MEGAPIXEL ENCOUNTER IN D MAJOR “encuentro de dos musas” Esta exposición persigue establecer un diálogo entre un músico y su contrafigura en la plástica. El músico al ver las imágenes (arte digital y fotos) se siente atraído e identificado con ellas y se da a la tarea de componer piezas que contengan lo que ve y lo que siente al observarlas. Es impactante cómo al describir sus piezas el músico alude y expresa exactamente el mismo lenguaje al que hace referencia el artista, sin mediar palabra entre ellos. Así pues, son capaces de propiciar el intercambio y la fusión entre tiempos y espacios que de otra forma parecerían impensables. En las imágenes trabaja específicamente con esa falta de “característica concreta”. Pretenden ir más allá de la mera referencia a lo temporal. Llevándonos más al plano espiritual, abstraído, fluído y móvil, a una realidad estética de lo trascendental.La exposición consta de 15 obras digitales 30″ x 30″ , 1 obra 40″ x 40″ , 6 fotos 16″ x 20″ y la proyección de obras adicionales, acompañadas estas durante la apertura, por la música compuesta para ellas por Rafael Quiñones ( músico del conservatorio) e interpretada en vivo esa noche por músicos del Conservatorio de Música de Puerto Rico En exhibición hasta el 16 de noviembre de 2014.

El Retorno de los Aparecidos Hiram Montalvo Una exposición de pinturas sobre lienzo y sobre máscaras de cartapesta veneciana, o moldes de máscaras tradicionales del carnaval de Venecia. Los formatos de las máscaras adquieren sus nombres de acuerdo al área de origen, entre estas son las más comunes los antifaces o Colombinas, la misteriosa Bauta (que no tiene boca), las de prolongaciones o pico largo llamadas Zanny, el Casanova y otras. Pocos objetos son tan enigmáticos como una máscara. Tras ella nos escondemos, nos miramos de otra forma, asumimos otra identidad y puede que observemos al mundo desde otro prisma. La muestra se presentó por primera vez en el verano de 2013 en apoyo a un hermanamiento o gemellaggio entre San Juan y la ciudad de Oneglia en Imperia, Italia. Allí se tituló “Pequeños Aparecidos”. Títulos que aluden a la figuración onírica tan característica del artista aguadillano, Hiram Montalvo. En exhibición hasta el 18 de enero de 2015.

Al margen de la ley Pinturas del abogado y pintor Álvaro Calderón Humberto Figueroa, curador de esta exposición nos explica que, “se trata de unas doscientas obras que representan una vida dedicada al arte de la pintura a partir de los sesenta del siglo pasado y hasta hoy. La muestra revela por primera vez fuera del círculo íntimo la dedicación y compenetración del reconocido abogado con las disciplinas de la pintura sobre variados soportes. El despliegue comparte un recorrido desde la figuración que ilustra desde escenas del Viejo San Juan, detalles de paisajes y desembocando en la abstracción. Desde una apreciación de sus destrezas y conocimientos sobre el arte de la pintura apreciamos su exploración constante en variantes cromáticas matizadas a un desenvolvimiento en saturaciones intensas y vibrantes de color”.“Aunque, por más de medio siglo, mi vocación principal ha sido la abogacía, el Derecho, desde temprano en mi vida he tenido afición a la pintura, así como a otras expresiones del arte”, explica el artista, el Lcdo. Álvaro Caderón. “Álvaro Calderón, el licenciado, da paso a Álvaro Calderón el pintor después de operar en secreto familiar durante décadas impulsado por una pasión pictórica que desafía categorías y preceptos, de modo literal, al margen de la ley. Es en el ejercicio de esa libertad condicionada por la disciplina artística que el letrado se aventura en la imagen y da rienda suelta al color y la línea en alarde sonoro de emancipación. El pintor no reconoce ninguna atadura estilística ni temática y si su orientación lo guía de la figuración al camino de la abstracción lo hace de modo natural y orgánico como quien respira a veces de modo acompasado y otras cercano al grito de agonía o éxtasis.”, detalla Antonio Martorell, gestor del proyecto de exposición. En exhibición hasta el domingo 19 de octubre de 2014.

Ausubo Billy Ramírez Castellano El Museo de Las Américas se complace en presentar la exposición de esculturas titulada: Ausubo, del arquitecto Billy Ramírez Castellano. La exposición consta de 4 piezas utilitarias y 3 piezas escultóricas creadas a partir de desechos, producto de remodelaciones y restauraciones en edificios históricos del Viejo San Juan que el arquitecto Ramírez Castellano realiza. Estos “desechos” son en su mayoría del mismo material: madera de ausubo, elemento protagónico de la construcción de la época colonial en Puerto Rico. El ausubo es una madera muy dura y resistente a insectos y es nativa de las islas del Caribe y algunas zonas en Latinoamérica, fue utilizado por los colonizadores, mayormente para la creación de vigas estructurales en las edificaciones. También se utilizó para tornear balaustres, pasamanos, puertas, ventanas y pisos. El árbol de ausubo es de muy lento crecimiento: toma aproximadamente de 75 a 100 años en llegar a su madurez. Estas obras de Billy Ramírez han sido creadas con poca manipulación para apreciar su procedencia histórica. Desde esta perspectiva se pueden distinguir sus imperfecciones, huecos de los tarugos que unían el cabezal y el lateral de un antiguo marco de puerta, cortes y residuos de hierro de antiguos goznes capuchinos, capas de pintura, evidencia de rupturas abruptas y marcas de corte de sierra eléctrica. Alguna de la madera rescatada proviene de edificios que datan de los años 1700 y las piezas están constituidas de un 75% a 95% por material antiguo. La exposición inaugura el jueves, 21 de agosto de 2004.

AMERICAN SABOR Latinos en la Música Popular de Estados Unidos El Museo de Las Américas se ha unido al  Smithsonian Institution y a la Ford Motor Company Fund para traer a Puerto Rico la exposición American Sabor: Latinos en la Música Popular de Estados Unidos. Esta exhibición presenta la contribución de los latinos en Estados Unidos a la música desde el 1940 hasta el presente. American Sabor cuenta con 2,500 pies cuadrados, divididos en cinco secciones.  Parte de la colección incluye dos cortometrajes que relatan, el primero, la historia bailable en Nueva York con ritmos como el mambo y estrellas como Tito Puente y Tito Rodríguez y el segundo, un colectivo de entrevistas con estrellas de la escena musical latina como Johnny Pacheco, Willie Colón y Carlos Santana.  Cuenta también con recorridos por estaciones musicales que permiten escuchar distintos artistas y géneros, así como comentarios de expertos que identifican elementos particulares.  Una de las áreas se ha convertido en un espacio bailable en donde los visitantes pueden utilizar una vellonera para seleccionar la música de su predilección. Esta exposición le permite además al Museo mostrar otra dimensión de la música popular, la contribución puertorriqueña, a través de la exhibición simultánea De Barrio Obrero a la 15…un paso es  la cual muestra el desarrollo de la salsa en el barrio como un medio de expresión para la comunidad.  La introducción fue realizada por el reconocido sociólogo y experto en música popular, el profesor Ángel Quintero, mientras que el artista urbano David Zayas preparó un mural donde muestra los orígenes y desarrollo de la salsa en el área de Santurce.  La muestra estará ubicada en una sala adyacente a la de American Sabor.   De Barrio Obrero a la 15…un paso es, pretende ligar la voz de la comunidad a American Sabor, al igual que destacar la escena musical de Puerto Rico, la contribución de nuestros artistas y unirla a la experiencia de la exposición mientras permanezca en la Isla. La exposición se presentará en la sala 3 del Museo de Las Américas, a partir del viernes, 11 de abril hasta el domingo, 6 de julio. Programa de actividades

Fashion Art – Art Exhibition By Manuel Fernández Fashion Art cumple diez años recorriendo diversas partes del mundo y este aniversario lo celebra en Puerto Rico con la participación de diez grandes artistas puertorriqueños: Antonio Martorell, Rafael Trelles, Sebastián Vallejo, Rafael Rivera Rosa, Marlene Hernández Casillas, Cacheila Soto, Joshua Santos Rivera “Ismo”, David Zayas, Nelson Figueroa y Bernardo Medina, quienes plasmaron sus obras en los vestidos únicos del diseñador Manuel Fernández, tras un proceso de trabajo en conjunto en donde combinaron sus talentos para crear vestidos que constituyen auténticas obra de arte.    María A. López Vilella, directora ejecutiva del museo comenta:  “El Museo de Las Américas se honra en presentar la exposición Fashion Art, fusión de moda y arte que permite a 10 de nuestros grandes artistas puertorriqueños plasmar sus obras en los vestidos diseñados por Manuel Fernández. Este proyecto además nos ha brindado la oportunidad de reforzar importantes alianzas de colaboración con instituciones educativas como la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico y la Universidad del Turabo”.    “Me siento muy afortunado por la aventura vital y crecimiento profesional que me ha dado Fashion Art en estos diez años de trayectoria. Después de casi 30 años en el mundo de la moda y tras haber desfilado en pasarelas nacionales e internacionales, con el paso del tiempo he comprendido que mi gran logro en todos estos años de profesión ha sido la confianza que me otorgan todos los artistas que plasman su obra sobre mis diseños; confianza en la que sigo trabajando a diario”, expresó Manuel Fernández, quien ha presentado colecciones en las pasarelas de la Semana de la Moda en Nueva York, Cibeles en Madrid y Gaudí en Barcelona. Como preámbulo a la inauguración de la exposición, Plaza Las Américas exhibió en sus pasillos una muestra de algunos de los vestidos que han sido expuestos previamente en otras ciudades como parte de esta colección. El proyecto de Fashion Art es presentado por el Museo de Las Américas en colaboración con la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico y la Universidad del Turabo. La Escuela de Artes Plásticas y sus estudiantes han tenido a su cargo gran parte de la preparación de la exhibición, desde el diseño de los maniquíes hasta parte de la confección de los vestidos. Han trabajado además en los artes que acompañarán las piezas durante la exposición y el montaje de la misma. “Nos entusiasma enormemente apoyar este tipo de alianzas entre museo, artistas plásticos, diseñador y academia en donde nuestros estudiantes pueden participar activamente en el proceso creativo interdisciplinario y adquirir experiencias enriquecedoras para sus carreras”, mencionó su rectora, la arquitecta Ivonne María Marcial. Por su parte, el Programa de Diseño de Modas de la Escuela Internacional de Diseño y Arquitectura (EIDA) de la Universidad del Turabo, dirigida por la Arq. Aurorisa Mateo, colaboró con la realización de varios de los vestidos.  “Fashion Art ha demostrado una vez más que en el diseño pueden convivir tradición y tecnología: si, por un lado, las piezas encargadas a la EIDA han sido confeccionadas según los más altos estándares del Alta Costura, es cierto también que ha habido espacio para el diseño digital tridimensional y el corte en láser”, explica el coordinador del Programa, profesor Cristiano Carciani. Esta exposición ha recorrido 20 museos y ha contado con la participación de 180 artistas destacados, muchos de ellos a nivel internacional como Manolo Valdés y Eduardo Úrculo, entre otros. “Fashion Art  presenta una oportunidad única para que el trabajo y talento de nuestros artistas locales sea apreciado alrededor del mundo, al integrarse a una exhibición que está en construcción, crecimiento y evolución constante, ya que se nutre del talento artístico de cada país que visita.  Durante su estancia en la Isla se perfila además como una ocasión de expandir la oferta de turismo cultural para nuestros visitantes”,  indicó Ingrid Rivera Rocafort, directora ejecutiva de la Compañía de Turismo de Puerto Rico. La exposición será exhibida desde el viernes, 28 de febrero hasta el domingo, 25 de mayo de 2014, en la Sala 2 del Museo de Las Américas. Durante ese periodo se ofrecerán diversos talleres de capacitación en arte y diseño de modas en los que se trabajará con colectivos en riesgo de exclusión social a través de la fundación Fashion Art Institute. Fashion Art ha sido posible gracias a la colaboración y patrocinio de: Escuela de Artes Plásticas, Universidad del Turabo, Plaza Las Américas, Santander Puerto Rico, ACE Insurance, Goya, Compañía de Turismo de Puerto Rico, Consulado General de España, Bella International, El Nuevo Día, Casa Cortés y La Bodega de Méndez. En exhibición hasta el 25 de mayo de 2014.

La muerte tiene permiso José Guadalupe Posada José Guadalupe Posada nació el 2 de febrero de 1852, en el barrio del Encino de la ciudad de Aguascalientes. Después de aprender a leer y escribir con su hermano, Posada ingresó a la Academia Municipal de Dibujo de Aguascalientes. Posteriormente, en 1868, entró como aprendiz en el taller litográfico de Trinidad Pedroza. Algunas de sus primeras caricaturas de crítica política fueron publicadas en El Jicote, periódico de oposición al gobierno de Jesús Gómez Portugal. Comenzó su carrera haciendo dibujos, copiando imágenes religiosas y como ayudante de un taller de cerámica. En 1872, Posada y Pedroza deciden instalarse en León, Guanajuato, donde ambos se dedicaron a la litografía comercial. En León, Posada abrió su propio taller y trabajó como maestro de litografía en la Escuela de Instrucción Secundaria, asimismo, realizó litografías y grabados en madera que ilustraban cajetillas de cerillos, documentos y libros. En 1873 regresó a Aguascalientes; al año siguiente le compró la imprenta a Trinidad Pedroza. De 1875 a 1888 continuó colaborando para varios periódicos de León, entre ellos La Gacetilla, El Pueblo Caótico y La Educación. Logró sobrevivir a la fuerte inundación de León ocurrida el 18 de junio de 1888, publicó varias litografías que representan la tragedia en la cual se hallaron más de doscientos cincuenta cadáveres y se reportaron más de mil cuatrocientas personas desaparecidas. A finales de 1888 se trasladó a la Ciudad de México, en donde aprendió el oficio de técnicas de grabado en plomo y zinc. Colaboró para el periódico La Patria Ilustrada y la Revista de México hasta los primeros meses de 1890. Comenzó a trabajar con Antonio Vanegas Arroyo, hasta que pudo establecer su propio taller litográfico. A partir de entonces Posada emprendió un trabajo que le valió la aceptación y admiración popular, por su sentido del humor, propensión a lo dramático y calidad plástica. En su obra, amplia y variada, Posada retrató las creencias y formas de vida cotidiana de los grupos populares, criticando los abusos del gobierno y la explotación del pueblo. Además, ilustró las famosas calaveras, versos alusivos a la muerte que junto con sus demás ilustraciones, se distribuían en periódicos y hojas sueltas. En 1893 colaboró de manera irregular para el periódico Gil Blas el cual estaba dirigido a la clase pobre del pueblo y de tinte anti porfirista. En exhibición hasta el 16 de febero de 2014. ACD Systems Digital Imaging a

De Pie Daniel Lind-Ramos En primera persona plural En el intento de crear en mis pinturas un mito  fundacionaldonde se plasman los albores de la fragua de identidad puertorriqueña, encontré en la luminosidad particular de mis óleos el elemento unificador de lo diverso. En este sistema, para lograr el equilibrio, todos los matices cromáticos tienen importancia en el cuadro: desde la pincelada más pequeña hasta la aplicación pigmentaria más ambiciosa, cada elemento compositivo articula y participa, desde su especifidad, de la totalidad de la imagen. En Puerto Rico, la diversidad racial (sin mencionar las consecuencias socioeconómicas que ésta acarrea), es una de las causas que afecta, como en tantas otras regiones del mundo, nuestra convivencia. El legado ideológico de la esclavitud, aflora como un resabio negativo en el comportamiento colectivo. Este, entre otras razones, es producto de la ignorancia, del desconocimiento de la historia que nos ha formado como pueblo. Por esto la intención de las imágenes de mis pinturas es crear el relato en el cual se forjó nuestra identidad. En esta narrativa los personajes, que emergen de la luz con poses y gestos ritualistas, buscan un equilibrio aproximado que permita conseguir la convivencia armónica tan evasiva en la realidad. Mi aspiración ha sido crear una “utopía de la luz”. La luminosidad pretende provocar una reflexión sobre la posibilidad de belleza que puede haber, tanto en el arte como en la vida misma, en la armonía de las diferencias. Así procuro un mejor entendimiento de lo que a pesar de todo somos: puertorriqueños de color (es)…oscuros, como sucede cuando mezclamos todos los pigmentos de la rueda, o claros , como cuando unimos todos los rayos primarios de la luz. Otras urgencias, producto de la particular situación actual isleña, (que tienen sus tangencias, como en otros países, con las consecuencias de la globalización) me han llevado a experimentar, desde principios de los años noventa, con el “arte objetual”usando el ensamblaje como medio de expresión. En Puerto Rico, como en muchas otras partes del mundo, comunidades tradicionales de escasos recursos económicos y sin protección legal alguna, están expuestas al riesgo de desaparecer debido a la construcción desmedida de urbanizaciones, hoteles, condominios y centros comerciales. Estos sectores, por su ubicación estratégica cerca de bellas playas o situadas en importantes cascos urbanos son apetecidos por desarrolladores que, indiferentes a la aportación cultural de estos comunidades, utilizan cualquier recurso para desplazarlas. No obstante, los vecinos de estos lugares se han organizado y han dado la  lucha para permanecer en sus sitios ancestrales. Mis ensamblajes constituyen un homenaje a estos sectores cuyas expresiones son parte fundamental de la puertorriqueñidad. En Loíza, por ejemplo, barrios como Tocones y Colobo desarrollaron una economía alrededor de las palmas de coco, y esa actividad produjo a su vez una cultura (culinaria y artesanal) relacionada cuyos productos son una parte importante del perfil de la cultura puertorriqueña que se propaga por el orbe. Así que en estas obras, los grandes calderos y las ollas, los oscuros burenes, los ásperos guayos, y las estacas para mondar cocos con su punta de metal afilado, así como las obras inspiradasen las vitrinas que abundan en los kioskos de los litorales antillanos son elementos  primordiales que, como testigos silentes pero visualmente elocuentes, nos hablan de una actividad ancestral que  aunque vigente,  todavía sostiene económicamente a familias enteras. En que estos y otros objetos (serruchos, azadas, machetes, etc.), con superficies desgastadas por el uso, se lee la actividad de las trabajadoras y los trabajadores que los utilizaron. Las ambiguas presencias que proyectan las pencas de las palmas dentro del conjunto, son índices del entorno playero y de la militancia ecológica, que  plantea, con presencia y protagonismo, la memoria de la estirpe puertorriqueña que  segura de lo que es y  sabiendose  claramente dónde está,  celebra y lucha por su espacio vital, sin claudicar ante la adversidad. La identidad puertorriqueña se forja día a día en todos los sectores de nuestra sociedad. Cada uno aporta su respuesta a la experiencia del vivir, sea en la ínsula o en la diáspora. Intentar privilegiar las aportaciones de unas instancias sobre otras, sería discriminar y, por cosecuencia, invisibilizar y anular las posibles contribuciones a nuestro intento de mejorar como seres humanos. En mis ensamblajes y dibujos al carbón sobre camvas, cantarle a la gesta comunitaria, no es únicamente una manera feliz de insertarme y sintonizarme con ciertas expresiones paralelas del arte contemporáneo global, que  proponen lo local y lo diferenciado como fuentes primarias de inspiración y de contenido. También es una forma de visibilizar, mediante el símbolo, vivencias específicas que en muchos casos son descartadas por las agendas que institucionalizan los intereses políticos, económicos y religiosos del dirigismo cultural de turno. Homenajear a la comunidad a través de la presentación de los vestigios materiales que la representan, es valorar el aporte de la microhistoria y a la vez sugerir lo autobiográfico como parte fundamental de las estrategias de un programa expresivo que intenta crear, desde lo particular y lo específico, una estética que, como una misa incluyente y totalizante, refleje desde la lectura polisémica de sus significados, a la humanidad entera. Daniel Lind Ramos En exhibición hasta el 2 de febero de 2014.

La bomba que yo conozco Enrique R. Cabrera Serrano El Museo de Las Américas se complace en presentar la exposición titulada: La bomba que yo conozco, del artista Enrique R. Cabrera Serrano. Cabrera Serrano, nació en Nueva York, de padres puertorriqueños. Inició sus estudios en las artes en la Escuela de Artes Visuales de Ponce. En su adultez, se traslada a la ciudad de Boston en donde hace un taller de serigrafía en telas en el estado de Massachusetts y luego se traslada a Miami en el estado de la Florida y estudia tecnología del entretenimiento, montaje y diseño de escenografía en el Miami Dade North Campus. En la misma Universidad pasó a ser el primer artista puertorriqueño residente en el teatro Leeham. De la exposición que hoy se presenta en el Museo de Las Américas, el artista nos comenta: “En esta exposición trato de trasmitir el encanto, fuerza y magia de nuestros ritmos folclóricos a través del canvas y medio mixto. Recuerdo el resonar de los ritmos en mi infancia como una encantadora fuerza motivadora que llegaba hasta los huesos, por los relatos de mi padre y bisabuela Doña Juana Venceslá bailadora de bomba y danza. En ella se basó mi mayor inspiración para la creación de esta obra”. Sirvió de modelo a su inspiracion, la profesora de bomba y plena Gilda Hernández. En exhibición hasta el 19 de enero de 2014.

Morfopsicoanalogía Cacheila Soto González El Museo de Las Américas tiene el placer de presentarle al público la esperada exhibición individual titulada Morfopsicoanalogía de la artista Cacheila Soto González, obras recientes e inéditas 2008-2013. La apertura se llevará a cabo el jueves 19 de septiembre a las seis de la tarde en la sala 2 del segundo nivel. La muestra se compone de dieciséis obras en gran formato cuyo medio predominante es el acrílico y medios mixtos sobre lienzo. La serie de obras proyecta un análisis interpretativo, según el punto de vista de la artista, sobre la sexualidad femenina.   La artista revela en las pinturas, la mujer contemporánea como una orgánica, instintiva, espontánea y natural que busca satisfacer sus necesidades básicas a niveles físicos y psicológicos mediante un acto sexual. “Para algunos podría catalogarse sobrenatural pero dichas conductas han estado sucediendo desde la existencia humana”, exclama la artista. Esta vez, la artista mostrará en las obras, el amplio conocimiento pictórico y la inclusión de técnicas y medios que enriquecen su conocido estilo. Mediante la búsqueda y la exploración del tema, la artista Cacheila Soto logra capturar en los lienzos, las características que forman parte de los elementos compositivos de la figuración femenina. Plasmando formas coloridas y contornos oscuros que hacen formaciones a través de una vasta gama de colores permitiendo la manifestación de la esencia del alma y la actividad mental del género. Denota una constante relación y semejanza entre las obras y entre los procesos naturales y distintivas de la sexualidad femenina; el proceso obtenido previo, mediante, durante y luego del éxtasis.   Se sugiere un público mayor de dieciocho años de edad. Habrá recorridos guiados, conversatorios con panelistas invitados que presentaran sus interpretaciones y los distintos puntos históricos sobre los temas que se tocan en  Morfopsicoanalogía. En exhibición hasta el 20 de enero de 2014.