Form and Void Fernando Varela Fernando Varela is a Dominican-Uruguayan visual artist whose work stands out significantly for the nature of his research focused on the connections between forms of artistic expression and the revelation of an inner truth of a vital and deeply spiritual nature. The development of his sensitive work dialogues with a tradition that conceives art as a space of confluence between the spiritual, the natural, and the human. He was born on January 19, 1951, in the city of Montevideo, Uruguay. He is the youngest and third son of Luis Alberto Varela Carvallido and Irma Calveiro Lee. From a very young age, he showed an ability for plastic expression, especially for painting and modeling. At the age of twelve, he began musical studies, a sensitivity that would always accompany him. At fourteen, he ventured into painting and began to familiarize himself with ceramics in the workshop of his maternal relatives César Courtoisie and Margarita Courtoisie de Perotti. The context of freedom that permeated Fernando Varela's family life during his childhood and youth provided a favorable environment for the cultivation of the arts and creativity. At a very young age, between the ages of sixteen and seventeen, he had the opportunity to meet the modernist sculptor and painter José Luis Zorrilla de San Martín, the most prominent artist of 20th-century Uruguayan monumental sculpture. In mid-1969, Fernando Varela met the artist Enrique Guillemette, with whom he began an intense exchange focused on the study of numerology, art, and especially the theosophical work of the spiritual master Bô Yin Râ [Joseph Anton Scheneiderfranken (1876-1943),] whose manuscripts ended up in Guillemette's studio. Varela's exposure to Bô Yin Râ's work was a significant axis for his aesthetic orientation and the development of a personal and vital artistic language; it represents what we can consider a fundamental reference. From this moment on, the young artist dedicated himself to the systematic interpretation of Bô Yin Râ's texts. During these early years of exploration, his work also drew on references centered on the work of artists such as the Uruguayan Joaquín Torres García, whom he discovered through his exhibitions in Uruguay, but also through reading his essential lectures collected under the titles: Constructive Universalism and The Recovery of the Object. In 1971, he undertook a six-month trip through Europe that took him to various countries on the old continent: Spain, France, Belgium, Holland, Italy, Switzerland, and England. Each stay represented an opportunity to explore, visit museums, and nurture and expand the curiosity and intuition of a young man with sensitive concerns. In 1976, he moved to the Dominican Republic to serve at the embassy of the Eastern Republic of Uruguay. The Dominican Caribbean became a key territory in defining his creative destiny. However, traveling to the United States in 1976 and coming into contact with North American avant-garde painting, especially Abstract Expressionism, represented the emergence of an immediate affinity. The expressive force of artists such as Mark Rotkho, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Willen de Kooning, Jasper Johns, among others, represented the possibility of conceiving a horizon of transcendence that involves the human, spirituality, and aesthetic representation as a potential for convergence. Thus, these references, along with the early experiences of his early years in Uruguay, began to form the foundation for the subsequent development of a vibrant creative space. It was his return to the Dominican Republic that marked the consolidation of his vocation oriented toward art. Beginning in 1978, Fernando Varela became involved with the Dominican visual arts scene in the context of the Caferelli Gallery, an innovative venture that combined the promotion of the visual arts and gastronomic projects. This project was avant-garde for its time. It was led by the young Dominican Rosario Bonarelli, who would become his wife and mother to his three children, the Varela Bonarelli family, and his permanent roots in the fertile soil of the Caribbean island of Quisqueya. From these years on, he maintained intense dialogues and exchanges with Dominican artists. José Ramírez Conde (Condesito) and Domingo Liz stood out, having a great influence on his artistic formation. Both contributed to the refinement of his expressive languages, while accompanying him in the exchange, reflection, and appreciation of Dominican aesthetic traditions, in contrast to his investigations into the production of art in diverse contexts. In 1983, he held his first solo exhibition at the Museum of Modern Art in Santo Domingo. He exhibited two-dimensional ceramic pieces, inscribed within the heritage of constructive modernism of the School of the South. It was a beginning that bore the imprint of the tradition of his place of origin, the identity that shaped him at that time. From this first exhibition onward, and for approximately a decade and a half, Fernando Varela's work underwent an intense process of transformation and experimentation. His explorations embraced diverse media of visual expression and explored different paths of thematic possibilities. This period witnessed an intense output that allowed his work to be shown in different contexts, including the Cuenca Biennial (1994); the Havana Biennial (1994); and his participation in Documenta in Kassel (1997). In 1998, Varela held the exhibition "Man and Woman" at the Museum of Modern Art in Santo Domingo. This exhibition represents a summary of his aesthetic explorations conceived to date. In 1999, through the exhibition The Magic of Fear, organized at the Cultural Center of Spain in Santo Domingo, Varela's work presented a turning point in the development of expressive resources and thematic treatment. The Magic of Fear was characterized by the placement of works that presented an evident economy and discursive synthesis and that were shown to be articulated.

The Escape Ladder by Annelisse Molini History repeats itself, and in its cyclical recreations, it demonstrates to those who experience it that it always retains a core of its essence, even if it presents itself in a new guise. Therefore, the presence of the ladder initially appears as an unusual element in the iconography of Annelisse Molini's work. However, those familiar with the artist's extensive career recognize that it is a new take on one of the constant concerns that has manifested itself throughout her career: movement, mostly voluntary, and escape, almost always as a necessity in the search for order amidst the suffocation of prevailing chaos. Annelisse Molini's current series is clear proof that this artist remains faithful to the vital concerns, the visual impulses, and the forms that have shaped a distinct identity throughout her output. The costume she now wears is clear evidence of the creative maturity she has forged over the years. The enrichment of her technical craftsmanship and the deepening of the complexity of her particular forms and iconography reveal that after trauma, beyond chaos and overcoming destruction, the tensions inherent to every human being are unleashed once again, seeking an outlet that embodies an answer to the questions that will eternally remain unanswered. Laura Bravo, Ph.D. www.annelissemolini.com THE ESCAPE LADDER - Annelisse Molini Essay by Laura Bravo History repeats itself, and in its cyclical recreations shows its essence to its witnesses, albeit under new clothes. The ladder initially appears as an unusual element in the iconography of Annelisse Molini's work. However, those familiar with the artist's long career can recognize it as a twist of one of the constant concerns throughout her career: moving, mostly voluntarily, and escaping, almost always as a necessity in the search for order in the midst of prevailing overwhelming chaos. This series by Annelisse Molini is an obvious sign that she is faithful to those vital concerns, visual drives and shapes that have drawn her particular identity throughout. Her new clothes are evidence of a creative maturity forged over the years. The rich craftsmanship and deep complexity of her particular iconography prove that beyond trauma, chaos and destruction, there's a resurfacing of human emotions looking for a way out, for questions that will forever remain unanswered. Laura Bravo, Ph.D.

Drawers of Illusions and Allusions Jaime Cobas Drawers of Illusions and Allusions, by renowned architect Jaime Cobas, is “a set of pieces that aspires to establish a dialogue between the work and the observer, stimulating their imagination, where they delve into memories, interweave historical events, mythological legends, or those of the collective consciousness, in order to create a new, personal and individual reality.” The exhibition is composed of 15 pieces on individual pedestals and special lighting to allow their interiors to be visible. In addition, two large-format pieces, “the Alpha and the Omega, the beginning and the end, fire and water,” are: Locura de Amor (Love Madness) and Give Me My Number (Give Me My Number). The latter is an illustration of the prayer by Puerto Rican poet Julia de Burgos, where she begs for the end of a life full of disappointments. The purpose of this exhibition, according to the artist, is "to establish a dialogue between the work and the observer, stimulating their imagination, where they delve into memories, interweave historical events, mythological legends, or those of the collective consciousness, in order to create a new, personal, and individual reality." Jaime Cobas holds a Bachelor of Architecture from Cornell University (1963) and a Master of Architecture from Yale University (1967). His artistic production has been exhibited and recognized by the press and the public. In 1997, a retrospective of his work was held at the Chase Manhattan Building in Hato Rey, Puerto Rico, and his work Gepetto's Conundrum was auctioned to benefit the Artist Assistance Program of the Puerto Rico Museum of Art. In 2015, his work Estudio para Locura de Amor was selected for the "National Arts Exhibition" of the Institute of Puerto Rican Culture, at the Arsenal de La Puntilla in San Juan. Distinguished for his architectural works: Fraternidad AFDA, Las Carmelitas, Caparra Executive Condominium, and the "MuSA" in Mayagüez, as well as for his interior designs: Bull's-Eye, Chayote, and various private apartments in Puerto Rico, New York, and Japan. His designs have been published in international magazines such as Interiors, Interior Design, Florida Quarterly, Mix, and Archivos de Arquitectura Antillana. He currently works as a professor of architectural design at the Polytechnic University, and his class "Architecture and Lighting" is highly regarded by students.

Reflections: Between Joy and Despair Antonio Turok Antonio Turok, born in Mexico City in 1955, is considered one of the most important documentary photographers today, internationally recognized as one of the artists who have dedicated 40 years of their lives to capturing the human condition or simply sharing a beautiful landscape. Turok and his olfactory gaze are always at a place where adrenaline and fear would drive almost anyone away, where thanks to his instinct the viewer can access images that capture the precise instant, the one that summarizes between the four corners of the photograph an entire historical moment, a defining feature of a society or a social conflict. He has participated in various journalistic publications such as: Aperture, United States; Camera Work, United States; Crónica, Mexico; DoubleTake, United States; Paris Match, France; Proceso, Mexico; Stern, Germany; Texas Monthly, United States; The Independent, Great Britain; he has also collaborated on several collective books such as: 160 Years of Photography in Mexico, Centro de la Imagen, Mexico. Indians Chiapas-Mexico-California – A World Made of All Worlds. From Parc de la Villette, Paris. Memory – Presence of Guatemalan Refugees in Mexico, Ministry of the Interior, Mexico. He has published the books: Chiapas: The End of Silence/El fin del silencio. Aperture Foundation, New York, and Ediciones Era, Mexico, 1998. Images of Nicaragua. Casa de las Imágenes, Mexico, 1988. He has received various awards, including: a John Simon Guggenheim Foundation Fellowship; a Mother Jones Fund for Documentary Photography Award; a grant from the Museum of Photographic Arts in San Diego, California, for the documentary project Neighbors, Two Sides of a Coin; a grant from the Mexico-United States Cultural Trust “Maya in the United States” Rockefeller Foundation. Some of his photographic works are part of museum and private collections: Philadelphia Art Museum, Philadelphia, Pennsylvania; Los Angeles County Museum of Art – Photographic Collection, Los Angeles. Wittliff Gallery of Southwestern and Mexican Photography. Southwest Texas State University, San Marcos, Texas. Brooklyn Museum—Photographic Collection. Brooklyn, New York; among others. Antonio Turok: Reflections Between Joy and Despair is a traveling exhibition first presented in late 2016 at the Museo Archivo de la Fotografía in Mexico City, which traces his trajectory through more than two hundred images. I have curated this exhibition again for the Museo de Las Américas, a space dedicated to the dissemination of the history and culture of the American continent for more than twenty-five years. These photographs make us question what we have learned from the history of our peoples: the guerrillas in Nicaragua and El Salvador, the Guatemalan immigrant crisis in Mexico during the 1980s, the uprising of the Zapatista Army of National Liberation in the jungles of Chiapas, and 9/11 in New York. The most recent images show us what is currently happening with the emigration of Mexicans to the United States and the arrival of President Trump to the White House. In putting together this exhibition, I reflected on the questions that photographers and budding artists ask themselves: What is art? What is photography? What power does the photographer have when documenting reality while seeking personal expression through the camera lens? The photographer has a perception of the world, but with an image, he allows us to interpret the depth of life. As the great American documentary filmmaker Eugene Smith said: "I feel my art or my need is communication, so I use photography to tell a story." Turok believes that an image is the closest thing to poetry, and that photography is his weapon to transcend and serve something, to "have a commitment." Through this poetic exhibition, we see how the photographer agrees with Smith on this need to have a defined purpose in the act of photography. These images tell us the story Antonio Turok has lived for more than thirty years, documenting battles that claimed countless lives in the fight for justice. At the same time, they show us the peaceful existence of the indigenous communities of Chiapas where he lived as a young photographer at that time. In his visual quest, we see Turok using video as a new tool to tell stories, leaving us with questions before the images of the US border, where migrants wait to cross to a future they imagine to be promising. Is it true that there is a better life on the other side? Is this the beginning of a new and unjust battle in which the photographer will continue to tell the story of the times we live in? Antonio Turok is the artist, a rebellious, independent, and poetic photographer, who seeks to make his images useful, with a deep commitment to life, and from whose eye emerge images that transcend the visual memory of our times. Both the artist and this curator dedicate this exhibition to those young photographers and artists who today ask the same question as so many others: What is photography and the visual image? What have we learned from the history of our Latin American peoples during so many years of injustice? Marietta Bernstorf, Curator

Caribbean Ties – Lazos Caribeños El Museo de Las Américas se unió a otros países de la región del Caribe y Holanda para la presentación de la exposición Caribbean Ties connected people then and now / Lazos Caribeños conectando gente antes y ahora. La misma es producto de un proyecto investigativo multidisciplinario titulado NEXUS 1492, originado en la Universidad de Leiden en Holanda, el cual investiga los impactos de la colonización en el Caribe y las conexiones de las primeras interacciones entre el Nuevo y el Viejo Mundo. La exposición se presentó de mayo a noviembre de 2019 y  17,836 personas pudieron ver e interactuar con la muestra.Como parte del programa público de la exposición se llevó a cabo el conversatorio: “Arqueología caribeña del siglo 21: conexiones históricas, transfronterizas y disciplinarias”, con la participación del antropólogo y arqueólogo Jaime R. Pagán Jiménez, el geoquímico Gareth Davies y el arqueólogo Miguel Rodríguez López. Museo de Las Américas joined other countries in the Caribbean region and the Netherlands for the presentation of the exhibition Caribbean Ties connected people then and now / Lazos Caribeños conectando gente antes y ahora.This project is a product of a multidisciplinary research titled NEXUS 1492, originated at the University of Leiden in the Netherlands, which investigates the impact of colonization in the Caribbean and the connections of the first interactions between the New and the Old World. The exhibition was presented from May to November 2019 and 17,836 people were able to see and interact with the exhibit objects.As part of the public program of the exhibition, the Museum offered a conference titled: «Caribbean archeology of the 21st Century: historical, cross-border and disciplinary connections” with the participation of the anthropologist and archaeologist Jaime R. Pagán Jiménez, the geochemist Gareth Davies and the archaeologist Miguel Rodríguez López.

50 Años de la Liga La Liga Estudiantes de Arte de San Juan conmemora el quincuagésimo aniversario de su fundación en 1968. Un modo de celebrar tan importante acontecimiento ha sido organizar esta exposición, muestra representativa, pero limitada, del extenso listado de artistas vinculados a la institución durante los últimos 50 años: maestros artistas que han dado clases en la Liga, artistas que en algún momento fueron estudiantes de la institución, artistas que desde 1969 han expuesto en la Galería San José, y en la Galería Delta de Picó o que su obra ha sido motivo de artículos críticos en algunos de los 21 números editados entre 1978 y 1991 de la revista Plástica. Al realizar la investigación se pudo apreciar el inconmensurable mérito que ha tenido la Liga durante estos 50 años de labor, lo que deja una huella indeleble en los anales de la historia del arte contemporáneo en Puerto Rico. Se debe destacar que la Liga además ha acogido desde su fundación a casi todos los movimientos artísticos contemporáneos y de vanguardia que se han manifestado en Puerto Rico desde la segunda mitad del pasado siglo XX: el abstraccionismo de la década de los años 60, la cerámica y la fotografía artística durante los años 70, las instalaciones y la nueva figuración de la década de los 80 y gran parte de las propuestas de expresión artística existentes en la actualidad. La Liga ha sido igualmente apoyo de grupos señeros como la Asociación de Mujeres Artistas de Puerto Rico y el impulsor principal del proyecto para la creación del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. La exposición ha sido repartida entre el Museo de San Juan y el Museo de Las Américas. Reúne obras de poco más de 100 artistas de diversas generaciones, representados por obras en las categorías de pintura, dibujo, medio mixto, gráfica, fotografía, escultura e instalaciones, reservando un espacio para obras de “performance”. La necesidad de ajustarse a las dimensiones de los espacios de exhibición en los museos fue un factor determinante a la hora de tomar decisiones en cuanto a la selección de artistas y de obras. Presentar ejemplos  fidedignos de la excelente factura que distingue nuestra tradición plástica, como mostrar ejemplos paradigmáticos con los que los artistas seducen al espectador en la época de la  globalización capitalista fue otro factor importante: el uso de nuevos materiales, de nuevas técnicas y nuevas tecnologías, la hibridación de los medios y de los nuevos acercamientos a los géneros tradicionales. Finalmente, no se ha querido dejar de lado a los modelos de representación alternativos como el feminismo, el movimiento “queer” y el arte de documentación y archivo o de la memoria, que, sin lugar a dudas, dejarán una huella importante en el arte de los próximos 50 años. The 50 Years of the Art Students League This year the Art Students League of San Juan celebrates the fiftieth anniversary of its founding in 1968. One of the ways we are commemorating this important event is by mounting this exhibition, a representative, albeit limited, selection from the long list of artists who have been part of this institution over the last fifty years: artist-teachers who have given classes in the League, artists who at some point were students here, artists who have exhibited their work in the San José and Delta de Picó galleries since 1969 or whose work has been the subject of articles contained in some of the 21 issues of Plástica published between 1978 and 1991. In doing the research for this exhibition, the immeasurable importance of the League’s work over these last fifty years became clear. It has, indeed, left an indelible mark on the history of contemporary art in Puerto Rico. It should be noted that since its founding, the League has welcomed almost all the contemporary and avant-garde art movements that have manifested themselves in Puerto Rico in the second half of the twentieth and beginning of the twenty-first century: the Abstraction of the Sixties, the ceramics and art photography of the Seventies, the installations and New Figuration of the Eighties, and most of the modalities of artistic expression that we see today. The League has also lent support to important and groundbreaking groups such as the Women Artists Association of Puerto Rico and the artists who were the driving force behind the creation of the Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. The exhibition has been divided between the Museo de San Juan and the Museo de Las Américas. It brings together works by a little over 100 artists of several generations: paintings, drawings, mixed media pieces, posters and other graphics, photographs, sculptures, and installations, with a space reserved for performance pieces. The need to accommodate the pieces in the museum spaces was a determining factor in making some of the decisions about the artists and works finally chosen. Two other factors were the desire to present trustworthy examples of the excellent facture that distinguishes our artistic tradition and to show some of the paradigmatic ways by which artists seduce the viewer in the era of capitalist globalization: using new materials, new techniques, and new technologies, hybridizing media, and taking new approaches to traditional genres. Finally, we have wanted to include models of representation such as the queer movement, and the art of documentation and archive, or memory, all of which will unquestionably leave an important mark on the art of the next fifty years.

Esculturas Sonoras Esculturas Sonoras, colección que funde la pintura, la escultura y la música, juega con las fronteras porosas entre lo cotidiano y el arte.  Instrumentos pictóricos que en algún momento fueron tanques de gas, objetos útiles en convertir lo crudo en lo cocido, ahora comunican historias, mitos y sonoridad.  La variedad técnica y temática del lenguaje visual representa la labor de varias generaciones de pintores que han dotado a cada escultura una identidad única.  Los elementos sonoros y escultóricos, por su parte, juegan un rol cohesivo.  Las 17 esculturas comparten lengüetas simétricas por donde se activa la pentafonía en sus cuerpos cilíndricos. Desde las Cuevas de Lascaux y las antiguas ánforas griegas hasta la Torre Eiffel o los “objetos encontrados” del arte contemporáneo, el diálogo entre lo cotidiano y el arte ha sido una constante de la existencia humana.  Objetos que guardan una relación entre lo pictórico, lo escultórico y lo sonoro, aunque comunes a todas las culturas humanas, son menos frecuentes y corresponden en su mayoría a las prácticas mágico-ritualísticas y curativas de pueblos ancestrales.  En el Caribe, los inicios de estas prácticas se remontan a los taínos quienes confeccionaban con árboles ahuecados el mayohuacán, instrumento central del areito.  Creían nuestros ancestros que el universo estaba vivo y que las fuerzas de la naturaleza, los animales y los espíritus de sus antepasados se comunicaban a través de sus instrumentos.  Estos objetos eran avatares de los seres míticos, los animales y las fuerzas naturales representados en sus iconografías o en sus formas antropomórficas y zoomórficas, y musicalmente imitaban sus sonidos. Siguiendo una filosofía animista parecida, los afrocaribeños en el Nuevo Mundo tomaron objetos manufacturados como el barril para recrear sus tambores.  Ya sea en la bomba puertorriqueña, el bata afrocubano o el steel drum de Trinidad, el tambor juega un rol intrínseco y cobra vida en la celebración de fiestas de Carnaval, ritos fúnebres y toques de santos; conjugando lo sagrado con lo profano. Aunque de una manera más discreta, la relación entre lo escultórico, lo pictórico y lo sonoro también está presente en la práctica sincrética de la imaginería popular cristiana.  En el caso de Puerto Rico, es mediante el rosario cantado y el aguinaldo que los santos de madera escuchan las promesas de sus devotos.  Al sol de hoy, en circuitos populares de la música caribeña siguen apareciendo instrumentos hechos de palos de escoba, latas de sardinas, hebillas de pelo y frenos automovilísticos, como testimonio de tradiciones que sostienen su arte a través de lo cotidiano. Tomando en cuenta esta trayectoria de fusionar lo cotidiano y el arte: ¿nos debe extrañar que 17 tanques de gas se conviertan en esculturas sonoras?  El arte en el Caribe, como costumbre, se ha cimentado en prácticas de reciclaje y transformación.  Ante los problemas que enfrenta nuestra actualidad, con la crisis ambiental, el consumismo desenfrenado y las políticas de un sistema neoliberal que cuestionan la utilidad del arte en la vida moderna, el proyecto Esculturas Sonoras propone nuevas maneras de pensar un futuro más sostenible, de ver lo útil en lo inútil y de transformar lo desechable en arte. Jaime O. Bofill CaleroEtnomusicólogo, Conservatorio de Música de Puerto Rico ARTISTAS PARTICIPANTES Abismael «Aby» RuizNace en Arecibo, Puerto Rico en 1971. Cursa estudios formales en pintura, dibujo y grabado en la Escuela Especializada de Bellas Artes de Arecibo del 2001 al 2003, donde fue estudiante de Roland Borges Soto. Anteriormente había tomado clases particulares de pintura con el pintor español Pablo San Segundo. Sus obras han formado parte de colectivas a nivel nacional e internacional. Su primera exposición individual fue Destiempo, en la Galería Don Juan en Arecibo. Admin TorresNace el 17 de noviembre del 1986, oriunda del barrio Juan Domingo en Guaynabo. Realiza sus primeros estudios en la Escuela Central de Artes Visuales de Santurce y completa un Bachillerato en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico en San Juan, donde es galardonada con varios méritos, entre ellos Medalla de Dibujo Don Ricardo Alegría, Mención de Honor en Pintura y el Premio Especial de Pintura Carlos Collazo. A su vez realizó estudios en Diseño y Confección de Moda y Alta Costura. Ha participado en exhibiciones en galerías a nivel nacional e internacional tales como el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte de Puerto Rico, Galería Centro Villa Victoria en Boston, Museo de Arte y Diseño en Costa Rica, la Feria Montreal en Canadá y el Museo Ex-Teresa en la Ciudad de México. Dafne ElviraNace en Santiago de Compostela, España en 1964. Obtiene un Bachillerato en Comunicación Pública de la Universidad de Puerto Rico. Su primera aproximación al arte fue en el campo de la joyería escultórica. Para el 2012 forma parte del grupo Pinceladas Olímpicas, donde artistas puertorriqueños plasman mediante su arte los momentos transcendentales de la historia del olimpismo en Puerto Rico. Dafne Elvira trabaja el tema de Helsinki (1952) donde se iza por primera vez la bandera puertorriqueña en un evento oficial olímpico. En el 2013 presenta la exposición Líricas en la Sala de Exposiciones de la Fundación Ángel Ramos. Su obra se ha presentado en galerías nacionales e internacionales. David ZayasNace en Ponce, Puerto Rico en 1983. Su pasión por el arte y el talento para el dibujo los adquirió de su padre, quien era ilustrador. Al pasar los años fue demostrando sus habilidades artísticas, las cuales pudo ir desarrollando en la Escuela de Bellas Artes de Ponce, donde cursó sus estudios. Luego ingresó a la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico, donde se gradúa en el 2003. Ha participado como muralista en diferentes proyectos de arte urbano locales e internacionales como Los Muros Hablan, Santurce es Ley, 3ra. Bienal y 4ta. Bienal Internacional de Muralismo y  Arte Público de Colombia y la XII Bienal de La Habana, Cuba. En el 2015 hace historia en el arte puertorriqueño cuando presenta la primera exposición de muralismo contemporáneo Muralis en el Museo de Las Américas. Enrique CárdenasNace en México.

SACRO CORPUS Iván Girona Las decantaciones químicas suelen ser procesos complicados, las del arte, en cambio, son, además, sutiles, y siguen dando la impresión de la magia. En ese afán de depuramiento formal y espiritual, la muestra Sacro Corpus de Iván Girona, permite al público acercarse una vez más a una obra cada vez más intensa en sus exploraciones y sus hallazgos. En la práctica artística, el tiempo suele ser un factor crucial a la hora de ir configurando un mundo personal, y en la trayectoria de este artista, se van ampliando registros, pero también, como decíamos al comienzo, se filtran los recursos antes utilizados en pos de resultados más prístinos que los anteriores. Girona es uno de los artistas nuestros que sigue estudiando para ver cómo toma una nueva curva inesperada en el camino. Si bien, conocemos sus exquisitos trabajos en metacrilato, con un colorido exuberante, y por otra parte, al dibujante virtuoso con sus figuraciones imaginarias, ahora, tenemos en la muestra, su incursión en la cerámica, que expande su propuesta artística. No obstante, las obras aquí expuestas van dando pruebas en los tres medios, de una madurez que se gana a fuerza de reflexión y de trabajo constante. Los dibujos aquí expuestos tienden a subrayar volúmenes, marcar sombras; son leves, pero enigmáticos, y bien como dirigiendo la atención hacia sus nuevas búsquedas ahora en el medio de la cerámica. La incursión en el barro, ha obligado a Girona a concretar volúmenes en el espacio, y pulir superficies, que ahora imponen su tridimensionalidad, mientras antes eran sugeridas en sus trabajos bidimensionales. Eso le ha permitido experimentar lo escultórico de cerca. Así se comprueba en Madonna y en Sagrado sexo, ambas del 2019. La imaginación del artista, lo inclina a yuxtaponer formas de especimenes distintos de cualquier reino natural. Aquí sus formas cobran una sensualidad por la invitación al tacto sobre una sinuosidad de cavidades y protuberancias. Se establecen como opuestos, como principio masculino y femenino, como ejes rectores de una jerarquía compositiva. Como decíamos poco antes, los dibujos, quizás sean el puente de lo bidimensional a lo tridimensional. Entre procesos naturales, determinaciones sociales o científicas, la configuración de protagonistas surreales le brinda el carácter alucinatorio, acostumbrados en sus trabajos de papel. Fermentación, Profeta, Herencia, El bautizante, Tentado, todos del 2019, permiten la convergencia de lo vegetal y lo animal. Muchos de los protagonistas de estos dibujos a tinta tienen una vertiginosa hibridez en su factura. Hay rasgos de tubérculos, de crustáceos, de órganos humanos camuflados por virtud intuitiva. No obstante, estos dibujos son intencionalmente más esquemáticos que rigurosamente detallados. Esto, entiendo, se debe al tránsito que se está dando en la obra de Girona hacia lo tridimensional. Las necesidades internas lo inclinan a subrayar volúmenes, insinuar sombras, y basta. Ese cuerpo tenue comienza a invadir nuestro espacio, y el diálogo entre el dibujo y la cerámica se da en voz baja. Gran contraste, en cambio, cuando examinamos los nuevos trabajos en metacrilato. Ya comienza a advertirse también en algunas piezas en metacrilato, la necesidad de expandirse en todas las direcciones. Y hay que decirlo, las obras en metacrilato han alcanzado un nivel de sofisticación y poesía extraordinario. Ejemplo de la irrupción de la tridimensionalidad en la policromía del metacrilato, es la pieza Resurrección (2019). Desde hace más de un año, Girona viene confeccionando bocetos para futuros trabajos en los que se engarzan las piezas de metacrilato unas en otras, creando un magistral rompecabezas. Julio Cortázar lo denominaría Modelo para armar, Girona lo titula Sacro Corpus. No obstante, no es sólo el que los volúmenes han ido cobrando espacio en el espacio, sino las inusitadas armonías de color, así como un uso más osado del metacrilato en su transparencia. Del 2018, Axiomas traicioneros, Iluminación y Orbes; del 2019, Coronado, Perdore Rex, Señalamiento e Iluminado. Mientras los metacrilatos del 2018 daban la impresión de tener una aproximación más inclinada al retrato de un personaje fantástico, las más recientes se inclinan hacia la amplitud del paisaje. Decíamos que el cuerpo se extiende en el espacio. La pasión de Girona por ciertas manifestaciones de la naturaleza que él recoge en su obra de modo lírico, se vuelca en Sacro Corpus con una nueva preocupación, que es detonante de varias consecuencias plásticas. Entendemos que ese nuevo enfoque está dictado, como decíamos, por su incursión en la cerámica y en la tridimensionalidad del metacrilato. Hay una necesidad de encarnar, de que el cuerpo sea palpable en el espacio. Esto es un cuidado formal que estaba por brotar, y que ahora comienza a consumarse. Esto es obra en tránsito, ¡pero qué transito! Y en esa vía iluminada, la unión entre carnalidad, sexualidad y constitución de lo sagrado, se nos manifiesta por medio de la simbiosis de forma y color. Incluso, la transparencia juega el papel más crucial en estos trabajos, pues nuestra mirada traspasa el soporte casi como un rapto. Vemos el frente y buena parte de lo que está detrás. No es extraña esta voracidad sacralizante, pero también carnal. Devoración mediante la vista. Una hostia de colores se levanta. El dramaturgo francés Jean Genet decía, que levantarla en el momento culminante de la misa, era el acto más obsceno de todos. por Rubén Alejandro Moreira

Puerto Rico en mi Ektor Rivera Puerto Rico en mi presenta a Ektor de cuerpo entero. El arte como modo de intervenir, en que lo sensible y lo espiritual se unen; el arte como fusión de artes, donde lo musical y lo teatral se desplazan sutilmente en las superficies cromáticas. Colores cálidos y fuertes. Intensos y exuberantes. Significados que invitan a la reflexión. Las obras de esta exposición revelan una tensión, una lucha entre protagonistas. La luz y la figura, los colores y los cuerpos, están siempre presentes; y, a la vez, una propuesta pictórica que obliga a la interpretación y exige lecturas reflexivas. La obra de Ektor es caribeña y puertorriqueña, no importa dónde él esté. Puerto Rico es generoso con su luminosidad y riqueza cromática, y él la captura con elegancia en la escala monumental de sus piezas. La puertorriqueñidad aparece siempre de modo regio y contundente; un orgullo peculiar que tiene en la bandera su emblema, y que la diáspora boricana exhibe como eje de su resistencia. Obras como Instinto, Obreros de la patria y Resistencia son sus testimonios; también Las Vírgenes, reminiscencias del arte sacro, acompañada de instrumentos musicales típicos en la Virgen de invierno; con flores y margaritas en la Virgen de primavera, y con mar y cocos en la de verano. Las obras de esta exposición están pobladas de temas que han perseguido a Ektor por largo trecho. La fuerza de la energía entre lo humano y los objetos, esos campos magnéticos tan presentes en E.R.A. y Éter. Las formas geométricas que todo lo conectan en el espacio, que aparecen y reaparecen vestidas, atenuadas de color. El balance y el equilibrio como poder subjetivo, como fuerza que llama a la quietud y a la serenidad. Lo mismo y lo otro, el adentro y el afuera, los opuestos que se atraen, son ideas recurrentes que muestran su interés por los binomios interpretativos, tan cercas de la reflexión filosófica. El tema privilegiado de la mujer, su cuerpo y su energía, habita en sus obras por largo tiempo, presentadas aquí en grabados en plexiglas como Goddess, o en obras como Perfil de Gea, Madre Tierra en Astra y Musa Antillana. La exposición se divide por medios y formas estéticas. De un lado, los exuberantes acrílicos sobre canvas; de otro, los delicados grabados sobre plexiglás, y las formas mixtas, exploratorias, en el entrecruce de la fotografía, el acrílico y el vinyl adhesivo. Un diálogo subterráneo con la tradición plástica universal parece revelarse en varias piezas de Ektor. Ese intercambio es evidente en la obra XV-XXI; más sutil en Me sabe a New York, que recuerda a Warhol, y palpable en Interludio y Amor color mariposa en interacción con el surrealismo. La conversación no se limita a los universales. El grabado es una de las aportaciones significativas del arte gráfico puertorriqueño, desde Homar, Tufiño y Alicea, que él rescata en su arte de los cristales de modo magistral. Esta propuesta pictórica de Ektor tiene temporalidad, pertenece a un momento de su desarrollo artístico, plural y sin fronteras. Pero, sobre todo, transmite una ética, un respeto por el país que lleva adentro, por una memoria que lo ata inescapablemente a este lugar, de donde salieron sus sueños, sus preocupaciones metafísicas, su romanticismo y sus vivencias profundas. Dennis Alicea