Sobre la Antología del Tiempo Marcos de Jesús Carrión El Museo de las Américas presenta la exposición titulada: Sobre la antología del tiempo del artista Marcos de Jesús Carrión. El artista nacido en San Juan y criado en Arecibo, Puerto Rico presenta una serie de grabados trabajados en la técnica no tóxica de seda acuatinta. “Por medio de estas obras propongo llevar el grabado a otro espacio sacándolo del marco, sacándolo de la delicadeza del papel para darle un nuevo espacio y otras dimensiones. Dentro de estas obras creo un vínculo entre el objeto visual y mi percepción del tiempo. Los personajes dentro de estas obras parten de referencias fotograficas que tomo de esos personajes que me rodean, muchos otros elementos son recuerdos, memorias almacenadas que parecen no tener ya tiempo alguno; de aquí comienza la construcción de estas imagines de aquello mismo que relata esas historias que luego son transformadas para quedar estampadas en un nuevo tiempo.” Marcos de Jesús Carrión es egresado de la Universidad Interamericana de San Germán de donde obtuvo una maestría con especialidad en grabado. Ha participado en exposiciones internacionales como el International Graphic Trienial en Bitola, Macedonia, 2009, The Americas Biennial Exhibition of Contemporary Prints en Iowa U.S.A. 2010 y la 5ta Bienal Internacional de Gravura do Douro en Alijo Portugal, 2010, entre otros eventos importantes. Dibujo, grabado; el tiempo y la memoriaPor Marcos de Jesús Carrión Dentro de mi obra la técnica del grabado no solo se limita a su capacidad de ser multiejemplar. Es ahí donde comienzo a jugar creando ese vínculo entre la técnica del grabado y el dibujo. Mis imágenes son grabadas con un juego entre la aguja, buril y el pincel, puras líneas comienzan a construir la imagen. El dibujo inicia con el mismo proceso de crear un grabado, la línea comienza a ser dibujada por el buril, la aguja y otras herramientas sobre los mismos materiales que utilizo como plancha matriz en el grabado. Dibujos pensados como grabados pero sin la posibilidad de ser impresos. Mis grabados, en esta ocasión, salen directamente de su plancha matriz para imprimirse en la transparencia de otro soporte. Otras veces se alejan de la delicadeza del papel para adherirse a planchas de metal o plástico, para ser completados por la línea dibujada y juntos, en medio mixto, formar un todo. Veo el grabado y el dibujo teniendo la capacidad de dejar grabada una imagen en un tiempo, traer de vuelta un recuerdo. La percepción de un tiempo pasado, en donde solo es posible volver accederlos a través de la memoria grabada en una imagen.En la construcción de estas imágenes, cuento un tiempo y con otra percepción, construyo otro distinto. Mi percepción del tiempo llega a expandirse para cambiar y transformase en otra cosa. Los personajes en mi obra en ocasiones hablan de sus recuerdos o memorias, que no son más que historias inventadas con lo más significativo y hacen una reconstrucción de aquel tiempo en el cual se observan como un personaje más en la historia. Presento mi propia percepción del tiempo, incluso, la de otros que pudiera ser la misma sujeta a una infinidad de interrelaciones, que hace de su paso una realidad única con el fin de significar hechos o situaciones meramente cotidianas. Mi obra fue causa de vivencias, recuerdos y de las diferentes formas en que percibimos esta idea, creando un espacio en que insisten en no desaparecer. Memorias que me resisto a perder, entonces, cada obra se convierte en un intento por presenciar aquel tiempo que se ha ido, aquel tiempo pasado, porque una vez no se recuerde, se acaba. Ese tiempo, esos acontecimientos son los narradores y motivadores de mi producción artística. Teóricamente hablando John Dewey explica esto mejor cuando dice que “lo que ocurre en el pasado vuelve a ser vivido en la memoria”. La memoria es aquel instrumento utilizado para construir el pasado y darle espacio nuevamente en el presente, mi obra donde pueda, deja grabado ese proceso.

Lito-grafía:sensorio Elizabeth Robles De la exhibición constituida como políptico de piso, techo y pared, nos explica la curadora, Rebeca Noriega, nos permite recorrer “una travesía que juega con el concepto de movimiento contrapuesto al de quietud; la contemplación versus la continua actividad”. Noriega añade que “a primera vista, la instalación se compone de piedras, metal, agua, cera colgante, tierra y oleos”. Por su parte, Robles comenta que se trata de un pasaje que escapa de una ruta fija, y que puede generar sensaciones de exploración y nociones del paso del tiempo: “La temporalidad y el movimiento aquí laten de forma similar a cómo yo, durante todo este año, he vivido el proceso de recoger objetos y diversas materialidades por toda nuestra isla: bosques, cuevas, ríos, playas, caminos, carreteras, intersecciones rurales y urbanas, así como por mi propio vecindario. A su vez nos dice sobre las condiciones en las que hacemos arte” Entre objetos encontrados, rocas y otras materias naturales, hallaremos una mesa de trabajo con dibujos en proceso, fotografías, textos y grabados, colindando con piedras, piezas en cera, barro y varias esculturas colgantes, en una atmosfera que nos lleva de líquidos a rocas. Robles nos anticipa sobre la dimensión ambiental provocada por la coexistencia de lo perecedero con lo de aparente mayor permanecía. “El encuentro con agua y rocas, y las diversas materialidades, podría despertar sensaciones táctiles, vibratorias, olfativas, emotivas y otras, como de fuerza y resistencia; me encantaría que el público sienta que se sumerge en la instalación, que se permitiera soltar todo y solo estar ahí”, así nos convoca la artista. Rebeca Noriega, menciona el carácter del arte como uno de resistencia “Los juegos de infancia con las hondas creadas con troncos de trinitarias, nos dice cómo en esta exhibición cada flor tiene el potencial de mutar a piedra, así nos hace un llamado, interior y colectivo. Y es que la resistencia es ahora más necesaria”. Tendremos la oportunidad de ver algunas fotos de Máximo Colón, reconocido artista de la diáspora, quien a través de lente fotográfico permite que tengamos contacto con Robles mientras recoge piedras y rocas en diversas áreas de la isla. De igual modo, la cercanía en intercambio vecinal que Robles transforma en arte, desemboca en un vídeo presentado en sala; se trata de un trabajo visual del fotógrafo Manuel Gatell, quien junto a Sylvia Bofill y Esteban Alberty, aceptó unirse en colaboración en uno de los performances de Robles, desarrollado durante todo el año pasado y titulado “de lo impreciso”. Calendario de Actividades

Volando en Libertad Alex Ríos Fernández Ríos Fernández recibió sus primeras lecciones del artesano Eduardo “Barón” González Rivera. Luego comenzó a destacarse en la talla de aves bajo la tutela de la maestra artesana Rosabel Suárez, quien se expresó así sobre el trabajo Ríos Fernández, “la calidad de su talla, los detalles, la composición y elegancia de cada una de sus piezas, hacen de éstas unas de colección”. Alex Ríos Fernández es el tallador de aves más galardonado de nuestro país. Antes de cumplir los 20 años se animó a presentar varias tallas en el Ward World Championship en Maryland, EE.UU., certamen internacional donde obtuvo segundo y tercer lugar, además de una mención de honor. Desde entonces, ha participado en innumerables concursos en EE.UU., Chile, España y Canadá. Actualmente, continúa bajo la mentoría de la talladora estadounidense Sue Kraft con quien comenzó a tomar clases en 2003. El artista Rios Fernández es reconocido internacionalmente por sus tallas en madera de aves de Puerto Rico, confeccionadas en madera de laurel, los ojos en cristal y las patas son moldeadas en bronce a las cuales les aplica pintura de óleo. “Alex es un claro ejemplo de superación personal y artística. Su responsabilidad, empeño y su disciplina con el desarrollo de sus destrezas artesanales hacen de su trabajo una vocación”, nos comenta la especialista en artesanías Zulma Santiago, quien conoce a Ríos Fernández desde niño. “Por su creatividad y habilidad en el manejo de la talla, la pintura y conceptualización de sus obras, Alex Ríos es un ejemplo de la transformación de gran maestro artesano a un gran artista. Su obra va más allá de una mera pieza tallada, es una pieza de arte, una escultura de minuciosos detalles inspirada en una realidad natural, de valor cultural y de significado espiritual”. Por su parte, la doctora Teresa Tió expresó, “en cada pieza el tallador se acerca con la meticulosidad de un orfebre o un miniaturista, cuidando el mínimo detalle. Esa es una parte esencial del oficio del tallador de aves”. Paralelamente a la exposición se ofrecerán recorridos guiados por el artista, así como conferencias temáticas y talleres creativos. En exhibición hasta el 26 de marzo de 2017. Opúsculo de la exhibición

María Emilia Somoza: Su huella en el aguafuerte Mensaje de la artista:  “Comparto con ustedes el producto de lo que ha sido el norte creativo de mi vida: el grabado en intaglio, específicamente el aguafuerte. Tratándose de una retrospectiva, son obras que representan distintas etapas de mi vida, anteriores y posteriores a mi desempeño en la dirección del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. La tarea abarcadora y compleja que tuve que enfrentar durante ese periodo me obligó a detener en parte la producción artística, aunque no la reflexión estética ni la búsqueda mental de soluciones técnicas relativas a la práctica del grabado. Durante ese tiempo, además, fueron muchas las obras gráficas que se fueron forjando en mi mente. Como eje creativo central de mi producción, el concepto “vida” me estimuló a reflexionar sobre su reflejo en todas las  expresiones de la naturaleza —mar, tierra, aire, agua, movimiento—, traduciéndolo en formas y colores con valores simbólicos. Lo onírico desempeña en ello un papel preponderante; igualmente los momentos que han dejado huella en mi vida. Mi obra está ligada a la técnica del aguafuerte, el más generoso medio de expresión artística que he encontrado en el camino. Aunque implica muchos retos y requiere una gran dedicación, una vez me abro a sus posibilidades, que son inmensurables, siento que el proceso creativo cobra alas y me obliga a la producción en un diálogo maravilloso con la técnica. Ofrezco mi obra a quienes se acerquen a ella como un mensaje en el que prima para mí la fuerza espiritual que le da sentido a la vida, un mensaje abierto que se enriquezca en significado con el aporte de todos”.  – María E. Somoza El uso del barniz blando, la acuatinta y otras técnicas para contrastar áreas de superficies difuminadas con la dureza linear que se consigue con el buril o la punta seca crea una superficie que al momento de la impresión sugiere una infinita riqueza de tonos. Las referencias arquitectónicas y las diminutas raíces, los filamentos, las retículas y las esporas vegetales con las que Somoza ira creando una delicada red de valores gráficos [como dice Fernando Cros] son temas de la naturaleza que se usan por su valor simbólico y riqueza grafica […] su estilización los aparta de lo mimético y los integra a la preeminente abstracción que es el lenguaje sobresaliente de la obra de la artista. María Emilia Somoza ha marcado su huella en el aguafuerte de forma indeleble y elocuente. Su lugar en la historia de la gráfica puertorriqueña del medio siglo pasado queda firmemente reconocido en esta muestra, que abarca toda una vida de compromiso intelectual y entrega al duro oficio del grabado […sus] búsquedas […] se materializan, por la metamorfosis de alquimia y magia del aguafuerte, en la poesía visual de la imagen, sea esta heroica, lírica o elegíaca.

Maquiamelo Divas y Testas “Desde Bogotá, Colombia llega a nosotros una exposición titulada “Divas y Testas”, del escultor Maquiamelo (n. 1971). Es una colección de piezas ostentadoras de un perfil óptico y filosófico coherente. En conjunto poseen contenidos antropológicos donde hurgan  en una fenomenología sostenida en el transcurso de la presencia humana sobre la  tierra. Hace concurrir en ellas auras novedosas en que advertimos un discurso trascendente. Una vez alcanzamos asimilar total o parcialmente su presentación, lograremos concebir como tras las apariencias existe un entramado denso e inagotable.” José Pérez Ruiz, Ph.DCrítico de arte Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) El  reconocido escritor colombiano crítico de arte Álvaro Medina  habla sobre esta gran exposición:  “Esta exposición gira principalmente en torno a la belleza femenina, una fuerza de poderes infinitos que actúa en el plano carnal y sicológico, generando pasiones amorosas. Las mujeres bellas conocenen la juventud el esplendor y luego la inevitable decadencia. El intento de conservar ese esplendor es un anhelo humano que el escultor Maquiamelo ha resuelto haciendo  retratos que nos remiten a la tradición de reducir cabezas,practicada por los indios Jívaros de Ecuador. Las cabezas reducidas se llaman tzantzas en el idioma aborigen y son trofeos rituales que, como un signo de poder individual, los indios portaban como parte de su atuendo en ocasiones especiales. Según los antropólogos que han estudiado el tema, las bocas de las tzantzas se cosían para retener y guardar el espíritu del difunto. Maquiamelo es un retratista que se ha dedicado, en sus representaciones, a encapsular el talento de algunas de las más bellas divas de Hollywood. Gracias a su imaginación creativa, la vigencia artística de esas actrices se potencia y convierte en un fetiche inolvidable. Porque una vez usted acaricia con los ojos uno sólo de estos retratos, jamás podrá olvidar su grata aunque perturbadora fascinación. “

Emilse Vega – SPF15 SPF o “Sun Protection Factor” se refiere al tiempo que puedes estar expuesto al sol sin sufrir daños. Por ejemplo, un SPF de 15 te permite estar al sol al menos unas 15 veces más que lo que estuvieras sin filtro solar. Pero en la realidad, no es tan así. Muchos factores afectan cuán protegido estás. “Típicamente observo más de lo debido, unas 15 veces más, a esos sujetos potenciales que me gustaría pintar, así sea que los tenga de frente o en fotografía. Evalúo si quiero pintarlos, ponerles un filtro y mantenerlos vivos, protegidos en el canvas.” Cierta calma prevalece en las pinturas de Emilse Vega. Aún cuado el desarrollo del tema varíe, mantiene un interés en representar un mundo banal, o insustancial, para voltear al revés nuestro entendimiento del mismo. Llendo más allá de un estilo categórico, sus representaciones implican una cierta caracterización de estereotipos o de “stand in”, presentando una realidad que sugiere algo escondido, algo falso. Vega camina las calles y la playa donde reside, en constante observación, capturando imágenes en su cámara de lo menos espectacular de la vida cotidiana con el propósito de convertir estas imágenes en sus retratos al canvas. En una sociedad fascinada por, y sospechosa de conceptos de “veracidad” — esa seguridad de que algo es cierto aún cuando no haya evidencia –no nos sorprende que la veracidad de sus representaciones sea socavada de forma indirecta. Acentuando nuestra inquietud, Vega manipula sus sujetos para expresar su propia línea de extraño realismo. Los retratos como: Summer Babe, King of the Beach, Sunkissed, Hot in Herre, Blister in the Sun, Trap Queen, Lucky 13  y la abstracción bajo agua en Paradise II  fueron sacados de la realidad. Las desviaciones que hace Vega de esta realidad percibida se tornan en un personaje de sus fotos para simplemente crear: o una revelación de la perfección del torso de una mujer, o un cabello suspendido en precisión en el aire, capturando de tal manera temas inofensivos, inocuos, dejando al descubierto tonos exquisitos. Las piezas trabajadas en esta exhibición realzan un desasosiego en la mujer, mientras simultáneamente seduce e intriga al espectador. Composiciones sencillas, colores vívidos, superficies planas, en un escenario que crea curiosidad, cargado de sexualidad, o simplemente bellas, te llevan dentro de su no tan imaginario mundo. Una vez allí, lo sencillo de sus colores, la atractiva densidad de sus composiciones así como la provocadora narrativa, nos fuerza a acortar la distancia perturbados por lo mismo que nos intrigó en un principio. Esto es lo que siempre mantendrá estas obras dinámicas, excitantes. Algunas pueden ofrecer un acercamiento a un espacio ilusorio. Sus composiciones pueden parecer llanas pero tenaces, como en la perspectiva en Those Hazy Lazy Crazy Days of Summer. No se adentran en un efecto imaginario pero lucen como en pausa. Muchas de estas escenas en sus obras si no parten de  fotos que ella misma toma, son inspiraciones encontradas en las redes sociales. Aquí se presentan escenarios en donde se aspira a un estilo de vida al máximo, y son los medios sociales una caravana sin fin de la más impecable representación de sí mismo. La distancia que Vega crea entre el mundo real y la verdad alterada nos deja inquietos. Podemos reconocernos a nosotros mismos, nuestros deseos, aspiraciones, en estas pinturas, despertando nuestra zona de comodidad en algo revelador que dentro de la calma inicial, termina en algo inquietante. El proceso de Vega siempre comienza con las técnicas académicas en la pintura que ya no se encuentran entre las favoritas. Junto con su marcado uso de este estilo antiguo,  prevalece su interés en la labor con una destreza meticulosa de aplicar cientos de pinceladas individuales. Su método desafía las tendencias contemporáneas que son caracterizadas por procesos conceptuales considerados bien “cool”, abstracciones incoherentes, y figuración expresionista. Las primeras pinturas figurativas de Vega se les debe a las de John Singer Sargent  (n. 1856) quien es considerado el artista líder en la pintura del retrato de su generación, por sus recreaciones del lujo de la era Edwardiana. En contraste, la fijación de Vega en la belleza, se manifiesta no en aquellas exageraciones pero en el fastidioso proceso invertido en la pintura. Sus abstracciones de agua, perezosos sujetos, cuerpos perfectamente esculpidos, tomando sol, son tan sencillos que su intenso enfoque en ellos podría parecer desconcertante pero a su vez un intento de humor negro. Esto acentúa la naturaleza peculiar de las obras, que de otra forma serían simples sujetos cotidianos, cada uno creando una percepción de la realidad posando firmes en el espacio entre medio. Vega aspira a mantenerse siendo una artista clásica dentro de la tradición figurativa, exponiendo aspectos modernos de su mundo.

CORPUS ET ANIMA Rafael Edgardo Del Olmo, conocido por el seudónimo Redo Del Olmo es ceramista, escultor y pintor con 35 años de carrera en el campo de las artes plásticas. Su talento lo ha llevado a alcanzar  reconocimiento nacional e internacional. Tiene a su haber múltiples exposiciones individuales y ha participado en más de sesenta exposiciones colectivas, a través del mundo. Entre estos países se destacan: Monterey, México; Caracas, Venezuela; Zagreb, Croacia; Faenza, Italia; Filadelfia, Pensilvania; y Baltimore, por mencionar algunos. Su obra forma parte de colecciones permanentes locales e internacionales, tales como: el Museo de Arte de Ponce; Studio Clay, en Filadelfia; y la Kern Foundation, además  de coleccionistas del arte local e internacional. Entre sus premios y reconocimientos se destacan: Primer Premio en la 5ta. Bienal Premio Casa Candina 1996; el Premio Zebenik en la 5ta. Trienal Mundial de la Cerámica en Pequeño Formato, en Croacia; seleccionado a participar en la Colectiva del Museo Internacional de la Cerámica Contemporánea en Faenza, Italia; y la nominación de Mejor Exposición Individual en Galería Comercial, Premios AICA (Asociación Internacional de Críticos de Arte) 2002 San Juan, PR. Posee un bachillerato en Artes Plásticas General de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Rio Piedras. Actualmente, se desempeña como profesor de cerámica artística en el Taller de Bellos Oficios de la Universidad de Puerto Rico y en el bachillerato de Diseño de la InterMetro.

Biomórfico El Museo de las Américas presenta la exposición titulada: Biomórfico del artista puertorriqueño Héctor Rafael Rodríguez. La muestra cuenta con 23 pinturas al óleo que fueron producidas por el artista entre el 2010 y el 2015. En ellas se explora la coexistencia inclusiva y armoniosa a través de imágenes donde se unen referencias anatómicas y botánicas. La fusión de géneros provoca la comunión de los desnudos con  disímiles abstracciones hasta crear profundas escenas sicológicas en donde la calidad andrógina de las formas rompe con los esquemas tradicionales de masculinidad y feminidad. Individuo y naturaleza mantienen una continuidad unificadora de una imagen colmada  por una  belleza orgánica, triunfante y difundida a través de diversos soportes pictóricos. Héctor Rafael cuenta con un Bachillerato en Artes Plásticas con concentración en Pintura del Colegio de Artes Visuales de Syracuse University y una Maestría en Educación de Bellas Artes del Programa Graduado de Educación de la Universidad del Turabo.  La obra de Héctor Rafael ha sido expuesta en Puerto Rico, Nueva York, Boston, Chicago, Doral (Florida), Milledgeville (Georgia), Estambul (Turquía) y Florencia (Italia). Su trabajo artístico forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Francisco Oller y Museo de Arte de Caguas junto a otras colecciones de gran prestigio. Héctor RafaelPintor, dibujante y educador. Nació en Santiago Compostela (España) de padres puertorriqueños en 1973. Su familia regresa con él a Puerto Rico cuando tenía tres años de edad y es allí donde crece y aprende a apreciar la riqueza de su herencia cultural.   En el 1995 el artista completó un Bachillerato en Artes Plásticas con concentración en Pintura del Colegio de Artes Visuales de Syracuse University. Héctor Rafael trabajó como catalogador y manejador de arte (de 1996 a 2002) para varios departamentos de la casa de subasta Christie’s en la ciudad de Nueva York (Departamento de Arte Latinoamericano, Departamento de Pintura Europea del S. XIX, Departamento de Arte y Objetos Marítimos).  Durante ese período tuvo la oportunidad de estar en contacto directo y estudiar con detenimiento la obra de algunos de los artistas de mayor relevancia en la historia del arte. En el 2002 el artista regresó a Puerto Rico, completó una Maestría en Educación de Bellas Artes del Programa Graduado de Educación de la Universidad del Turabo y ha estado exponiendo constantemente en museos y galerías. La obra de Héctor Rafael ha sido expuesta en Puerto Rico, Nueva York, Boston, Chicago, Doral (Florida), Milledgeville (Georgia), Estambul (Turquía) y Florencia (Italia). Su trabajo artístico forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Francisco Oller y Museo de Arte de Caguas junto a otras colecciones de gran prestigio. Biomórfico (por Héctor Rafael)Biomórfico es la exposición pictórica de seres transfigurados que superan la fragmentación. En ella, presento escenas en  donde las disecciones anatómicas se fusionan hasta lograr la reconstrucción del individuo a través de las  representaciones de cuerpos que trascienden tiempo y espacio al crear un vínculo entre el universo interno y externo del ser humano.  La representación de estos desnudos seccionados y reconstruidos sugiere también sexualidades que han sido interrumpidas, manipuladas y luego magnificadas para la contemplación pública.  La fusión de géneros provoca la comunión de los desnudos con  disímiles abstracciones hasta crear profundas escenas sicológicas en donde la calidad andrógina de las formas rompe con los esquemas tradicionales de masculinidad y feminidad.  En mis lienzos, las  figuras se liberan para que el ser humano y su propósito se conviertan en uno, desnudo e indiviso. La coexistencia entre la flora y las referencias anatómicas se patentiza en algunas de las imágenes que componen la muestra.  Estas comparten el protagonismo con paisajes anímicos escindidos solo por los espacios negativos que separan cada lienzo, como si con ello se revelara el agravio al que han sido sometidos el ambiente y la individualidad de sus habitantes. Individuo y naturaleza mantienen una continuidad unificadora de una imagen colmada  por una  belleza orgánica,  triunfante y difundida a través de diversos soportes pictóricos. Por último, la presencia de un círculo flotante en muchas de mis pinturas puede actuar ya como eje central de la obra o como un elemento que proporciona balance a la pieza.  Este habitualmente acompaña las formas carnales que transmutan en su presencia. En las obras donde el círculo abandona el lienzo, el espacio se fragmenta pero la imagen se extiende incesante por el espacio. El círculo es el único elemento de mi obra donde no existe volumen, luz o sombra para establecer un contraste con las formas anatómicas que lo acompañan; de esta manera contrasto el  mundo material y aquello que no es parte de este pero es omnipresente. El círculo también enfatiza el dialogismo constante que existe en mi obra pictórica entre lo terrenal y lo etéreo, lo carnal y lo espiritual, entre el artista y su inspiración.Mi propuesta artística invita a experimentar la coexistencia inclusiva, armoniosa y esperanzadora. Mis lienzos, formas luminosas nacidas para el deleite y la introspección, reverberan la energía incontenible e inmutable que renace, unifica y transforma.

Resonancias Dentro de la exploración creativa los temas recurrentes de Pablo Montes se encuentra el del tiempo; el cual inicio en el año 1995 con la exposición “Coordenadas del Tiempo”. En esa serie de obras trabajó de una manera sugestiva, creando imágenes que se mezclaban y transformaban con su espacio a través de texturas orgánicas utilizando varios medios como los dibujos a tinta, la serigrafía y las pinturas al óleo. Más adelante, en el año 1997, en la exposición “Viveza y Pereza del Tiempo” exploró el tiempo y los estados de ánimo, predominando el uso de la figura humana femenina. El espacio y la luz en estrecha correlación que parece depender uno del otro fue la motivación para sus temas en el 1992 en su exposición: “Imágenes Integradas”. Más adelante en “Etapas”, ambas con una serie de dibujos a tinta donde el espacio y la luz sirven de vehículo para alterar la figura que simboliza la materia. Con este trasfondo el artista se percata de que debería auscultar el tema de la energía. para completar lo que se conoce como las cinco esencias que componen la realidad: espacio, tiempo, energía, materia y luz. De esta manera Pablo Montes enlaza y conecta a las mismas en diferentes indagaciones visuales. Esta nueva exposición, en el Museo de Las Américas será una que muestre la resonancia visual de estas formas básicas utilizando temas que reflejan la diversidad de energía que emana del ser humano de acuerdo a sus vivencias. Pablo Montes O’Neill Estudió en la Escuela de Artes Visuales Lucchetti en San Juan, Puerto Rico. Se graduó con el alto honor en pintura y también recibió la medalla 1982 de alto honor en Bellas Artes otorgada por el distrito de San Juan. Se matricula en el programa de Bellas Artes de la Universidad de Puerto Rico donde fue estudiante de Rafael Rivera García y Luis Hernández Cruz. Más adelante tuvo la oportunidad de transferirse a Pratt Institute en Nueva York, donde obtuvo un bachillerato en Bellas Artes. Durante 1986, comienza a trabajar en varias agencias de publicidad como Ilustrador y diseñador gráfico. Pablo también se desempeñó como ilustrador editorial por varios años para el periódico El Nuevo Día. En 1989, se trasladó a Chicago, donde participó en varias exposiciones celebradas en la Ciudad de los Vientos incluyendo el “Hispanic Festival at the Museum of Science and Industry”. Durante ese tiempo, también trabajó en varias agencias de publicidad y publicó sus ilustraciones en revistas y periódicos como Vegetarian Times y Chicago Reader, así como en los libros de “La serie Discovery”, entre otros. En 1990, su dibujo a tinta, titulado ‘Dancing with Shadows’ fue publicado en la portada de la revista de Chicago Artist News en la edición de octubre. En 1992, regresó a Puerto Rico y organizó varias exposiciones en diversas galerías en San Juan. En 1994, comenzó su taller de diseño gráfico e ilustración de editoriales y libros mientras también trabaja en diversas exposiciones. En 1996 gana el primer lugar en la competencia del Ateneo de Puerto Rico con la obra Manto de Soledad en la categoría Grabado. En 2013, fue seleccionado por un jurado para ser el artista del mes en Artsyshark.com. En 2014 fue seleccionado para formar parte de la exposición “See the Light” en el Museo de Artes de Attleboro en Massachusetts. Pablo ha tenido más de 10 exposiciones individuales y 15 exposiciones colectivas en Puerto Rico y Estados Unidos. ResonanciasDentro de la exploración creativa los temas recurrentes de Pablo Montes se encuentra el del tiempo; el cual inicio en el año 1995 con la exposición “Coordenadas del Tiempo”. En esa serie de obras trabajó de una manera sugestiva, creando imágenes que se mezclaban y transformaban con su espacio a través de texturas orgánicas utilizando varios medios como los dibujos a tinta, la serigrafía y las pinturas al óleo. Más adelante, en el año 1997, en la exposición “Viveza y Pereza del Tiempo” exploró el tiempo y los estados de ánimo, predominando el uso de la figura humana femenina. El espacio y la luz en estrecha correlación que parece depender uno del otro fue la motivación para sus temas en el 1992 en su exposición: “Imágenes Integradas”. Más adelante en “Etapas”, ambas con una serie de dibujos a tinta donde el espacio y la luz sirven de vehículo para alterar la figura que simboliza la materia.  Con este trasfondo el artista se percata de que debería auscultar el tema de la energía. para completar lo que se conoce como las cinco esencias que componen la realidad: espacio, tiempo, energía, materia y luz. De esta manera Pablo Montes enlaza y conecta a las mismas en diferentes indagaciones visuales.