Who desecrated the Georgetti Mansion? Versión Español The exhibition «Who desecrated the Georgetti Mansion?» by Eddie Ferraioli is dedicated to the Georgetti Mansion, designed by Czechoslovakian architect Antonin Nechodoma (1877-1928), and honors its memory. The theme of this exhibition–the rescue and conservation of our heritage, both natural and built–has been a constant in Ferraioli’s works and exhibitions. Four vectors energize Ferraioli’s body of work: the condemnation of the pillaging of a sacred space (desecration), the pressing need for environmental and architectural conservation, the urgency of keeping our memories alive, and the life project inspired by the mosaics and stained glass of this destroyed architectural jewel. And so, in putting forth the question ‘who?’, it becomes a compelling call–almost an inquest– to find those responsible for this devastating loss of our patrimony. Where do houses go when they die? In what dimension do the human sensations and experiences, the joys and tribulations which accumulated during decades now subsist? Personally, for the artist, the accumulated memories of this house still vibrate because of the immediacy of a lived memory. Each object retrieved and transformed into a mosaic, each door and window redeemed by art, attests, as clearly as a hologram, the sonorous beauty of this mansion lost to us because of indifference and neglect. It is the defiling of a structure which, because of its architectural perfection, appreciated through a cult of beauty, was a sacred space. Let us then imagine that the walls of this museum are the support for the doors, windows and chairs (inspired by Nechodoma’s designs) that were once a part of the Georgetti Mansion, and that the visitors are witnesses of an archaeological montage. Although Ferraioli has dedicated a large part of his life to stained glass, it has been mosaics which have captured his interest in recent years. Recently, he has ventured into fused glass, and it is this medium which we will most frequently encounter in this collection, whose core consists of twelve pieces in wood from the doors and windows retrieved from the Georgetti Mansion. Walter Benjamin, the German philosopher and essayist, introduces the concept of ‘aura’ in reference to the vibrant presence that the artist (through tactile contamination) imbues in his works. Will we be able to feel the ‘aura’ of the house when we come in contact with its authentic wood? The presence of absence… Of the twelve works constructed from the original doors and windows, it is the twelfth piece which catches us off guard: a tryptic of shutters and mosaic with the message that erupts in the form of a grievance and serves as the title of the exposition:  Who desecrated the Georgetti Mansion? It is not a coincidence that there are twelve pieces in this collection, since Ferraioli, through numerology, portrays the magic, the power and the meaning of the sacred ensembles in different cultures beyond the Biblical. In addition to the twelve doors and windows, for this exhibition, the  artist surprises us with a foretaste: ten women morphed in hyperbolic chairs, drawn out from a hallucination of Nechodoma. Some were constructed by the artist; others had been discarded and were salvaged; and some were recycled from other houses.     The twelve doors and windows retrieved from the Georgetti Mansion, as well as the chairs/sculptures, only make up the nucleus of the totality of works presented in this exhibition.     Most of the mosaics are part of the artist’s collection, and many were part of previous exhibits. There is one unifying and distinctive theme par excellence: the celebration of the fruits and flowers which embellish our countryside, some of which have been forgotten. Let us celebrate, then, this wonderful tribute to the beauty and richness of our flora transformed into art, and which we see displayed before us together with the artist’s commitment to protect and preserve, not only our natural environment but also our architecture and culture. Let us protect those ‘ships of our past’ to which we owe what we are. It is the same message carried forth…whether it be through glass, through poetry or through song. Sonia CabanillasCurator, August 2023   Eddie Ferraioli | Biografía

¿Quién profanó la Mansión Georgetti? English Version La exposición ¿Quién profanó la Mansión Georgetti?, de Eddie Ferraioli, está dedicada a la Mansión Georgetti —diseñada por el arquitecto checo Antonin Nechodoma (1877-1928)— y honra su memoria.  La temática de esta exposición sobre el rescate y la conservación de nuestro patrimonio, tanto edificado como natural, ha sido una constante en la obra y las exposiciones de Eddie Ferraioli. Cuatro vectores energizan la obra de Ferraioli: la denuncia de la violación de un espacio sagrado (profanación), lo imperativo de la conservación ambiental y arquitectónica, la urgencia de mantener viva la memoria, y el proyecto de vida inspirado en los vitrales y mosaicos de esta joya arquitectónica destruida. Lanzar la pregunta ¿quién? es un llamado apremiante, casi una pesquisa, para dar con los responsables de esta pérdida patrimonial. ¿A dónde van las casas cuando mueren? ¿En qué dimensión perviven las vivencias, las alegrías y penas que allí se acumularon a través de las décadas? Para Ferraioli, los recuerdos acumulados en esa casa vibran todavía con la inmediatez de una vívida memoria. Cada pedazo recuperado y transformado en mosaico, cada puerta y ventana redimida por el arte atestiguan, casi como un holograma sonoro, la belleza de esta mansión perdida por el desamor y el descuido de muchos. Es una profanación de una edificación que, a través del culto a la belleza y la perfección arquitectónica, fue un espacio sagrado. Pensemos, entonces, que las paredes de este museo son el soporte para las puertas, ventanas y sillas (inspiradas en los diseños de Nechodoma) que en su momento formaron parte de la Mansión Georgetti y que los visitantes son testigos de un montaje arqueológico. Aunque Ferraioli ha dedicado gran parte de su vida al vitral, es el mosaico el que ha acaparado su interés en los últimos años. Más recientemente, ha incursionado en el vidrio fundido y es este el medio que encontraremos con más frecuencia en esta muestra, cuya médula la conforman doce piezas hechas con maderas de puertas y ventanas rescatadas de la Mansión Georgetti. Walter Benjamin, filósofo y ensayista alemán, introduce el concepto de “aura” para referirse a la presencia vibratoria que el artista, a modo de “contaminación por tacto”, deja en la obra. ¿Podremos sentir esa “aura” de la casa al entrar en contacto con su auténtica madera? La presencia de la ausencia… De las doce obras construidas con las puertas y ventanas originales, la doceava nos coge desprevenidos: un tríptico de persianas y mosaico con el mensaje que irrumpe a modo de denuncia y sirve de título a la exposición —¿Quién profanó la Mansión Georgetti? No es casualidad que sean doce, ya que Ferraioli plasma, a través de la numerología, la magia, el poder y el significado de los conjuntos sagrados de distintas culturas, además de la bíblica. Además de las doce puertas y ventanas, para esta exposición el artista nos sorprende con una primicia: diez mujeres metamorfoseadas en sillas hiperbólicas, sacadas de una alucinación de Nechodoma. Algunas fueron construidas por el artista, otras son recogidas de la basura y otras son recicladas de otras casas. Las doce puertas y ventanas recuperadas de la Mansión Georgetti y las sillas/damas solo comprenden un núcleo del total de las piezas en esta exposición. Muchas de ellas fueron parte de exposiciones pasadas y la mayoría de los mosaicos provienen de la colección del artista. Los une el tema distintivo por excelencia: la celebración de los frutos y flores que adornan nuestra campiña, algunos de los cuales hemos relegado al olvido. Celebremos, pues, este bello tributo a la belleza y riqueza de nuestra flora transformada en arte y que ante nosotros se despliega en conjunto con el compromiso del artista de proteger y conservar, no solo el ambiente natural, sino, con ello, nuestra arquitectura y nuestra cultura. Protejamos esas “naves del pasado” a las que debemos lo que hoy hemos llegado a ser. Es el mismo mensaje… sea cristal, sea poema o sea canción. Sonia CabanillasCuradora, agosto 2023 Eddie Ferraioli | Biografía

Aby Ruiz | Sin pena ni gloria Versión Español Born in Arecibo, Puerto Rico, in 1971, Aby Ruiz is a visual artist working with oil painting, drawing and installations. His work explores human nature in different situations in which human behavior is exposed. The body is the primary source of expression in highly charged compositions where sometimes an element of humor appears. The themes most developed by the artist are related to childhood, sexuality, mortality, innocence, violence, and tenderness and are addressed in undefined spaces and cropped images. Ruiz was involved in the arts early on in life; he took painting classes with Pablo San Segundo and studied painting, drawing, and printmaking at the Specialized School of Fine Arts in Arecibo, under the tutelage of professor and artist Rolando Borges Soto. Ruiz’s work has been presented in many international exhibitions in the United States, Panamá, Canada, and the Dominican Republic.He is the recipient of several awards, and his work is held in many private and public collections, such as Museo de Arte de Caguas, Puerto Rico; Museo de Arte Contemporáneo, Puerto Rico; Museo de la Universidad Ana G. Méndez, Puerto Rico; Ateneo Puertorriqueño and The Lannan Foundation, New Mexico. Sin pena ni gloria is the artist’s first survey exhibition, encompassing more than two decades of painting, drawings and installations.  

Puerto Rico: Un homenaje a nuestra historia Eric Tabales English Version Pintor, escultor y profesor. En 1985 obtuvo un bachillerato en biología y química de la Universidad de Puerto Rico, donde además estudió tecnología médica en 1987. Más tarde completó un bachillerato en artes plásticas en la Universidad de Puerto Rico y en 1996 una maestría en pintura en la Academia San Carlos, Universidad Autónoma de México. En 1993 recibió el primer premio en la III Bienal de Arte Joven del Chase Manhattan Bank. La Asociación Internacional de Críticos de Arte, Capítulo de Puerto Rico, le ha otorgado varios premios: Mejor Monumento Público 1995 (Capilla de Meditación Juan Acha en México); Monumento Privado 1996; Mejor Exhibición en su Medio 1998; y Mejor Exhibición Individual 2006. Ha sido Profesor de la Universidad de Puerto Rico y la Universidad Interamericana. Realizó los vitrales del Museo de Arte de Puerto Rico, la Escuela de Bellas Artes de Guaynabo, Capilla Universidad Central de Bayamón, y el teatro Braulio Castillo de Bayamón. En 1995 patentizó la técnica de óxido sobre cristal que utiliza en sus trabajos y que es el resultado de sus investigaciones técnicas y conceptuales, las cuales lo han llevado a identificarse con una nueva visión de la plástica latinoamericana. La Universidad de Puerto Rico lo galardona como Ex-Alumno Distinguido 2008. Es Artista Residente de la Universidad Central de Bayamón. Eric Tabales es representado exclusivamente por San Patricio Art Center (Galería SPACE) en Guaynabo – Puerto Rico. Sabemos que la estructura edificada no es otra cosa que la proyección, en la tercera dimensión, de conceptos mentales a través de los cuales organizamos nuestro ambiente. Construimos como pensamos. Esas plazas pueblerinas manifiestan nuestras creencias, nuestras necesidades, nuestros afectos. Son la materialización de actividades consuetudinarias: la religiosa, la comercial, la cultural, la monetaria, la gubernamental. Todas ellas se flanquean y forman parte de un diario vivir comunitario. El cura, el alcalde, el banquero y el comerciante se entrecruzan, se saludan, se visitan y conversan a diario. Pero sobre todo el pueblo se congrega en la plaza, a la sombra sabrosa de los árboles que los consuelan del calor, al sonido suave de las fuentes que los convidan a arremolinarse, los bancos hospitalarios hechos para sentarse a compartir confidencias y coqueteos, al viento que arrastra parches de luz y sombra entre los edificios. Todos hemos crecido arropados de cuentos pueblerinos de sencilla felicidad compartida. Las chicas tomadas del brazo circunvalando la plaza, observadas desde la periferia por muchachos ávidos de una sonrisa tímida. Muchos romances cruzaron desde la plaza a la iglesia, muchas familias enraizadas en el cariño a la patria chica. Visitante, acérquese a esa memoria perdurable que usted experimentó en esa iglesia, bajo ese árbol, desde ese banco. Fragmento del ensayo “El ágora de los pueblos: las acuarelas de Eric Tabales”Sonia CabanillasViejo San Juan2023

Aby Ruiz | Sin pena ni gloria English Version Aby Ruiz, (Arecibo, Puerto Rico, 1971) es un artista visual que trabaja con pintura al óleo, dibujo e instalaciones. Su obra explora la naturaleza humana en diferentes situaciones en las que se expone el comportamiento de cada individuo. El cuerpo es la principal fuente de expresión en composiciones muy intensas donde en ocasiones aparece algún elemento de humor. Los temas más desarrollados por el artista están relacionados con la infancia, la sexualidad, la mortalidad, la inocencia, la violencia y la ternura y son abordados en espacios indefinidos e imágenes recortadas. Ruiz se involucró en las artes desde temprana edad, tomó clases de pintura con Pablo San Segundo y estudió pintura, dibujo y grabado en la Escuela Especializada de Bellas Artes de Arecibo bajo la tutela del profesor y artista Rolando Borges Soto. Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones internacionales en Estados Unidos, Panamá, Canadá y República Dominicana.Ha recibido varios premios y su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte de Caguas, Puerto Rico; el Museo de Arte Contemporáneo, Puerto Rico; el Museo de la Universidad Ana G. Méndez, Puerto Rico; el Ateneo Puertorriqueño y The Lannan Foundation, Nuevo México. Sin pena ni gloria es la primera exposición retrospectiva del artista, abarcando más de dos décadas de pintura, dibujo e instalaciones.