas hasta la Torre Eiffel o los “objetos encontrados” del arte contemporáneo, el diálogo entre lo cotidiano y el arte ha sido una constante de la existencia humana.  Objetos que guardan una relación entre lo pictórico, lo escultórico y lo sonoro, aunque comunes a todas las culturas humanas, son menos frecuentes y corresponden en su mayoría a las prácticas mágico-ritualísticas y curativas de pueblos ancestrales.  En el Caribe, los inicios de estas prácticas se remontan a los taínos quienes confeccionaban con árboles ahuecados el mayohuacán, instrumento central del areito.  Creían nuestros ancestros que el universo estaba vivo y que las fuerzas de la naturaleza, los animales y los espíritus de sus antepasados se comunicaban a través de sus instrumentos.  Estos objetos eran avatares de los seres míticos, los animales y las fuerzas naturales representados en sus iconografías o en sus formas antropomórficas y zoomórficas, y musicalmente imitaban sus sonidos. Siguiendo una filosofía animista parecida, los afrocaribeños en el Nuevo Mundo tomaron objetos manufacturados como el barril para recrear sus tambores.  Ya sea en la bomba puertorriqueña, el bata afrocubano o el steel drum de Trinidad, el tambor juega un rol intrínseco y cobra vida en la celebración de fiestas de Carnaval, ritos fúnebres y toques de santos; conjugando lo sagrado con lo profano. Aunque de una manera más discreta, la relación entre lo escultórico, lo pictórico y lo sonoro también está presente en la práctica sincrética de la imaginería popular cristiana.  En el caso de Puerto Rico, es mediante el rosario cantado y el aguinaldo que los santos de madera escuchan las promesas de sus devotos.  Al sol de hoy, en circuitos populares de la música caribeña siguen apareciendo instrumentos hechos de palos de escoba, latas de sardinas, hebillas de pelo y frenos automovilísticos, como testimonio de tradiciones que sostienen su arte a través de lo cotidiano. Tomando en cuenta esta trayectoria de fusionar lo cotidiano y el arte: ¿nos debe extrañar que 17 tanques de gas se conviertan en esculturas sonoras?  El arte en el Caribe, como costumbre, se ha cimentado en prácticas de reciclaje y transformación.  Ante los problemas que enfrenta nuestra actualidad, con la crisis ambiental, el consumismo desenfrenado y las políticas de un sistema neoliberal que cuestionan la utilidad del arte en la vida moderna, el proyecto Esculturas Sonoras propone nuevas maneras de pensar un futuro más sostenible, de ver lo útil en lo inútil y de transformar lo desechable en arte. Jaime O. Bofill CaleroEtnomusicólogo, Conservatorio de Música de Puerto Rico ARTISTAS PARTICIPANTES Abismael “Aby” RuizNace en Arecibo, Puerto Rico en 1971. Cursa estudios formales en pintura, dibujo y grabado en la Escuela Especializada de Bellas Artes de Arecibo del 2001 al 2003, donde fue estudiante de Roland Borges Soto. Anteriormente había tomado clases particulares de pintura con el pintor español Pablo San Segundo. Sus obras han formado parte de colectivas a nivel nacional e internacional. Su primera exposición individual fue Destiempo, en la Galería Don Juan en Arecibo. Admin TorresNace el 17 de noviembre del 1986, oriunda del barrio Juan Domingo en Guaynabo. Realiza sus primeros estudios en la Escuela Central de Artes Visuales de Santurce y completa un Bachillerato en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico en San Juan, donde es galardonada con varios méritos, entre ellos Medalla de Dibujo Don Ricardo Alegría, Mención de Honor en Pintura y el Premio Especial de Pintura Carlos Collazo. A su vez realizó estudios en Diseño y Confección de Moda y Alta Costura. Ha participado en exhibiciones en galerías a nivel nacional e internacional tales como el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte de Puerto Rico, Galería Centro Villa Victoria en Boston, Museo de Arte y Diseño en Costa Rica, la Feria Montreal en Canadá y el Museo Ex-Teresa en la Ciudad de México. Dafne ElviraNace en Santiago de Compostela, España en 1964. Obtiene un Bachillerato en Comunicación Pública de la Universidad de Puerto Rico. Su primera aproximación al arte fue en el campo de la joyería escultórica. Para el 2012 forma parte del grupo Pinceladas Olímpicas, donde artistas puertorriqueños plasman mediante su arte los momentos transcendentales de la historia del olimpismo en Puerto Rico. Dafne Elvira trabaja el tema de Helsinki (1952) donde se iza por primera vez la bandera puertorriqueña en un evento oficial olímpico. En el 2013 presenta la exposición Líricas en la Sala de Exposiciones de la Fundación Ángel Ramos. Su obra se ha presentado en galerías nacionales e internacionales. David ZayasNace en Ponce, Puerto Rico en 1983. Su pasión por el arte y el talento para el dibujo los adquirió de su padre, quien era ilustrador. Al pasar los años fue demostrando sus habilidades artísticas, las cuales pudo ir desarrollando en la Escuela de Bellas Artes de Ponce, donde cursó sus estudios. Luego ingresó a la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico, donde se gradúa en el 2003. Ha participado como muralista en diferentes proyectos de arte urbano locales e internacionales como Los Muros Hablan, Santurce es Ley, 3ra. Bienal y 4ta. Bienal Internacional de Muralismo y  Arte Público de Colombia y la XII Bienal de La Habana, Cuba. En el 2015 hace historia en el arte puertorriqueño cuando presenta la primera exposición de muralismo contemporáneo Muralis en el Museo de Las Américas. Enrique CárdenasNace en México.

SACRO CORPUS Iván Girona Las decantaciones químicas suelen ser procesos complicados, las del arte, en cambio, son, además, sutiles, y siguen dando la impresión de la magia. En ese afán de depuramiento formal y espiritual, la muestra Sacro Corpus de Iván Girona, permite al público acercarse una vez más a una obra cada vez más intensa en sus exploraciones y sus hallazgos. En la práctica artística, el tiempo suele ser un factor crucial a la hora de ir configurando un mundo personal, y en la trayectoria de este artista, se van ampliando registros, pero también, como decíamos al comienzo, se filtran los recursos antes utilizados en pos de resultados más prístinos que los anteriores. Girona es uno de los artistas nuestros que sigue estudiando para ver cómo toma una nueva curva inesperada en el camino. Si bien, conocemos sus exquisitos trabajos en metacrilato, con un colorido exuberante, y por otra parte, al dibujante virtuoso con sus figuraciones imaginarias, ahora, tenemos en la muestra, su incursión en la cerámica, que expande su propuesta artística. No obstante, las obras aquí expuestas van dando pruebas en los tres medios, de una madurez que se gana a fuerza de reflexión y de trabajo constante. Los dibujos aquí expuestos tienden a subrayar volúmenes, marcar sombras; son leves, pero enigmáticos, y bien como dirigiendo la atención hacia sus nuevas búsquedas ahora en el medio de la cerámica. La incursión en el barro, ha obligado a Girona a concretar volúmenes en el espacio, y pulir superficies, que ahora imponen su tridimensionalidad, mientras antes eran sugeridas en sus trabajos bidimensionales. Eso le ha permitido experimentar lo escultórico de cerca. Así se comprueba en Madonna y en Sagrado sexo, ambas del 2019. La imaginación del artista, lo inclina a yuxtaponer formas de especimenes distintos de cualquier reino natural. Aquí sus formas cobran una sensualidad por la invitación al tacto sobre una sinuosidad de cavidades y protuberancias. Se establecen como opuestos, como principio masculino y femenino, como ejes rectores de una jerarquía compositiva. Como decíamos poco antes, los dibujos, quizás sean el puente de lo bidimensional a lo tridimensional. Entre procesos naturales, determinaciones sociales o científicas, la configuración de protagonistas surreales le brinda el carácter alucinatorio, acostumbrados en sus trabajos de papel. Fermentación, Profeta, Herencia, El bautizante, Tentado, todos del 2019, permiten la convergencia de lo vegetal y lo animal. Muchos de los protagonistas de estos dibujos a tinta tienen una vertiginosa hibridez en su factura. Hay rasgos de tubérculos, de crustáceos, de órganos humanos camuflados por virtud intuitiva. No obstante, estos dibujos son intencionalmente más esquemáticos que rigurosamente detallados. Esto, entiendo, se debe al tránsito que se está dando en la obra de Girona hacia lo tridimensional. Las necesidades internas lo inclinan a subrayar volúmenes, insinuar sombras, y basta. Ese cuerpo tenue comienza a invadir nuestro espacio, y el diálogo entre el dibujo y la cerámica se da en voz baja. Gran contraste, en cambio, cuando examinamos los nuevos trabajos en metacrilato. Ya comienza a advertirse también en algunas piezas en metacrilato, la necesidad de expandirse en todas las direcciones. Y hay que decirlo, las obras en metacrilato han alcanzado un nivel de sofisticación y poesía extraordinario. Ejemplo de la irrupción de la tridimensionalidad en la policromía del metacrilato, es la pieza Resurrección (2019). Desde hace más de un año, Girona viene confeccionando bocetos para futuros trabajos en los que se engarzan las piezas de metacrilato unas en otras, creando un magistral rompecabezas. Julio Cortázar lo denominaría Modelo para armar, Girona lo titula Sacro Corpus. No obstante, no es sólo el que los volúmenes han ido cobrando espacio en el espacio, sino las inusitadas armonías de color, así como un uso más osado del metacrilato en su transparencia. Del 2018, Axiomas traicioneros, Iluminación y Orbes; del 2019, Coronado, Perdore Rex, Señalamiento e Iluminado. Mientras los metacrilatos del 2018 daban la impresión de tener una aproximación más inclinada al retrato de un personaje fantástico, las más recientes se inclinan hacia la amplitud del paisaje. Decíamos que el cuerpo se extiende en el espacio. La pasión de Girona por ciertas manifestaciones de la naturaleza que él recoge en su obra de modo lírico, se vuelca en Sacro Corpus con una nueva preocupación, que es detonante de varias consecuencias plásticas. Entendemos que ese nuevo enfoque está dictado, como decíamos, por su incursión en la cerámica y en la tridimensionalidad del metacrilato. Hay una necesidad de encarnar, de que el cuerpo sea palpable en el espacio. Esto es un cuidado formal que estaba por brotar, y que ahora comienza a consumarse. Esto es obra en tránsito, ¡pero qué transito! Y en esa vía iluminada, la unión entre carnalidad, sexualidad y constitución de lo sagrado, se nos manifiesta por medio de la simbiosis de forma y color. Incluso, la transparencia juega el papel más crucial en estos trabajos, pues nuestra mirada traspasa el soporte casi como un rapto. Vemos el frente y buena parte de lo que está detrás. No es extraña esta voracidad sacralizante, pero también carnal. Devoración mediante la vista. Una hostia de colores se levanta. El dramaturgo francés Jean Genet decía, que levantarla en el momento culminante de la misa, era el acto más obsceno de todos. por Rubén Alejandro Moreira

Puerto Rico en mi Ektor Rivera Puerto Rico en mi presenta a Ektor de cuerpo entero. El arte como modo de intervenir, en que lo sensible y lo espiritual se unen; el arte como fusión de artes, donde lo musical y lo teatral se desplazan sutilmente en las superficies cromáticas. Colores cálidos y fuertes. Intensos y exuberantes. Significados que invitan a la reflexión. Las obras de esta exposición revelan una tensión, una lucha entre protagonistas. La luz y la figura, los colores y los cuerpos, están siempre presentes; y, a la vez, una propuesta pictórica que obliga a la interpretación y exige lecturas reflexivas. La obra de Ektor es caribeña y puertorriqueña, no importa dónde él esté. Puerto Rico es generoso con su luminosidad y riqueza cromática, y él la captura con elegancia en la escala monumental de sus piezas. La puertorriqueñidad aparece siempre de modo regio y contundente; un orgullo peculiar que tiene en la bandera su emblema, y que la diáspora boricana exhibe como eje de su resistencia. Obras como Instinto, Obreros de la patria y Resistencia son sus testimonios; también Las Vírgenes, reminiscencias del arte sacro, acompañada de instrumentos musicales típicos en la Virgen de invierno; con flores y margaritas en la Virgen de primavera, y con mar y cocos en la de verano. Las obras de esta exposición están pobladas de temas que han perseguido a Ektor por largo trecho. La fuerza de la energía entre lo humano y los objetos, esos campos magnéticos tan presentes en E.R.A. y Éter. Las formas geométricas que todo lo conectan en el espacio, que aparecen y reaparecen vestidas, atenuadas de color. El balance y el equilibrio como poder subjetivo, como fuerza que llama a la quietud y a la serenidad. Lo mismo y lo otro, el adentro y el afuera, los opuestos que se atraen, son ideas recurrentes que muestran su interés por los binomios interpretativos, tan cercas de la reflexión filosófica. El tema privilegiado de la mujer, su cuerpo y su energía, habita en sus obras por largo tiempo, presentadas aquí en grabados en plexiglas como Goddess, o en obras como Perfil de Gea, Madre Tierra en Astra y Musa Antillana. La exposición se divide por medios y formas estéticas. De un lado, los exuberantes acrílicos sobre canvas; de otro, los delicados grabados sobre plexiglás, y las formas mixtas, exploratorias, en el entrecruce de la fotografía, el acrílico y el vinyl adhesivo. Un diálogo subterráneo con la tradición plástica universal parece revelarse en varias piezas de Ektor. Ese intercambio es evidente en la obra XV-XXI; más sutil en Me sabe a New York, que recuerda a Warhol, y palpable en Interludio y Amor color mariposa en interacción con el surrealismo. La conversación no se limita a los universales. El grabado es una de las aportaciones significativas del arte gráfico puertorriqueño, desde Homar, Tufiño y Alicea, que él rescata en su arte de los cristales de modo magistral. Esta propuesta pictórica de Ektor tiene temporalidad, pertenece a un momento de su desarrollo artístico, plural y sin fronteras. Pero, sobre todo, transmite una ética, un respeto por el país que lleva adentro, por una memoria que lo ata inescapablemente a este lugar, de donde salieron sus sueños, sus preocupaciones metafísicas, su romanticismo y sus vivencias profundas. Dennis Alicea

ESPEJO DE LA HUMANIDAD José R. Alicea “El Maestro aprendió de quienes lo precedieron que no hay secretos de oficio sino se comparten y dejan de serlo, que el artista grabador es un portavoz, un espejo magnificado y multiplicado de su pueblo, una humanidad que en la obra se ve reflejado con sus penas y alegrías, necesidades y contradicciones. Por eso graba y estampa la flora y la fauna, el pasado, el presente y el futuro, la humanidad doliente y festejante, los rituales de la vida y de la muerte. En la poética del maestro Alicea el individuo no niega el colectivo ni éste traiciona al individuo. Se forja en el proceso mismo del imaginar un instante multiplicado en el tiempo y legado a futuros espectadores que lo recrearán. El artista lector se apropia a la vez que se entrega a cada texto traducido en imagen, reconoce lo político en el toma y dame del proceso artístico, la práctica de una democracia sin dogma, una libertad compartida un acto regenerador continuo. Su valor político reside en la práctica, el producto es el proceso.”Toño Martorell El Maestro Alicea ha dedicado toda la vida al descubrimiento de la imagen impresa, se ha ocupado de ella con fervor casi religioso y una entrega que se extiende a su otra vocación, la de maestro. Abordar el estudio de su obra gráfica se convierte en una compleja labor por la gran variedad de medios, materiales, temas, acercamientos y enfoques que su obra contiene y que en ocasiones se interconectan. Su creación, fundamentada en la estampa multiejemplar, quiere ser voz ante la opresión, venga de donde venga. Hay en sus trabajos un deseo de comunicar significados sustantivos de manera legible, que estén al alcance del público sin perder su esencia de lenguaje metafórico, autosuficiente y esencial. Esta urgencia de entrelazar la imagen, la palabra y el espectador se convierte en eje de su obra, de su necesidad expresiva, de la afirmación ética de compromisos con las luchas sociales y libertarias. PREMIOS y DISTINCIONES (selección) 1961—Mención honorífica por el grabado El café1962—Primer premio de grabado, por La patria es valor y sacrificio.1963—Primer premio de grabado, por Prometeo1964—Premio al cartel1965—Primer premio de grabado, por Alcatraces1966—Primer premio de grabado, por La paloma1967—Primer premio de grabado, por GranadasOtorgados en el certamen del Festival de Navidad del Ateneo Puertorriqueño—Premio único de grabado Mildred Boerique, por La paloma, en el certamen internacional del Print club de Filadelfia, Pa.1973—Premio único, cartel conmemorativo del Centenario de la abolición de la esclavitud, Ateneo Puertorriqueño1979—Premio del cartel, Fundación Puertorriqueña de las Humanidades, San Juan, P.R.1986—Mención de Honor para cartel, Comisión para la celebración del Quinto Centenario del Descubrimiento de América y Puerto Rico, San Juan, P.R.1987—Premio único para cartel, Comisión para la celebración del Quinto Centenario del Descubrimiento de América y Puerto Rico, San Juan, P.R.  1991—Premio Cartel Oficial, cartel para el Pabellón de Puerto Rico en la Feria Internacional Sevilla ‘92, San Juan, P.R.1991—Resolución de la ciudad de Ponce declarando Hijo Predilecto al artista José R. Alicea, Ponce, P.R. 1996—Medalla de Plata Goya, X Bienal Iberoamericana de Arte, Ciudad de México, D.F.  1997—Instalación de placa conmemorativa de los Ponceños Ilustres, Parque del Tricentenario de Ponce, P.R.2003—Ganador del Certamen para el proyecto de mural Ponce Hacia el Futuro, Ponce, P.R.2006—Reconocimiento al Maestro José Alicea por Jornadas del Grabado Puertorriqueño, San Juan, P.R. 2016— La Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico, le dedica los Actos de Graduación. DATOS BIOGRÁFICOS CRONOLOGÍA 1923 Su madre, Esmeralda Alicea Torres, viuda desde muy joven emigró a Nueva York buscando rehacer su vida.  Allí conoció a José Rodríguez Torres, padre de José Alicea. 1928 Cuando se acercaba la fecha de dar a luz, su madre decide viajar a Puerto Rico para que su hijo no naciera en Nueva York. José Alicea nace el 12 de enero de 1928, en el Barrio Bélgica, en Ponce, vecino del legendario Barrio San Antón, cuna de la plena puertorriqueña y de arraigadas costumbres folklóricas. 1932 Eran los principios de la Gran Depresión. Su padre, tornero mecánico, había sido despedido el año anterior junto a treinta compañeros. Sus padres se separan, y regresa con su madre a Puerto Rico.1939 Comienza a trabajar como aprendiz de ebanista a tiempo completo en un taller del barrio, el Taller Irigoyen. 1940 Se gradúa de octavo grado. A fines de ese año se implementa el programa federal “National Youth Administration” para dar empleo a los jóvenes de 18 años. Se hizo pasar por tal, y durante algún tiempo estuvo encargado de hacer pupitres para estudiantes.1942 De enero a febrero comienzan las inscripciones para el servicio militar obligatorio a jóvenes de 18 años o más. Para no perder su empleo, acude a la Junta de Inscripciones.1943 Es reclutado junto a su hermano Jorge y su primo José Luis Linares Alicea, para servir en el Ejército de Estados Unidos. Concluido el entrenamiento básico es enviado al Fuerte Brooke, en San Juan a estudiar meteorología.  Se matricula en un curso de arte por correspondencia con la Washington School of Arts.1946 El 29 de enero es licenciado honorablemente del Ejército de los Estados Unidos, con apenas 18 años y dos años y medio de servicio militar.  Regresa a Ponce.1949 Completa sus estudios de escuela superior en el Modern Business College, auspiciado por el “G.i. Bill of Rights” por su condición de veterano de guerra.  Comienza sus primeros estudios en dibujo, acuarela y pintura al óleo en la Academia Pou dirigida por el Maestro don Miguel Pou. La experiencia con el artista fue muy educativa. Allí se hablaba de filosofía y de literatura. Se usaban modelos vivos e iban al campo una o dos veces a la semana. Establece, con mucho éxito, un taller de rótulos en la calle Villa, de la ciudad de Ponce.  Tal oficio despierta en él una de sus grandes pasiones artísticas: el gusto por la palabra, que años más tarde lo llevará a trabajar en su gráfica la obra de numerosos escritores internacionales. 1955 Cierra su taller

Punto medio: Mitos y Dioses Eric Tabales La primera muestra de Mitos y dioses, en 2004, ofreció al público una selección de treinta y cinco pinturas, basada en el aspecto olímpico de los dioses y la mitografía griega. La presente exposición es el segundo episodio de un proyecto de vida cuya fase de preparación comenzó hace casi veinte años atrás. En este segundo capítulo, Punto medio: mitos y dioses, el artista Eric Tabales materializa cuarenta piezas inspiradas en la mitología helenística. Este proyecto continuará más adelante en la carrera del artista, pues se propone realizar veinticinco obras adicionales que completen los cien mitos y dioses, con los cuales abarcará la trayectoria de una vida entera. Cada capítulo destaca cualidades propias de las motivaciones del autor.El capítulo que nos ocupa explora el aspecto heroico dentro del tema. No hay momento más oportuno que el presente para observar el alcance épico de esta colección de pinturas. Las cuarenta piezas que comprenden esta exposición se inspiran directamente en la figura humana y captan la magnitud antropomórfica de sus protagonistas. Esta muestra también simboliza para el artista un homenaje al heroísmo de su pueblo. Con Punto medio: mitos y dioses, Eric Tabales registra un testamento de pequeñas virtudes que ejemplifica la grandeza de todo ser humano. Midway Point: Myths ad Gods The first exhibition of “Mitos y dioses” back in 2004, offered the viewing public a selection of thirty five paintings, all based on different aspects of the gods of the Olympic and Greek mythology. The current exhibition is the second chapter of the artist’s lifetime project, whose preparations commenced twenty years ago. In this second version, “Punto medio: mitos y dioses”, the artist Eric Tabales presents forty pieces inspired by helenistic mythology.This lifetime project shall later continue with a third chapter consisting of twenty five additional works of art, completing the one hundred paintings of myths and gods, and which shall encompass his lifetime trajectory. Each chapter highlights the author’s own motivational qualities. The current second chapter explores the heroic aspects of the gods. This is an opportune moment to observe the epic scope in this collection of paintings. The forty art works included in this chapter are directly inspired by the human figure and capture the anthropomorphic magnitude of its protagonists. For the artist, this sample also symbolizes a tribute to the heroism of its people. With “Punto medio: mitos y dioses”, Eric Tabales registers a testament of small virtues which exemplifies the greatness of all human beings.                             José Correa VigierCurador e historiador(Curator and Historian) DATOS BIOGRÁFICOS Pintor, escultor y profesor. En 1985 obtuvo un bachillerato en biología y química de la Universidad de Puerto Rico, donde además estudió tecnología médica en 1987. Más tarde completó un bachillerato en artes plásticas en la Universidad de Puerto Rico y en 1996 una maestría en pintura en la Academia San Carlos, Universidad Autónoma de México. En 1993 recibió el primer premio en la III Bienal de Arte Jóven del Chase Manhattan Bank.La Asociación Internacional de Críticos de Arte, Capítulo de Puerto Rico, le ha otorgado varios premios: Mejor Monumento Público 1995 (Capilla de Meditación Juan Acha en México); Monumento Privado 1996; Mejor Exhibición en su Medio 1998; y Mejor Exhibición Individual 2006. Ha sido Profesor de la Universidad de Puerto Rico y la Universidad Interamericana. Realizó los vitrales del Museo de Arte de Puerto Rico, la Escuela de Bellas Artes de Guaynabo, Capilla Universidad Central de Bayamón, y el teatro Braulio Castillo de Bayamón. En 1995 patentizó la técnica de óxido sobre cristal que utiliza en sus trabajos y que es el resultado de sus investigaciones técnicas y conceptuales, las cuales lo han llevado a identificarse con una nueva visión de la plástica latinoamericana. La Universidad de Puerto Rico lo galardona como Ex-Alumno Distinguido 2008. Es Artista Residente de la Universidad Central de Bayamón. Eric Tabales es representado exclusivamente por San Patricio Art Center (Galería SPACE) en Guaynabo – Puerto Rico. Painter, sculptor and professor. In 1985 Tabales obtained  Bachelor in Science (biology and chemistry) from the University of Puerto Rico, where he also studied medical technology in 1987. He later completed a Bachelor in Fine Arts at the University of Puerto Rico, and in 1996 a mayor in painting from the Academia San Carlos (Escuela de Bellas Artes) at the Universidad Nacional Autónoma in Mexico City. In 1993 he won first prize at the third Young Artists Biennial sponsored by  Chase Manhattan Bank. Puerto Rico’s Chapter of the International Association of  Art Critics (AICAPR) has awarded him several prizes including the Public Monument prize in 1995 for his Juan Acha Meditation Chapel, Mexico City; The Private Monument Prize in 1996; Best Exhibition in his medium in 1998 and, Best Exhibition of 2006. He taught at the University of Puerto Rico and the Inter American University. He created the stained glass windows at the Museo de Arte de Puerto Rico, the Centro de Bellas Artes in Guaynabo and the Braulio Castillo Theater in Bayamón. In 1995 Tabales patented the glass oxide technique, which he uses in his work. The technique is the result of both technical and conceptual research that has also led him to become identified with a new vision of the Latin American fine arts developement. He is an Artist in Residence at the Universidad Central de Bayamón. Eric Tabales is represented exclusively by San Patricio Art Center (SPACE Gallery) in Guaynabo – Puerto Rico. Pintor, escultor y profesor. En 1985 obtuvo un bachillerato en biología y química de la Universidad de Puerto Rico, donde además estudió tecnología médica en 1987. Más tarde completó un bachillerato en artes plásticas en la Universidad de Puerto Rico y en 1996 una maestría en pintura en la Academia San Carlos, Universidad Autónoma de México. En 1993 recibió el primer premio en la III Bienal de Arte Jóven del Chase Manhattan Bank.La Asociación Internacional de Críticos de Arte, Capítulo de Puerto Rico, le ha otorgado varios premios: Mejor

Antaño Ángel Cora Antaño …o un registro histórico visual, la memoria figurativa marcada por la experiencia, individual o colectiva, de lo vivido; la comunicación con un pasado que persiste en la memoria para plantear como interrogante, el desafío a lo que aún no ha sido resuelto. Distinto al libro, el cuadro ofrece todo su discurso de un solo golpe. La vista, el ojo, enfrenta al cuadro en su totalidad desde la primera mirada. Una vez que se da ese encuentro entre el ojo y el cuadro, comienza a tener lugar una comunicación que nos remite a conceptos, relatos, pensamientos e imaginarios compartidos. El cuadro se convierte en lugar del diálogo: es, por un lado, el comentario que nos va haciendo el artista sobre el tema y por otro lado, el sentimiento como respuesta que nos provoca. La imagen, entonces, como decía Jean Paul Sartre, es un acto, no una cosa; Es la conciencia de una cosa. El planteamiento de Antaño no es tan solo una mirada a lo que se ha hecho, a lo que fue. Es, también, un acercamiento a algo que es y a lo que puede llegar a ser. Haga el juicio usted mientras observa. Otho Rosa Ángel L. Cora de Jesús (Arroyo, Puerto Rico, 1968). Pintor, dibujante e Ingeniero Civil. En 1993 obtuvo su bachillerato en la Universidad Politécnica de Puerto Rico. Posee además, un grado asociado en ciencias y tecnología electrónica del Instituto Tecnológico de Puerto Rico del Recinto de Guayama. Comenzó su desarrollo artístico como autodidacta en la década de los ‘80. Ha realizado exposiciones individuales: “Revelaciones más allá de lo evidente I”, 2012 en la Universidad Interamericana del Recinto de Guayama; “Revelaciones más allá de lo evidente II”, 2013 en la Compañía de Turismo de Puerto Rico, “…van en esa dirección, ¡deténganlos!” en el Museo Antigua Aduana en Arroyo, Puerto Ri-co y “Somos Puerto Rico” en el Hotel Caribe Hilton, ambas en el 2015. Ha exhibido en es-pacios colectivos a nivel local e internacional como: Museo Casa Escuté de Carolina, El Archivo General de Puerto Rico, La Biblioteca Municipal, Mariana Suárez de Longo del Muni-cipio Autónomo de Ponce, El Museo de Historia de Aguadilla, La Biblioteca, Adelina Coppin Alvarado de la Universidad de Puerto Rico en Ponce y la 5ta edición de La Bienal de Arte Latinoamericano del Bronx en Nueva York. Su obra comprende temáticas variadas en las que integra elementos arquitectónicos, paisajes, la figura humana, el retrato, entre otros. Las imágenes pictóricas de sus piezas están llenas de mensajes y simbolismos a través de lo figurativo donde manifiesta la realidad histórica, cultural y social de Puerto Rico.

Todo quema en la hora feroz Marcelino Puig Pastrana En esta exposición el artista nos muestra una serie de dibujos y cerámicas que transportan al observador a un imaginario primer contacto con el sentir de la tierra, un mundo de formas primigenias, surcos, fluidos, movimientos amorfos que muy bien relatan la danza constante de todo lo vivo. En la sala 4 se presenta la primera parte de la exposición, la serie titulada “Han sonado las horas dormidas” y en la sala 5 la serie, “Todo quema en la hora feroz”. Como buen intérprete de las artes teatrales, coreógrafo, artista gráfico, diseñador de producción y escenógrafo para cine y teatro, Marcelino Puig se lanza a las artes plásticas con la misma fuerza, con todo su ser y cuerpo. El primer soporte que escoge es el papel, el cual aprovecha en su máxima expresión, aplicando el carboncillo y el barro sobre su superficie. En la cerámica se muda a la tercera dimensión, la escultórica y logra capturar el movimiento siempre presente de la naturaleza. Marcelino Puig ha sido becario de la National Endowment for the Arts y entrenado como bailarín clásico y actor-mimo. Tras graduarse de Historia del Arte y de Bellas Artes de la Universidad de Fordham en el 2000, sigue desarrollando su obra en dibujo, pintura, gráfica y cerámica en la Universidad de Puerto Rico y el taller de cerámica Casa Candina, donde también es instructor y asistente de  taller respectivamente. Entre sus mentores están Zilia Sánchez, Toni Hambleton y Pablo Rubio.  Recientemente Puig ha recibido una mención de honor en el 39no Concurso de Cerámica Artística de Gualdo Tadino, Italia.

Más allá de María MÁS ALLÁ DE MARÍA es una iniciativa del Museo de Las Américas, auspiciada por la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades y la National Endowment for the Humanities, que surge ante la necesidad de documentar gráficamente escenas, reacciones, actitudes, vivencias y demás sentires del pueblo de Puerto Rico luego del paso del huracán María en 2017.    Esta muestra de cuarenta fotografías registra cómo quedaron las viviendas, los barrios, la flora. Evidencia, además, la creatividad, capacidad de improvisación y las nuevas actitudes de nuestra gente ante aquello que antes se daba por sentado: las comunicaciones, la adquisición de víveres, el acceso a agua potable y a gasolina, y la solidaridad entre vecinos, además del éxodo de niños y envejecientes, entre otras consecuencias sociales del fenómeno atmosférico. El entorno natural —e incluso urbano— cambió: el paisaje dejó de servir de referencia de ubicación. Muchas veces, al ir de un lugar a otro, se perdía la noción de dónde uno se encontraba, algo que antes, sin que tuviéramos completa conciencia de ello, nos brindaba la naturaleza. El huracán María nos dejó un país distinto. Ante ese nuevo panorama, hemos tenido que preguntarnos: ¿Qué vamos a hacer como pueblo? ¿Qué vamos a hacer para salir más fortalecidos y con un nuevo norte que nos permita enfrentar nuevas adversidades? María nos llevó como pueblo a tocar fondo en muchas vertientes. Debemos agradecer que nos quitó un velo innombrable y reconocer el verdadero rostro que nos permita demostrar que tenemos que organizarnos comunitariamente y contar con un plan y alternativas para cualquier tipo de emergencia provocada por la naturaleza. Debemos tener prisa y responder como ella misma lo ha estado haciendo, que ya nos comienza a develar un nuevo paisaje, unas nuevas referencias para saber dónde ubicarnos. La exposición itinerante abrió en el capitolio el 20 de septiembre de 2018. Próximamente se estarán anunciando las fechas y lugares donde se estará presentando. Muestra de imágenes