Death Has Permission José Guadalupe Posada José Guadalupe Posada was born on February 2, 1852, in the Encino neighborhood of Aguascalientes. After learning to read and write with his brother, Posada entered the Municipal Academy of Drawing in Aguascalientes. Later, in 1868, he became an apprentice in the lithographic workshop of Trinidad Pedroza. Some of his first politically critical cartoons were published in El Jicote, a newspaper opposed to the government of Jesús Gómez Portugal. He began his career making drawings, copying religious images, and working as an assistant in a ceramics workshop. In 1872, Posada and Pedroza decided to settle in León, Guanajuato, where they both dedicated themselves to commercial lithography. In León, Posada opened his own workshop and worked as a lithography teacher at the Secondary School. He also created lithographs and woodcuts that illustrated matchboxes, documents, and books. In 1873, he returned to Aguascalientes; the following year, he purchased the printing press from Trinidad Pedroza. From 1875 to 1888, he continued to collaborate for several newspapers in León, including La Gacetilla, El Pueblo Caótico, and La Educación. He managed to survive the severe flooding in León on June 18, 1888, and published several lithographs depicting the tragedy, in which more than 250 bodies were found and more than 1,400 people were reported missing. At the end of 1888, he moved to Mexico City, where he learned lead and zinc engraving techniques. He collaborated for the newspaper La Patria Ilustrada and the Revista de México until the early months of 1890. He began working with Antonio Vanegas Arroyo, until he was able to establish his own lithographic workshop. From then on, Posada embarked on a career that earned him popular acceptance and admiration for his sense of humor, flair for the dramatic, and artistic quality. In his wide-ranging and varied work, Posada portrayed the beliefs and daily lifestyles of popular groups, criticizing government abuses and the exploitation of the people. He also illustrated the famous "calaveras" (skulls), verses alluding to death that, along with his other illustrations, were distributed in newspapers and broadsides. In 1893, he collaborated irregularly with the newspaper Gil Blas, which was aimed at the working class and had an anti-Porfirian bent. On display until February 16, 2014. ACD Systems Digital Imaging a

Standing Daniel Lind-Ramos In the first person plural In my attempt to create in my paintings a founding myth that captures the dawn of the forging of Puerto Rican identity, I found in the particular luminosity of my oil paintings the unifying element of diversity. In this system, to achieve balance, all chromatic nuances have importance in the painting: from the smallest brushstroke to the most ambitious application of pigment, each compositional element articulates and participates, from its specificity, in the totality of the image. In Puerto Rico, racial diversity (not to mention the socioeconomic consequences it entails) is one of the causes that affects, as in so many other regions of the world, our coexistence. The ideological legacy of slavery surfaces as a negative aftertaste in collective behavior. This, among other reasons, is a product of ignorance, of the lack of knowledge of the history that has shaped us as a people. For this reason, the intention of the images in my paintings is to create the story in which our identity was forged. In this narrative, the characters, who emerge from the light with ritualistic poses and gestures, seek an approximate balance that allows for the harmonious coexistence so elusive in reality. My aspiration has been to create a "utopia of light." Luminosity aims to provoke reflection on the possibility of beauty that can exist, both in art and in life itself, in the harmony of differences. In this way, I seek a better understanding of what we are, despite everything: Puerto Ricans of color... dark, as happens when we mix all the pigments on the wheel, or light, as when we unite all the primary rays of light. Other urgent needs, a product of the current particular situation on the island (which have their tangencies, as in other countries, with the consequences of globalization) have led me to experiment, since the early 1990s, with "object art," using assemblage as a means of expression. In Puerto Rico, as in many other parts of the world, traditional communities with limited economic resources and no legal protection are at risk of disappearing due to the excessive construction of housing developments, hotels, condominiums, and shopping malls. These areas, due to their strategic location near beautiful beaches or in major urban centers, are coveted by developers who, indifferent to the cultural contribution of these communities, use any means to displace them. However, the residents of these places have organized and fought to remain in their ancestral sites. My assemblages are a tribute to these communities, whose expressions are a fundamental part of Puerto Rican identity. In Loíza, for example, neighborhoods like Tocones and Colobo developed an economy around coconut palms, and this activity, in turn, produced a related culture (culinary and artisanal), whose products are an important part of the Puerto Rican cultural profile that spreads throughout the world. Thus, in these works, the large cauldrons and pots, the dark burenes, the rough guayos, and the coconut-peeling stakes with their sharp metal points, as well as the works inspired by the display cases that abound in kiosks along the Antillean coasts, are essential elements that, like silent but visually eloquent witnesses, speak to an ancestral activity that, although still prevalent, still economically supports entire families. These and other objects (saws, hoes, machetes, etc.), with surfaces worn by use, convey the work of the workers who used them. The ambiguous presences projected by the palm fronds within the ensemble are indicators of the beach environment and of the ecological activism that raises, with presence and prominence, the memory of the Puerto Rican lineage who, confident in what they are and knowing clearly where they are, celebrate and fight for their vital space, without giving in to adversity. Puerto Rican identity is forged daily in all sectors of our society. Each person contributes their own response to the experience of living, whether on the island or in the diaspora. Attempting to privilege the contributions of some sectors over others would be discriminatory and, consequently, render invisible and nullify potential contributions to our attempt to improve as human beings. In my assemblages and charcoal drawings on canvas, praising the community's struggle is not only a successful way to integrate and connect with certain parallel expressions of global contemporary art, which propose the local and the differentiated as primary sources of inspiration and content. It is also a way of making visible, through symbols, specific experiences that are often dismissed by the agendas institutionalized by the political, economic, and religious interests of the current cultural establishment. Paying homage to the community through the presentation of the material remains that represent it, is to value the contribution of microhistory and at the same time suggest the autobiographical as a fundamental part of the strategies of an expressive program that attempts to create, from the particular and the specific, an aesthetic that, like an inclusive and totalizing mass, reflects, from the polysemic reading of its meanings, the entire humanity. Daniel Lind Ramos On display until February 2, 2014.

The Bomb I Know Enrique R. Cabrera Serrano The Museo de Las Américas is pleased to present the exhibition entitled: The Bomb I Know, by the artist Enrique R. Cabrera Serrano. Cabrera Serrano was born in New York to Puerto Rican parents. He began his studies in the arts at the School of Visual Arts in Ponce. As an adult, he moved to Boston, where he took a silkscreen printing workshop in Massachusetts. Later, he moved to Miami, Florida, and studied entertainment technology, staging, and set design at the Miami Dade North Campus. While at the same university, he became the first Puerto Rican artist in residence at the Leeham Theater. Regarding the exhibition being presented today at the Museo de Las Américas, the artist comments: “In this exhibition, I try to convey the charm, strength, and magic of our folk rhythms through canvas and mixed media. I remember the resonant rhythms of my childhood as a charming motivating force that reached my very bones, from the stories told by my father and great-grandmother Doña Juana Venceslá, a bomba and plena dancer. My greatest inspiration for the creation of this work was hers.” His inspiration, bomba and plena teacher Gilda Hernández, served as his model. On display until January 19, 2014.

Morphopsychoanalogy Cacheila Soto González The Museo de Las Américas is pleased to present the highly anticipated solo exhibition titled Morphopsychoanalogy by artist Cacheila Soto González, featuring recent and previously unpublished works from 2008-2013. The opening will take place on Thursday, September 19th at six in the evening in Room 2 on the second level. The exhibition consists of sixteen large-format works predominantly painted in acrylic and mixed media on canvas. The series of works projects an interpretive analysis, from the artist's perspective, of female sexuality. In her paintings, the artist reveals contemporary women as organic, instinctive, spontaneous, and natural, seeking to satisfy their basic physical and psychological needs through sexual intercourse. "Some might classify it as supernatural, but such behaviors have been occurring since human existence," the artist exclaims. This time, the artist will showcase in her works her extensive pictorial knowledge and the inclusion of techniques and media that enrich her well-known style. Through her research and exploration of the subject, artist Cacheila Soto captures on canvas the characteristics that comprise the compositional elements of female representation. She captures colorful shapes and dark contours that form formations across a vast array of colors, allowing for the manifestation of the essence of the soul and the mental activity of the gender. She denotes a constant relationship and similarity between the works and between the natural and distinctive processes of female sexuality: the process achieved before, during, during, and after ecstasy. The suggested audience is eighteen years of age or older. Guided tours and discussions with guest panelists will present their interpretations and various historical insights into the themes addressed in Morphopsychoanalogy. On display until January 20, 2014.

BALCONIES Félix Cordero Puerto Rican artist Félix Cordero will be presenting a collection of his most recent paintings at the Museo de las Américas: Balconies. Balconies is a series of paintings that Félix Cordero has created in recent years, of which critic Manuel Álvarez Lezama has expressed: “Both his balconies and his landscapes (realistic or dreamlike) reveal a painter in total mastery of composition and color, like a poet who seeks to make us see and enjoy the path, this path, our path. His recent landscapes, those he has created in the new century, engage in a one-on-one dialogue with those of the best landscape artists—our own, those of Latin America, and those of Europe—and reveal an admirable love for our land and for our blessings as a people.” Félix Cordero has exhibited widely in the United States and Puerto Rico. On display until November 3, 2013.

Dos Medios, Múltiples Interpretaciones Linda Maldonado y Víctor Rodríguez LINDA MALDONADONace en Ponce, Puerto Rico y reside hasta la adolescencia en los Estados Unidos. Amante del arte desde pequeña, era su padre el que le daba papel en blanco en vez de libros de pintar, por que le decía que era mejor que ella creara en vez de llenar en espacios ya dados. Comienza a pintar sobre lienzo pero, al no quedar satisfecha, experimenta pintando sobre vidrio y ahí comienza su amor con este medio. Buscando otros retos decide hacer mosaicos. Al principio no toma clases, busca información, libros y todo lo que pudiera encaminarla. Todo esto lo hacía mientras era profesora de historia de Puerto Rico, que fue su otra pasión por 28 años. Más tarde toma clases de vitral y vidrio fundido en la Escuela de Artes Plásticas, en San Juan. Actualmente se dedica a tiempo completo a su pasión artesanal. En los últimos años ha estado fundiendo botellas de vidrio y cervezas e incorporando a sus obras , a modo de reciclaje,  materiales que otros desechan. VICTOR A. RODRÍGUEZ Nació el 12 de junio de 1953, en la ciudad de San Juan, Puerto Rico. Desde su infancia demostró interés por lo que sería su pasión, el arte y la aventura. Le llamó la atención hacer juguetes de madera y dibujar personajes de tirillas cómicas. Aprendió las técnicas de vidrio fundido y mosaico, las cuales luego incorpora en sus trabajos sobre madera.. Se certifica como artesano en Fomento y trabaja máscaras de higuera, vidrio fundido, mosaico, tallas y juguetes. Se inscribe también en el listado de artesanos del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Desarrolla su arte en la talla autodidácticamente, pero con la guía y consejos de maestros artesanos como: Agustín Carrero, Jorge A. Romero, Iván Soto, Félix Martínez, entre otros. Sus tallas  reflejan un estilo ingenuo, autóctono y con mucha personalidad. Los juguetes los realiza en evocación a los gratos recuerdos de su infancia. Durante su carrera ha participado en varios certámenes y ferias artesanales. En exhibición hasta el 15 de septiembre de 2013.

Piedras de Hilo Ramón López El Museo de Las Américas se complace en invitar al público en general, a la exposición de Ramón López  quien presentará su más reciente colección de tapices titulada, Piedras de hilo. Piedras de hilo es una serie de figuraciones obtenidas en trances chamánicos integradas a la estética del arte rupestre pero realizadas en medio textil. En estos tapices Ramón López ejerce su pertenencia a la comunidad histórica de las artes chamánicas y lleva a una estremecedora plenitud su vocación de colorista visionario.  Predominan en la colección las imágenes de chamanes representados como estructuras óseas rodeadas de geometrías lumínicas que corresponden a la experiencia transcultural del trance alucinante. El resultado vital de este proceso creativo es la sanación trascendente-lograda mediante la construcción de tapices como objetos sagrados- y a la vez la intensidad autónoma de la emoción estética en accesible comunicación. El carácter espiritual del oficio tejedor de Ramón López aporta el misterio del gozo sensorial y mental que produce la exposición Piedras de hilo articulada en movimientos de solidaridad comunitaria. En exhibición hasta el 1ro. de septiembre de 2013. Catálogo de la exhibición

Oósferas Marisol Gómez Mouakad El Museo de Las Américas se complace en presentar la exposición de la artista y directora de cine Marisol Gómez Mouakad titulada: Oósferas. La exposición consiste en un fascinante concepto orgánico de más de un centenar de piezas de papier-maché que ha creado Marisol Gómez durante los últimos cinco años. Las interesantes piezas bidimensionales y tridimensionales comunican hermosas metáforas de un mundo orgánico, donde se conjugan de manera espléndida líneas, formas, volúmenes y colores, entre otros elementos. La artista es egresada de The New School y esta es su segunda exposición individual en Puerto Rico. La admirable autenticidad del trabajo que nos presenta es la expresión impresionante del origen de la naturaleza en su marco más macro.El evento provoca una navegación por tres secciones, comenzando por la representación bidimensional de las Oósferas, pasando a las Oósferas tridimensionales hasta culminar en una instalación de cerca de 100 piezas de papier-maché. Marisol Gómez, artista puertorriqueña es una talentosa directora y productora de cine que incursionó en el mundo del arte desde que cursaba estudios en Boston, Massachusetts. Sus medios y disciplinas exploran lo no explorado y se caracterizan por su autenticidad. En exhibición hasta el 30 de junio de 2013. Catálogo de la exhibición

Basura – Nick Quijano La basura se convierte en arte en las manos de Nick Quijano Con más de cien obras —entre las que se encuentran esculturas, instalaciones, “arquefactos”, fotografías y la presentación de un documental—, el polifacético artista Nick Quijano presenta su más reciente trabajo creativo, BASURA, en el Museo de Las Américas. BASURA recoge la labor de más de 30 años de Quijano rescatando objetos urbanos desechados para transformarlos en arte, lo que convierte esta nueva presentación del reconocido artista en una exposición antológica de uno de los asuntos que más le apasiona. “Esta exposición”, ha dicho el artista, “es una reflexión del impacto del ser humano sobre el planeta y una celebración del arte como testimonio de ello. De ahí que este proyecto vaya acompañado de un ciclo de 8 conferencias con la participación de humanistas, artistas, escritores y ecologistas para analizar el tema”. Desde 1981, Quijano ha visitado la playa de Cascajo en la barriada La Perla del Viejo San Juan para recoger los objetos descartados que allí deposita el mar. Con esos materiales, que varían en forma, tamaño, textura y color, el artista ha conformado un asombroso repertorio de obras de arte que incluye esculturas, ensamblajes, maquetas, relieves, paisajes, retratos, instalaciones y “artefactografías” (fotografías realizadas con estos objetos). “Los materiales que he estado usando han adquirido cualidades extrañas, únicas y asombrosas por obra del ser humano y de las fuerzas de la naturaleza. En esta exposición los visitantes se enfrentarán a su propia vida cotidiana al reconocer en los materiales que uso algo que fue parte importante de sus vidas y sobre los cuales, quizás, se cuestionarán por qué los han descartado”, recalcó el artista. Por su parte, el crítico de arte Rafael Jackson-Martin ha dicho de esta muestra que Quijano “nos revela algo que la sociedad prefiere mantener oculto, acumulado en vertederos suburbanos o enterrado en las entrañas del mar donde fueron a parar. Esta reaparición estelar de la basura sirve para ofrecerle al autor una vía de escape a la crisis del progreso en nuestra civilización (post)industrial: si el consumo de la mercancía niega el futuro en un presente inoperante, Quijano ofrece la basura como una vía de reactivación de dicho futuro por obra y gracia del reciclaje”. La noche de la apertura se presentará el documental Basura: (así, con dos puntos) realizado por el reconocido cineasta Roberto “Tito” Otero. La exposición estará en la Sala 2 del Museo de las Américas hasta el 24 de febrero de 2013. El calendario de conferencias y foros se extenderá desde diciembre hasta ese mes del próximo año. En exhibición hasta el 28 de julio de 2013.

A tres bandas Mestizaje, sincretismo e hibridación en el espacio sonoro hispanoamericano (s. XVI-s. XX) El Museo de Las Américas de San Juan de Puerto Rico, el Consulado General de España en Puerto Rico y Acción Cultural Española (AC/E)  han organizado la exposición A tres bandas. Mestizaje, sincretismo e hibridación en el espacio sonoro hispanoamericano (s. XVI-s. XX), que ofrece una mirada visual y sonora de las raíces culturales indígenas, hispánicas y africanas de la música latinoamericana a través de materiales audiovisuales e instrumentos de las tres culturas y sus mezclas. Esta exposición, curada por Albert Recasens y patrocinada por la Fundación Abertis y Santander Puerto Rico, está articulada como una narración material, sonora y visual del mestizaje musical presente en Latinoamérica desde el siglo XVI hasta la actualidad y da fe de la enorme riqueza que ha generado esta convergencia interétnica. La peculiaridad del montaje deA tres bandas -que llega a Puerto Rico, tras su paso por Colombia, Guatemala, España, El Salvador, Nicaragua y Honduras- es que gira en torno a la música y se apoya en elementos visuales y escenográficos que la enmarcan, la sugieren o emanan de ella. El objetivo ha sido crear una exposición atractiva y participativa, en la que el público sea el verdadero protagonista. De este modo, la confluencia de varias disciplinas como la música, la escenografía o el diseño hacen de A tres bandas una propuesta expositiva innovadora que ha contado con la dirección creativa de Natalia Menéndez y el proyecto museográfico de Enrique Bordes.A tres bandas está concebida a partir de dos ejes fundamentales: el primero, de orden teórico, consiste en el reconocimiento histórico de las razas, creencias y fusiones de elementos tradicionales y modernos ocurridas en la convergencia de las culturas amerindia, africana y europea; y el segundo, de orden práctico, consiste en la utilización de tres elementos fundamentales como son las ciudades, los instrumentos y las prácticas sociales de la música que explican dónde, cómo y por qué se desarrolló la música en esta región transnacional. La exposición ofrece una muestra de la extraordinaria diversidad cultural de Iberoamérica, que ha sido reconocida desde siempre por la fuerza creadora de su música. Su territorio está gobernado por un proceso de mestizaje, sincretismo e hibridación que genera tensiones y distensiones pero que, sobre todo, crea identidades multiculturales que revelan un pasado, un presente y un futuro comunes. En exhibición hasta el 14 de julio de 2013.